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Coheed And Cambria – The Afterman: Descension

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La espera terminó y por fin podemos degustar la segunda parte del último álbum de los neoyorkinos de Coheed And Cambria. Este volumen es el complemento de la placa “The Afterman: Ascension”, editada en octubre de 2012 y, al igual que su predecesor, está compuesto por nueve temas de corte conceptual. Junto a la edición de este álbum se pondrá a la venta un set de lujo, compuesto por dos vinilos, dorado y plateado, además de un libro tapa dura de 64 páginas escrito por Claudio Sanchez, en donde se hace un recorrido por la historia de cada uno de los 18 tracks que componen ambas placas, y con el arte expansivo de Heidi Taillefer y Nathan Spoor. Adicionalmente, esta edición especial contendrá un set de cuatro uñetas, que para las primeras 1500 copias estarán firmadas por cada uno de los miembros de la banda.

COHEED AND CAMBRIA 01“Pretelethal” marca el comienzo del viaje a través del álbum, en donde el delicado sonido acústico de la guitarra introduce la característica voz de Claudio Sanchez, que rápidamente se complementa con toda la potencia de la batería y enérgicas secuencias de cuerda. El ambiente se llena de intensidad y fuerza de la mano de “Key Entity Extraction V: Sentry The Defiant”, una canción plagada de dinamismo y potentes riffs de guitarra, en donde cada uno de los instrumentos estructuran un corte extremadamente sólido. Llega el turno de “The Hard Sell”, que irrumpe con una buena dosis de rock progresivo, con Sanchez exigiendo al máximo su capacidad vocal al ritmo de una furiosa y veloz melodía. En “Number City” el protagonismo lo asume el bajo de Zach Cooper, que desde el principio marca la pauta de la canción, ganando en energía con la incorporación de elementos electrónicos y el lúdico sonido de la trompeta, que en algunos pasajes lo acerca a la línea del ska. “Gravity’s Union” se fundamenta sobre una melodía de corte más áspero y agresivo, con toda la intensidad que aporta la guitarra de Travis Stever y la sólida ejecución de Josh Eppard en la batería.

Las revoluciones decaen con “Away We Go”, un tema mucho más melódico, agradable y de fácil digestión. En este corte los sonidos potentes dan paso a progresiones más alegres y llenas de vitalidad, que por su particularidad lo encumbran dentro de lo más destacable de la placa. En “Iron Fist”, los nativos de New York siguen apelando a una melodía más relajada, que es adornada por precisas pinceladas de batería y solos de guitarra perfectamente ejecutados. La penúltima canción del disco, “Dark Side Of Me”, es también el primer sencillo que se dio a conocer, cumpliendo de excelente manera su misión de matizar los múltiples estilos que ofrece esta segunda parte de The Afterman. En este track podemos distinguir fácilmente las diversas facetas de Coheed And Cambria, melodías sensibles y delicadas que se transportan con relativa naturalidad a sonidos intensos y potentes. El cierre del viaje corre por cuenta de “2’s My Favorite 1”, donde nuevamente vuelven a ser protagonista las secuencias más dinámicas y abundantes de energía, con todos los elementos funcionando en perfecta armonía y complicidad.

COHEED AND CAMBRIA 02En octubre del año pasado me aventuré a comentar que el único defecto de este álbum era tener que esperar cuatro meses para degustar su segunda entrega, y tras escuchar “The Afterman: Descension”, no sería para nada arriesgado afirmar que el producto final justificó totalmente la espera, logrando lo que a simple vista parecía utópico, superar todo lo bueno que ofreció su predecesor. Esta segunda parte carece de puntos débiles, donde cada uno de sus cortes parece encajar a la perfección con el resto del álbum, eliminando por completo la sensación de que existen temas de relleno o fuera de lugar. Coheed And Cambria sigue sorprendiendo con cada nueva placa que nos ofrece, y es precisamente en este punto que radica su genialidad, esa capacidad inagotable para generar verdaderas obras maestras.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Alguien

    28-Ene-2013 en 10:39 am

    Concuerdo completamente con el review. Qué bueno saber que no soy el único que disfrutó mucho de este disco en su totalidad.

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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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