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Coheed And Cambria – The Afterman: Ascension

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El sexto álbum de estudio de los neoyorkinos de Coheed And Cambria, será presentado en dos volúmenes larga duración. El primero de ellos lleva por nombre “The Afterman: Ascension”, mientras que el segundo, que se espera vea la luz en febrero de 2013, se titulará “’The Afterman: Descension”. Este disco, fiel a la tradición de la banda, se mantiene en la línea del formato conceptual y se fundamenta en la figura de un personaje llamado Sirius Amory, un científico que descubre una energía capaz de conectar los 78 planetas del universo.

La placa será editada bajo la etiqueta Hundred Handed/Everything Evil, y dentro de las novedades en la formación se encuentra el regreso de Josh Eppard, baterista original de la banda, además de la incorporación del bajista Zach Cooper, que llega en reemplazo de Michael Todd, desvinculado de la agrupación por haber sido encontrado culpable del cargo de robo a mano armada. La edición de lujo del trabajo incluirá un libro de tapa dura, con el arte expansivo de Heidi Taillefer y Nathan Spoor, y textos de apoyo firmados por el vocalista y creador Claudio Sanchez y el escritor Peter David.

“The Hollow” es el tema encargado de abrir el viaje a través del universo alternativo de “Heaven’s Fence” (perteneciente a la serie “The Amory Wars”). Una melodía delicada, donde el piano se convierte en protagonista principal, creando una atmósfera melancólica y lúgubre. El disco continúa con “Key Entity Extraction I: Domino The Destitute”, canción que en su primer minuto transita sin sobresaltos por el sonido sintetizado de la guitarra, para posteriormente explotar en toda la energía y potencia de la batería. La intensidad disminuye de la mano de “The Afterman”, cuyo sensible riff se complementa a la perfección con la voz difuminada de Sanchez, conformando una hermosa pieza que invita a la sensibilización y relajación. “Mothers Of Men”, constituye el mejor ejemplo del rock progresivo que profesa Coheed And Cambria, con secuencias potentes y aceleradas, que no escatiman esfuerzos en su afán por recrear un ambiente oscuro y desgarrador. “Goodnight, Fair Lady” cambia completamente la perspectiva del álbum, con una melodía lúdica y dinámica, rebosante de energía y luminosidad, que la convierten rápidamente en uno de los cortes más llamativos de la placa.

La segunda parte del disco comienza con toda la fuerza de “Key Entity Extraction II: Hollywood The Cracked”, un corte potente, que se acerca a la línea del thrash metal en base al poderoso sonido de la guitarra y la batería, que en ningún momento paran de golpear. Llega el turno de “Key Entity Extraction III: Vic The Butcher”, que baja las revoluciones respecto a su predecesora, pero que se mantiene dentro del mismo estilo, con ritmos recargados y agresivos, además de precisas secuencias de cuerdas, con ráfagas de licks perfectamente logrados. Con “Key Entity Extraction IV: Evagria The Faithful” vuelve a aparecer en todo su esplendor el sonido del sintetizador, y con él una melodía mucho más digerible, comercialmente hablando. Sin embargo, la carencia de intensidad le juega en contra, transformándolo en quizás el único corte que no termina por convencer dentro de todo el repertorio del disco. El último capítulo del viaje corre por cuenta de la hermosa “Subtraction”, un tema de corte más bien experimental, cuya belleza radica principalmente en la sensibilidad de su sonido, que hace convivir elementos electrónicos y acústicos en perfecta armonía. Como si todo esto no fuese suficiente para terminar de configurar uno de los fragmentos más sublimes de la placa, la interpretación a múltiples voces saca aplausos, fluyendo naturalmente por todo el espectro de la canción.

