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Coldplay – Ghost Stories

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Cuando el año 2000 daba sus primeros pasos, unos noveles Coldplay daban un batatazo en el mainstream inglés y, por consecuencia, a nivel mundial con “Parachutes”, una colección redonda de canciones abrasivas circundada por melodías preciosamente cuidadas, rozando el romanticismo cliché y el positivismo endógeno y naïve. Sonoramente, fueron puestos a la sombra de bandas que ya estaban explorando esta introspección como Radiohead o Muse, pero como los primeros se pusieron a juguetear con máquinas y los segundos se dedicaron a hacer rock de estadio, la pista les quedó libre para hacer y deshacer a gusto con este nicho huérfano de emocionalidad y delicadez; cosecharon éxito tras éxito con “A Rush Of Blood To The Head” (2002), y en “X&Y” (2005) simplemente se comieron el mundo, aunque algo ya estaba cambiando, sonoridades electrónicas fueron tomando parte importante. Luego, vino la producción de Brian Eno y los hizo divagar por ambientes electrónicos grandilocuentes pero anodinos en “Viva La Vida Or Death And All His Friends” (2008) y “Mylo Xyloto” (2011).

COLDPLAY 01Luego de un hiato supuestamente indefinido, este año anunciaron sorpresivamente la vuelta a las pistas con “Ghost Stories” y, para ser honestos, la historia no cambia radicalmente, al menos en lo electrónico de todo el asunto. “Always In My Head” y “Magic” así lo delatan con sus cajas de ritmos y sus ambientes melancólicos, pero hay algo que no está en este disco y que no necesariamente se puede decir que se extraña: la grandilocuencia ni ansias de hacer rock para cien mil personas, la vibra es mucho más íntima, y ya en las primeras líneas de “Always In My Head” dan cuenta que esto es obra de una ruptura amorosa, el mediático quiebre entre su frontman Chris Martin y la actriz Gwyneth Paltrow campea por todos lados, sin embargo, no se percibe como algo crudo y visceral como “Sea Change” de Beck o “13” de Blur, sino que como algo mucho más trabajado y maquillado, algo como llorar rodeado de luces estroboscópicas con la última canción en la discoteca, esa que recordaba a la polola, en actitud doliente pero siempre digna. Los primeros atisbos de algo orgánico aparecen en la guitarra acústica de “Ink”, mas se diluyen levemente en “True Love”. Hasta ahora, el álbum cumple con su cometido al menos en retratar el momento de Martin durante el invierno boreal de este año: el disco va a la deriva, tal y como el “pequeño Bono” debió haber estado emocionalmente en su momento.

Donde se retoma el rumbo es en “Midnight”, alejada de todo lo anteriormente expuesto y cercana al tratamiento vocal de Bon Iver, resulta un punto interesante y un quiebre incluso para toda la discografía. Cuando se logran superar las dudas si acaso esto es un disco de Coldplay o un álbum solista de Martin, “Another’s Arms” y su piano se vuelve disfrutable, la melodía es recordable y la voz celestial de fondo se graba de inmediato, aunque el mid-tempo ya empieza a agotar.

COLDPLAY 02“Oceans” y su guitarra matizada con leves toques de sintetizador recuerdan los buenos tiempos, aunque el cambio brusco hacia el casi EDM de “A Sky Full Of Stars” confunde y desorienta, al mismo tiempo que es una cachetada contra la modorra. Aquí, Martin se muestra alegre y positivo, cual si fuera esa etapa del quiebre donde se miente a si mismo (a veces con buenos resultados) y se dice “todo bien, a bailar, qué importa”, para volver a caer en depresión con “O” y su pianito emotivo. “All Your Friends” retoma la idea inicial de este trabajo desde las cajas de ritmos y los tiempos reposados; si esto es en efecto una historia, el morbo aparece para preguntarse “Y, bueno, ¿cómo va a terminar todo esto?”. Entonces el grand finale de esta teleserie aparece y es el track que le da nombre al disco, positivo y animoso; el bueno de Chris estará bien y se nota.

Y es que finalmente el manejo comunicacional del mencionado quiebre amoroso convirtió “Ghost Stories” en un guión para una novela que aún se está construyendo. Musicalmente está lejos de ser el mejor disco, pero cumple; es sincero, pero muestra una verdad meticulosamente elaborada, lo cual no es necesariamente malo, siendo positivos, endógenamente positivos como Chris Martin mismo.

