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Coheed And Cambria – The Afterman: Ascension

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El sexto álbum de estudio de los neoyorkinos de Coheed And Cambria, será presentado en dos volúmenes larga duración. El primero de ellos lleva por nombre “The Afterman: Ascension”, mientras que el segundo, que se espera vea la luz en febrero de 2013, se titulará “’The Afterman: Descension”. Este disco, fiel a la tradición de la banda, se mantiene en la línea del formato conceptual y se fundamenta en la figura de un personaje llamado Sirius Amory, un científico que descubre una energía capaz de conectar los 78 planetas del universo.

La placa será editada bajo la etiqueta Hundred Handed/Everything Evil, y dentro de las novedades en la formación se encuentra el regreso de Josh Eppard, baterista original de la banda, además de la incorporación del bajista Zach Cooper, que llega en reemplazo de Michael Todd, desvinculado de la agrupación por haber sido encontrado culpable del cargo de robo a mano armada. La edición de lujo del trabajo incluirá un libro de tapa dura, con el arte expansivo de Heidi Taillefer y Nathan Spoor, y textos de apoyo firmados por el vocalista y creador Claudio Sanchez y el escritor Peter David.

“The Hollow” es el tema encargado de abrir el viaje a través del universo alternativo de “Heaven’s Fence” (perteneciente a la serie “The Amory Wars”). Una melodía delicada, donde el piano se convierte en protagonista principal, creando una atmósfera melancólica y lúgubre. El disco continúa con “Key Entity Extraction I: Domino The Destitute”, canción que en su primer minuto transita sin sobresaltos por el sonido sintetizado de la guitarra, para posteriormente explotar en toda la energía y potencia de la batería. La intensidad disminuye de la mano de “The Afterman”, cuyo sensible riff se complementa a la perfección con la voz difuminada de Sanchez, conformando una hermosa pieza que invita a la sensibilización y relajación. “Mothers Of Men”, constituye el mejor ejemplo del rock progresivo que profesa Coheed And Cambria, con secuencias potentes y aceleradas, que no escatiman esfuerzos en su afán por recrear un ambiente oscuro y desgarrador. “Goodnight, Fair Lady” cambia completamente la perspectiva del álbum, con una melodía lúdica y dinámica, rebosante de energía y luminosidad, que la convierten rápidamente en uno de los cortes más llamativos de la placa.

La segunda parte del disco comienza con toda la fuerza de “Key Entity Extraction II: Hollywood The Cracked”, un corte potente, que se acerca a la línea del thrash metal en base al poderoso sonido de la guitarra y la batería, que en ningún momento paran de golpear. Llega el turno de “Key Entity Extraction III: Vic The Butcher”, que baja las revoluciones respecto a su predecesora, pero que se mantiene dentro del mismo estilo, con ritmos recargados y agresivos, además de precisas secuencias de cuerdas, con ráfagas de licks perfectamente logrados. Con “Key Entity Extraction IV: Evagria The Faithful” vuelve a aparecer en todo su esplendor el sonido del sintetizador, y con él una melodía mucho más digerible, comercialmente hablando. Sin embargo, la carencia de intensidad le juega en contra, transformándolo en quizás el único corte que no termina por convencer dentro de todo el repertorio del disco. El último capítulo del viaje corre por cuenta de la hermosa “Subtraction”, un tema de corte más bien experimental, cuya belleza radica principalmente en la sensibilidad de su sonido, que hace convivir elementos electrónicos y acústicos en perfecta armonía. Como si todo esto no fuese suficiente para terminar de configurar uno de los fragmentos más sublimes de la placa, la interpretación a múltiples voces saca aplausos, fluyendo naturalmente por todo el espectro de la canción.

Después de escuchar el primer volumen del nuevo trabajo de Coheed And Cambria. quedan más que claras las razones por las cuales Mark Wahlberg y Stephen Levinson (Leverage Productions) están trabajando en la versión cinematográfica de “The Amory Wars”. Cada uno de los cortes del álbum logra transportar al oyente a un universo plagado de hermosas texturas y sonidos, creando una experiencia que prácticamente no tiene precedentes en la línea de los tintes más duros del rock. “The Afterman: Ascension”, es sin lugar a dudas uno de los mejores discos conceptuales de los últimos años, donde el único defecto que podemos encontrar es la frustración de tener que esperar cuatro meses para degustar su segunda parte.

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Alguien

    09-Oct-2012 en 11:09 am

    Un review sencillo, pero preciso. Muy buen disco y lo mejor es que aún falta la segunda parte que promete mucho.

  2. Alguien

    09-Oct-2012 en 2:13 pm

    Ah, unos detalles:
    1. No le veo la línea “thrash metal” en Holly Wood the Cracked.
    2. Evagria the Faithful es uno de los mejores temas que ha hecho Coheed en su historia.

    ‘Nuff said.

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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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