Después de escuchar el primer volumen del nuevo trabajo de Coheed And Cambria. quedan más que claras las razones por las cuales Mark Wahlberg y Stephen Levinson (Leverage Productions) están trabajando en la versión cinematográfica de “The Amory Wars”. Cada uno de los cortes del álbum logra transportar al oyente a un universo plagado de hermosas texturas y sonidos, creando una experiencia que prácticamente no tiene precedentes en la línea de los tintes más duros del rock. “The Afterman: Ascension”, es sin lugar a dudas uno de los mejores discos conceptuales de los últimos años, donde el único defecto que podemos encontrar es la frustración de tener que esperar cuatro meses para degustar su segunda parte.

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Alguien

    09-Oct-2012 en 11:09 am

    Un review sencillo, pero preciso. Muy buen disco y lo mejor es que aún falta la segunda parte que promete mucho.

  2. Alguien

    09-Oct-2012 en 2:13 pm

    Ah, unos detalles:
    1. No le veo la línea “thrash metal” en Holly Wood the Cracked.
    2. Evagria the Faithful es uno de los mejores temas que ha hecho Coheed en su historia.

    ‘Nuff said.

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El Álbum Esencial: “Undertow” de Tool

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Undertow

La portada de todo álbum debiese generar impresiones anticipadas sobre el contenido que este alberga. Bajo esa lógica, ver esa especie de caja torácica roja –que en primera instancia tendría a una mujer obesa y desnuda dentro de ella, pero fue censurada– delante de un fondo negro, no puede más que desconcertar. Si a eso se le suma el intrigante título, “Undertow” (“Resaca” en inglés), esto sólo pude verse potenciado. La estética visual de todo esto simplemente respondía a la proyección del vivo reflejo de la música de Tool. Agonía y desconcierto, no existe otra forma de describirles.

Sin duda alguna, aquello que encierra esta criptica iconografía y perfora nuestro cerebro desde los oídos es difícil de clasificar para la época, o incluso hoy por hoy. A mediados de los 90, todo lo que sonara más o menos distorsionado solía ser etiquetado de grunge o, en el mejor de los casos, como rock alternativo. Pero acá había una diferencia: el uso que se dio a la oscuridad. No hablamos del manto de sombras melancólicas que rodeaba al común de la música de la denominada Generación X, sino que de una penumbra mucho más densa que se manifestaba mediante una catarsis brutal. Pese a su crudeza y visceralidad, también encontramos niveles de introspección y sutileza muy alejados de los márgenes de la escena de la costa oeste estadounidense.

Es habitual que los álbumes debut de una banda expongan una continuidad estética en referencia a los demos, cosa que acá no ocurre. “Undertow”, para ser el primer larga duración, es sumamente complejo, pues marca un temprano punto de inflexión en el trabajo de los oriundos de Los Angeles, cosa que en otras agrupaciones ocurre entrada la discografía. Hay acá una sonoridad mucho más oscura, la que comienza a reemplazar progresivamente el rock más frontal y acelerado presente en el EP “Opiate” (1992). Los temas de tres minutos en donde se lograba apreciar la influencia hardcore que posee la banda, comenzaron a alargarse hasta los seis o más debido a un aumento de versatilidad en las estructuras de cada canción, en donde los pasajes instrumentales empezaron a tomar cada vez mayor relevancia. Comenzaban así a ganarse paulatinamente la etiqueta de “progresivos” y vaya que lo merecían.

Aunque pudiese ser paradójico, la guitarra de Adam Jones no se caracteriza por exponer las destrezas sobrehumanas con las que se está habituado en la mayoría de las bandas denominadas como metal progresivo, aun así, demuestra una técnica inconfundible, en donde el juego entre tonalidades densas y frecuencias que bordean la estridencia entregan diferentes matices a las composiciones. “Bottom”, tema en donde colabora el eterno Henry Rollins, es quizás el más claro reflejo de esto. Por su parte, el trabajo en el bajo de Paul D’Amour suena de forma penetrante y aguerrida, batallando el protagonismo rítmico y melódico en cada compás. La potencia y misticismo de “Flood” se debe en gran medida a la labor de este instrumento. Mismo misticismo que –con vidente de por medio– rodea la salida del bajista tras una gira por Europa promocionando el disco. En el futuro no lejano, sería el británico Justin Chancellor quien se haría cargo de las frecuencias bajas hasta la actualidad.