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Arctic Monkeys – “Tranquility Base Hotel & Casino”

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Tranquility Base Hotel & Casino

Un hype autogenerado en prensa y fanáticos por igual mantuvo las miradas del mundo en “Tranquility Base Hotel & Casino”, el sexto álbum de Arctic Monkeys, esperado ansiosamente por quienes anhelaban saber el siguiente paso que el cuarteto de Sheffield iba a tomar. Ante esto, el conjunto dio vida a uno de los trabajos más extraños y desorientados de su discografía, incluso más que su antecesor “AM” (2013), polémico punto de inflexión en el camino de Alex Turner y los suyos. Sí, Turner y los suyos, porque este nuevo LP no hace más que reflejar un deseo casi intrínseco del frontman por tomar el control de todos los aspectos creativos de la banda, asumiendo poco a poco más protagonismo sobre sus compañeros, al punto de llegar a un disco en que los otros tres talentosísimos miembros quedan relegados a ser la banda de compañía de su figura principal.

Desde el comienzo se aprecia un trabajo claramente influenciado por las decisiones artísticas de Turner, entregando un constante tempo de ambiente lounge, con la banda completa sirviendo de acompañamiento rítmico para el desolado Alex y sus reflexiones sobre la vida, como cual rockstar en el ocaso, sólo que con varios años y vivencias menos que de costumbre. Esa caricaturización del artista introspectivo y melancólico no ayuda mucho a la hora de sentar sobre la mesa lo que debía ser un regreso en gloria y majestad, pero que va perdiendo fuerzas por ripios que su misma naturaleza pretenciosa va dejando en el camino. Canciones como “Star Treatment” o “American Sports” dejan en evidencia el sentido principal de la obra, que se sostiene bajo una calidad sonora sólida y mucho más elaborada que en trabajos anteriores, pero que a la larga no posee un trasfondo más potente para su desarrollo general.

Continuando con lo que se siente como un loop eterno, el bajista Nick O’Malley igual logra lucirse junto a la batería de Matt Helders, pese a lo reducida de su participación en términos creativos, igual que lo ocurrido con el guitarrista Jamie Cook que, independiente de unos cuantos solos genéricos en algunas canciones, no es mayor el trabajo que realiza. Muchos de los defensores de este trabajo han criticado el hecho de que la gente pide que Arctic Monkeys vuelva a ser lo de antes, aludiendo a una ausencia del estilo que la banda profesaba en sus primeros años. Lo cierto es que eso está lejos de ser así, ya que lo que se pide no es un regreso en términos de sonido, sino que de calidad. No se trata de volver a los guitarrazos de antaño o a las potentes canciones de tiempos rebeldes, como “Favourite Worst Nightmare” (2007), en vez de eso, se siente la necesidad de que la banda encuentre su norte en términos de creatividad, dejando de lado una pomposidad forzada y repetitiva, que no le hace un gran favor a su verdadera calidad como músicos.

Un giro artístico siempre será un riesgo considerable, y Arctic Monkeys lo supo manejar de cierta forma con su anterior álbum, pero en el caso de “Tranquility Base Hotel & Casino” no existe un deseo de reforzar la línea sonora que proliferó en aquella placa, optando por adornar composiciones donde se huele a millas de distancia el trabajo casi solitario de Alex Turner. Ese sonido ya conocido en proyectos del músico –como The Last Shadow Puppets– que se toma cada segundo de este álbum, estableciéndolo más como un capricho personal del frontman en vez de un disco que tenga un sentido claro de su forma y fondo, así como del concepto que pretende englobar entre sus canciones. No hay que confundir todos los argumentos expuestos con que la calidad sonora del trabajo es precaria, ya que sin duda existe una ampliación en el espectro de la banda, solidificando así su interpretación. El principal problema es lo forzado con que Turner intenta vender una supuesta obra maestra, recurriendo a clichés que derivan en un producto insípido y falto de ideas.

Muchos coinciden en que este álbum representa un gran paso para la banda, algo que es completamente cierto. Ahora, el destino que ese paso le entregue al cuarteto será la gran interrogante, ya que podría poner en jaque los egos de una agrupación que se empieza a ver consumida por el protagonismo de su vocalista. El propio Jamie Cook afirmó haberle sugerido a Turner lanzar este trabajo como un álbum solista, pero finalmente accedieron a etiquetar la obra como el sexto LP de la banda. Todas las cosas tienen un significado diferente, dependiendo el punto de vista en que se mire, y claramente este disco habría tenido una recepción abismalmente diferente si no se presentaba como el nuevo trabajo de una de las bandas más importantes de los últimos años.

El amor al recuerdo siempre estará latente, pero sólo el tiempo dirá cuál es el destino de Arctic Monkeys. Por ahora, existen dos caminos claros: abrazar esta etapa como la nueva obsesión del principal titiritero del conjunto, o reflexionar sobre una banda que podría dar mucho más, pero que prefiere dejarse llevar por ideas que se imponen en pos de un beneficio no igualitario para todos sus integrantes. En manos de todos queda la elección sobre el camino que se tomará.


Artista: Arctic MonkeysTranquility Base Hotel & Casino

Disco: Tranquility Base Hotel & Casino

Duración: 40:51

Año: 2018

Sello: Domino


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