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Un Hombre Rubio Un Hombre Rubio

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Christina Rosenvinge – “Un Hombre Rubio”

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En el mundo, hoy son las voces femeninas las que reciben una atención inusitada, en parte remediando las lógicas machistas y masculinizadas que han caracterizado a la industria musical (y al arte, en general). Pero en general se analiza lo malo y lo que debe repararse, sin detenerse en otros aspectos que podrían dar mayores luces de dónde atacar o pensar, o incluso amplificar la empatía. Por eso es interesante lo que hace un tiempo viene haciendo Christina Rosenvinge, que hace unas semanas lanzó el que se advierte como su trabajo más sólido, bajo un concepto profundo y con muchas capas.

“Un Hombre Rubio” es un nuevo paso en su comprensión de la masculinidad y cómo la opresión también opera en ese lado del río. Para esto, Rosenvinge se toma de la relación “horrible” –como ella ha definido en entrevistas múltiples– con su padre, algo que generó una fricción que ahora canaliza a través de canciones que tensionan diferentes facetas de la represión. En el séptimo disco en solitario de su carrera, Christina no dice cosas por ella misma, mas sí intenta comprender su circunstancia, su pasado y las huellas que este dejó en el presente.

El inicio con “La Flor Entre La Vía” delimita la indefinición de género del hablante lírico en el disco, para luego, en “Romance de la Plata”, explicar una relación tormentosa con un padre al que nadie llorará en el funeral, pero que ofrece un consuelo en la rehabilitación mediante el propio reflejo del hoy: “¿Cómo no voy a entenderte, padre, si es mi misma soledad?”. En “El Pretendiente”, mediante la metáfora de la conquista romántica, se aborda el estado dubitativo de la inmigración, pensar en lo desconocido, mientras la música invita con pasajes que van dejando la oscuridad atrás. Así, “Ana y Los Pájaros” también presenta la ligereza de lo súbito, usando la figura del nido, apelando a lo pasajero, pero también la aspiración extraña de asentamientos más estrictos.

Christina elige elementos poéticos que difuminan los significados claros, pero, donde puede verse algo obtuso, la música es más clara que nunca. No está la complejidad o la oscuridad de “La Joven Dolores” (2011) o “Lo Nuestro” (2015), sino que sonoridades más luminosas, aunque no por ello menos interesantes. Guitarras precisas, ya sea en acústico o eléctrico, sintetizadores y pianos profundos, voces dulces, agudas, graves, roncas incluso. No hay elementos al azar y cada canción posee destellos diferentes, como el dinamismo de los beats en tiempos cambiantes de “Berta Multiplicada” –dedicada a una activista hondureña asesinada en 2016– o el gancho pop del crudo relato de la crianza en conflicto de “Niña Animal”.

Aunque la música es ejecutada con maestría, y la producción en solitario de Rosenvinge es exacta y florida en medio de la penumbra aparente, lo cierto es que los detalles más ricos de conocer y analizar se dan en lo lírico, sea en las inflexiones vocales de una Christina dúctil y generosa, o en los recovecos de las letras. La cruda “Pesa La Palabra” posee el peso de la toma de la voz del padre, explicando su aparente ausencia e implacable silencio, y nuevamente es lo dicho lo que se releva. No por nada hay una canción –tal vez la más llena de añoranza desesperanzada del disco– llamada “Afónico”. La voz literalmente pierde la batalla de la ausencia para dar paso a “La Piedra Angular”, en un amor redescubierto, consuelo de la soledad, tal vez a punta de fallas, pero con la posibilidad de tener expectativas redescubiertas.

He ahí la mayor recompensa de este trabajo: esa sensación de redescubrimiento de una empatía perdida, que inevitablemente cierra el disco, y el arco narrativo que, mediante un juego clave de difuminación del género y la puesta en escena de múltiples perspectivas, muestra brutalmente a Christina Rosenvinge hurgando en su pasado para entender su presente. Quizás desde este lado del mundo no se entiendan todas las referencias a lo español o a lo danés, esos trayectos migratorios que forman parte de las cicatrices del disco, pero lo cierto es que son esas huellas las que otorgan un carácter casi perfecto a un disco tan femenino como masculino, y enhorabuena que resulta así.


