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Chuck Berry – “Chuck”

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El mundo del rock ha forjado, en sus más de 60 intensos años de existencia, un extenso panteón de recordadas e icónicas figuras y personajes. En aquel espacio coexisten personalidades que ciertamente han traspasado las barreras de la memoria y el recuerdo, convirtiéndose en seres atemporales y omnipresentes para este género musical. Con estos pergaminos y antecedentes sobre la mesa, lo acontecido con Chuck Berry reabre el debate sobre las paradójicas modalidades en las que la vida ha ido engrosando el panteón del rock.

Icónico, histriónico y rebelde, un envejecido Chuck Berry anunciaba el 18 de octubre de 2016 que sorprendería el año entrante a los amantes del rock & roll con un nuevo trabajo, después de 38 años sin una grabación realizada en la complacencia y calidez de un estudio. Así, a sus 90 años de edad, el norteamericano se atrevía a flirtear con una tarea que había dejado atrás hace muchos años, concentrándose más bien en demostrar su incuestionable virtuosismo con la guitarra en enérgicos y deslumbrantes shows en vivo exclusivamente. No obstante lo anterior, nada hacía presagiar que este nuevo álbum sería el último que el artista grabaría. “Chuck” se titula el trabajo final y es un proyecto personal que revela la alegría y solidez que lo acompañó regularmente, y que delineó las formas rítmicas y líricas definitivas del rock.

La placa la inaugura “Wonderful Woman”, una canción que deslumbra por una clásica identidad dentro de las texturas sonoras del rock & roll, aunque con el valor agregado de ser una grabación moderna y bien realizada. El tópico de la composición es característico de Chuck Berry: diversión, bares, mujeres y música, nada muy lejos de lo que estamos acostumbrados. A continuación aparece “Big Boys”, reuniendo los elementos rítmicos típicos de este género: riffs que delinean el sonido, coros que acompañan y responden a una voz principal, una batería que se une poderosa y justamente azotada, y un teclado que surfea de comienzo a fin. “You Got My Head” es un cover que tiene una estética y una identidad próxima al blues, lo que demuestra el nivel de mezcla y de hibridación al que fue sometido el rock & roll en sus comienzos, mientras que “Darlin’” es una canción trasplantada directamente de los años sesenta a la actualidad, con un un sonido clásico y acompasado, pero que relata la trágica historia amorosa de su protagonista.

“Lady B. Goode” es el lado B de “Johny B. Goode”, un tema que, de no ser por su título, podría pensarse que es una copia exacta del original. Pese a ello, suena moderna, robusta y consistente en su ejecución instrumental y en su intención de swing. Sin lugar a dudas lo mejor de “Chuck” se deja oír en sus casi tres minutos de prolongación. “She Still Loves You” y “Jamaica Moon” son dos buenas instancias para apreciar el imborrable y crudo talento con la guitarra que Chuck Berry poseía y que nunca perdió, a ello se suma una ejecución vocal que, aunque gastada y rasposa, se logra oír con identidad e intención. “Dutchman” es una pieza autobiográfica breve, que contiene un riff y una cadencia que hará brotar la olvidada arista solista de Berry; es un momento de intimidad instrumental y vocal del artista. “Eye Of Man” es una composición que bien sirve para cerrar y concluir el ciclo vital del disco del último aliento de voz de Chuck Berry.

“Chuck” es un álbum típico, poco arriesgado pero certero. En él se reúnen más de 30 años de experiencias y de recorrido de uno de los artistas definitivos de este género musical. Ciertamente, es un disco correctamente realizado desde la ejecución instrumental y la técnica vocal, que a ratos resuena a homenaje o a trabajo conmemorativo, pero que originalmente en su concepción no tenía ese destino. En definitiva, “Chuck” es una reunión de canciones que, sin mucho valor agregado, ha sido cubierto por el aura mística y legendaria del último trabajo del primer rocanrolero que la historia originó.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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