Si bien, en los instrumentos de cuerdas no podemos apreciar una técnica elevada como lo demandaría el género progresivo, aquello sí se puede hallar en la percusión. Probablemente, la rítmica que impone Danny Carey es el componente más experimental de la propuesta de Tool en sus inicios. Aunque aún no incorporan estructuras demasiado complejas como en posteriores discos, es notoria la variabilidad de los tiempos y la sagacidad con la que se pasea por la batería. Prueba de ello son temas como “Intolerance” o “Swamp Song”. Punto aparte también es el poderoso registro vocal del hoy endiosado Maynard James Keenan, clave para dar forma al tema homónimo del disco, en donde es capaz de saltar de fraseos melodiosos a desgarradores gritos, pasando por diabólicos arrullos con una facilidad inexplicable. Además, durante la promoción del álbum ya comenzaba a dar cuenta de esta particular visión del espectáculo, dado su singular desplante escénico.

Pese a que Tool suele ser clasificado como metal progresivo, en “Undertow” lo vanguardista está en mantener elementos minimalistas al alero de una gran sensibilidad instrumental. Es cosa de escuchar temas que quizás pasan más desapercibidos, como “Crawl Away” o “Swamp Song”, para dar cuenta de aquello, y ni hablar de temas como “4°” y “Flood”, que empezaban a dar pequeños, pero ahora evidentes indicios del camino que la banda tomaría en sus posteriores discos. Quien haya escuchado los casi 16 minutos de “Disgustipated” y diga que no es vanguardista, debe comenzar a cuestionar sus concepciones del mundo.

En cuanto a sencillos, el primer LP de la banda nos entrega “Sober” y “Prision Sex”, los cuales fueron acompañados de perturbadores videoclips promocionales, dirigidos por el mismo Adam Jones. El primer tema, en un ejercicio sublime de minimalismo al ser guiado por una secuencia repetitiva de tan sólo dos acordes, nos habla de la adicción del alcohol –incorporando la concepción cristiana del pecado–. Mientras tanto, el segundo relata la brutalidad de la violación infantil. Este último, dado lo tétrico de las imágenes y la crudeza de su letra, fue duramente censurado por las cadenas televisivas de música, pero como ha ocurrido a lo largo de la historia, el morbo ante lo prohibido sólo ayuda a atraer nuevos adictos e incrementar el peso de los cultos.

Así es como “Undertow”, con todos sus componentes, establece los cimientos de la catedral que posteriormente construiría Tool, dando pie para un largo legado que sigue influenciando a un sinfín de bandas de diversos estilos. Si bien, suele ser denostado por ser el disco menos experimental de la banda y, por ende, el con menos teorías conspirativas alrededor de él, su sonido más duro ha ayudado a consolidar a un grupo no menor de fanáticos de esta obra, quienes incluso profesan que este es el mejor de todos los lanzamientos del grupo. Pero ¿puede segmentarse la discografía de Tool y no comprenderla como un todo? ¿Hay realmente un mejor Tool? Preguntas tan complejas como sus respuestas y el objeto al que apuntan.

De todas formas, sí se puede asegurar algo: ser fan de Tool es probablemente uno de los actos de masoquismo más grandes dentro de la ya auto flagelante vida de los melómanos –podría incluirse dentro de esta patología el ser fan de Radiohead; si se es de ambos, el diagnostico debe ser crítico–. Y es que sentir atracción por aquello que no logramos comprender, por aquello que nos desestabiliza mentalmente por no poder apropiárnoslo, debe ser uno de los males más viejos de la historia de la humanidad. Aquel primer trago de la banda, sin duda, ha generado una resaca que sigue palpitando en nuestras cabezas. Lo único que se espera es mantenerla hasta que Maynard y compañía nos entreguen una nueva dosis de su tan ansiado licor.


Artista: ToolUndertow

Disco: Undertow

Duración: 69:13

Año: 1993

Sello: Zoo Entertainment


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