Artista: Christina Rosenvinge

Disco: Un Hombre Rubio

Duración: 41:35

Año: 2018

Sello: El Segell del Primavera


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Descendents – “9th & Walnut”

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9th & Walnut

La trayectoria de Descendents habita en una doble marginación: por un lado, están dedicados al hardcore y al punk, un par de estilos que en su momento fueron contraculturas incomprendidas, aunque hoy gocen de prestigio histórico y, por otro lado, dentro de su mismo círculo siempre fueron un bicho raro, nunca se vistieron como punks (muchas veces una condición discutiblemente excluyente en esta y otras corrientes del rock más radical), ni quisieron jugar con esas mismas reglas estilísticas, trasuntando el pop de guitarras de The Beach Boys con los bajos vibrantes del post punk. Así y todo, se apuntaron con el seminal “Milo Goes To College” en 1982 para luego comenzar con una espiral de cambios de formaciones, hiatos definidos e indefinidos, y mayormente el ir y venir de Milo Aukerman, su vocalista y origen de la icónica marca registrada de la banda. Casi cuarenta años después llegan con su octavo disco, “9th & Walnut”.

Citar a “Milo Goes To College” viene muy al caso para hablar de “9th & Walnut” porque fueron canciones creadas en esa locación del sur de California y, en ese entonces, específicamente entre 1978 y 1980, cuando en su formación contaban a Bill Stevenson en la batería, Frank Navetta en la guitarra, Tony Lombardo en el bajo y el recién llegado Auckerman. Lo que hoy se presenta como un nuevo álbum de estudio en este milenio pudo perfectamente haber sido la continuación de aquel debut, pero la vocación de biólogo molecular de Auckerman pudo más y lo alejó del cuarteto como varias veces más durante la historia de la banda. En 2002, antes de la lamentable muerte de Navetta en 2008, se reunieron a plasmar todas estas tomas que quedaron en el aire y el resultado, junto con regrabaciones hechas en plena pandemia durante 2020 de su primer single “It’s A Hectic World / Ride The Wild”, es este puñado de canciones frenéticas.

Resulta anecdótico que Epitaph haya sido la casa discográfica de este álbum y de su anterior trabajo, “Hypercaffium Spazzinate”, porque es una relación de ida y vuelta: sin Descendents, gran parte del catálogo de Epitaph y del punk pop en general no existiría, o habría tomado un rumbo desconocido; Green Day, The Offspring, Rise Against y otros hoy andan por una carretera de alta velocidad que pavimentaron los californianos. Al mismo tiempo, Descendents se sirve de la actualmente amplia red de difusión del sello para entregar a todo el que lo quiera oír un larga duración potente, aunque bastante más contenido y menos espacioso en términos de sonido que su predecesor, desde el inicio con “Sailor’s Choice” hasta el final con “Glad All Over”, cover de The Dave Clark Five, otro guiño al pop de guitarras de los sesenta. Canciones como “Tired Of Being Tired”, “I’m Shaky” o “Mohicans” parecen justamente estar ahí a manera de puerta giratoria entre el mersey beat y el hardcore.

Por supuesto, hay latigazos punk como títulos rozando lo cliché, tales como “You Make Me Sick” o “Yore Disgusting”, o canciones para mosh pits cuarentones como “Like The Way I Know”, e incluso le dan espacio a píldoras disonantes como “Grudge”, donde el bajo de Lombardo no sólo se encarga de dar el puntapié como a muchas de las canciones de “9th & Walnut”, sino también redirigir el punto focal de la canción y dejar que la guitarra de Navetta se sumerja en el caos, y que la batería de Stevenson se mantenga como un motor inacabable, mientras que la voz de Auckerman se luzca como una de las más constantes y reconocibles del panorama punk, una versión ochentera de Pete Shelley de Buzzcoks, pero mucho más enrabiada y tosca cantando al desamor juvenil y a sentirse un desencajado social.

Este álbum probablemente no está pensado para ser el mejor de la banda, pero no defrauda. Sabido es que hay artistas, y muchas veces variantes del rock completas, que son una suerte de copiar/pegar de ellos mismos o de otros compañeros de rubro y que, a la larga, en su conjunto formar un bloque macizo y difícil de picar, y el punk no es la excepción. La gracia de “9th & Walnut” radica en recordarnos, aquí y ahora con ideas de aquel entonces y con la destreza de los años, por qué gozan de la reputación de ser una de las grandes bandas en la historia de este estilo, elaborando un ejercicio de nostalgia que no suena a punk trastabillante ni a una muralla mecanizada carente de mayores objetivos que pegar un guitarrazo en la cara, sino que a algo en medio, algo propio y reconocible, y pocos pueden decir eso.


9th & WalnutArtista: Descendents

Disco: 9th  & Walnut

Duración: 25:14

Año: 2021

Sello: Epitaph


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