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Un Hombre Rubio Un Hombre Rubio

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Christina Rosenvinge – “Un Hombre Rubio”

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En el mundo, hoy son las voces femeninas las que reciben una atención inusitada, en parte remediando las lógicas machistas y masculinizadas que han caracterizado a la industria musical (y al arte, en general). Pero en general se analiza lo malo y lo que debe repararse, sin detenerse en otros aspectos que podrían dar mayores luces de dónde atacar o pensar, o incluso amplificar la empatía. Por eso es interesante lo que hace un tiempo viene haciendo Christina Rosenvinge, que hace unas semanas lanzó el que se advierte como su trabajo más sólido, bajo un concepto profundo y con muchas capas.

“Un Hombre Rubio” es un nuevo paso en su comprensión de la masculinidad y cómo la opresión también opera en ese lado del río. Para esto, Rosenvinge se toma de la relación “horrible” –como ella ha definido en entrevistas múltiples– con su padre, algo que generó una fricción que ahora canaliza a través de canciones que tensionan diferentes facetas de la represión. En el séptimo disco en solitario de su carrera, Christina no dice cosas por ella misma, mas sí intenta comprender su circunstancia, su pasado y las huellas que este dejó en el presente.

El inicio con “La Flor Entre La Vía” delimita la indefinición de género del hablante lírico en el disco, para luego, en “Romance de la Plata”, explicar una relación tormentosa con un padre al que nadie llorará en el funeral, pero que ofrece un consuelo en la rehabilitación mediante el propio reflejo del hoy: “¿Cómo no voy a entenderte, padre, si es mi misma soledad?”. En “El Pretendiente”, mediante la metáfora de la conquista romántica, se aborda el estado dubitativo de la inmigración, pensar en lo desconocido, mientras la música invita con pasajes que van dejando la oscuridad atrás. Así, “Ana y Los Pájaros” también presenta la ligereza de lo súbito, usando la figura del nido, apelando a lo pasajero, pero también la aspiración extraña de asentamientos más estrictos.

Christina elige elementos poéticos que difuminan los significados claros, pero, donde puede verse algo obtuso, la música es más clara que nunca. No está la complejidad o la oscuridad de “La Joven Dolores” (2011) o “Lo Nuestro” (2015), sino que sonoridades más luminosas, aunque no por ello menos interesantes. Guitarras precisas, ya sea en acústico o eléctrico, sintetizadores y pianos profundos, voces dulces, agudas, graves, roncas incluso. No hay elementos al azar y cada canción posee destellos diferentes, como el dinamismo de los beats en tiempos cambiantes de “Berta Multiplicada” –dedicada a una activista hondureña asesinada en 2016– o el gancho pop del crudo relato de la crianza en conflicto de “Niña Animal”.

Aunque la música es ejecutada con maestría, y la producción en solitario de Rosenvinge es exacta y florida en medio de la penumbra aparente, lo cierto es que los detalles más ricos de conocer y analizar se dan en lo lírico, sea en las inflexiones vocales de una Christina dúctil y generosa, o en los recovecos de las letras. La cruda “Pesa La Palabra” posee el peso de la toma de la voz del padre, explicando su aparente ausencia e implacable silencio, y nuevamente es lo dicho lo que se releva. No por nada hay una canción –tal vez la más llena de añoranza desesperanzada del disco– llamada “Afónico”. La voz literalmente pierde la batalla de la ausencia para dar paso a “La Piedra Angular”, en un amor redescubierto, consuelo de la soledad, tal vez a punta de fallas, pero con la posibilidad de tener expectativas redescubiertas.

He ahí la mayor recompensa de este trabajo: esa sensación de redescubrimiento de una empatía perdida, que inevitablemente cierra el disco, y el arco narrativo que, mediante un juego clave de difuminación del género y la puesta en escena de múltiples perspectivas, muestra brutalmente a Christina Rosenvinge hurgando en su pasado para entender su presente. Quizás desde este lado del mundo no se entiendan todas las referencias a lo español o a lo danés, esos trayectos migratorios que forman parte de las cicatrices del disco, pero lo cierto es que son esas huellas las que otorgan un carácter casi perfecto a un disco tan femenino como masculino, y enhorabuena que resulta así.


Artista: Christina Rosenvinge

Disco: Un Hombre Rubio

Duración: 41:35

Año: 2018

Sello: El Segell del Primavera


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Foals – “Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1”

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Everything Not Saved Will Be Lost

Foals aparece este 2019 como si estuviera indagando en su propia capacidad de lograr una atmósfera íntima, pero también llena de capas por descubrir y palpar en su nuevo y quinto disco, “Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1”. Una pausa de cuatro años se tomaron estos ingleses para hacer un nuevo disco, tiempo creativo y prolífico, que probablemente originó que este apareciera con un nombre que nos deja en la inmediata espera por su segunda parte.

“Moonlight”, su primer tema, aparece lentamente con acordes que se enganchan de nuestras primeras capas de piel, para que luego Yannis Philippakis declare con una exquisita nitidez su ruta flotante. Cuando se está capturado en ese espacio oscilante, aparece “Exits” para recordar que es Foals con sus ritmos clásicos que invitan a danzar. La banda siempre ha sugerido divertirse, a un ritmo distinto que un baile alocado en medio de una discoteca, pero siempre proponiendo una invitación danzante como lo hace con “White Onions”, donde, al moverse al ritmo de sus acordes, hace sentir que están hablando de una urgencia, alguna realidad dolorosa en la cual nos quiere involucrar.

“Syrups” es el ejemplo de exclamación y decisión mezclado con el ritmo de latigazo lento, donde la voz de Yannis se pierde y se encuentra sola, suavizándola e intensificándola, traspasándonos el dolor porque convence de que habla de emociones reales, de algo que está pasando. El disco está lleno de lugares y momentos, recorre los espacios, el cielo y la Tierra con todas las emociones que hay en medio; la guitarra y voz de su frontman se unen dulce y dramáticamente a la vez, sacando melodías y golpes rítmicos a ratos adictivos, y en otros agotadores, como en “Sunday”, que inicia con una calma deliciosa y luego se encamina a un final repetitivo y pegado, de donde a ratos se podría querer salir.

El disco pone en énfasis una marcada electrónica, en medio de un teclado que también alcanza gran protagonismo, junto a las melodías que van provocando saltos entre estos sonidos que no son nuevos en Foals, pero que hoy se lanzan con definición y aplomo para dar soporte a los intensos contenidos de sus letras. Estos dan cuenta de la ininterrumpida evolución de los británicos desde “Antidotes” (2008), su primer álbum, donde la voz aún no es el elemento magnético que es hoy, y donde cada tema sigue al otro en una congruencia melódica, pero que evita de alguna forma encontrar la personalidad particular de cada uno. Este lanzamiento sugiere una mayor exploración que los anteriores y de la que “What Went Down” (2015) ya venía relatando con su franqueza, mostrando intensas emociones tras sus declaraciones.

“Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1” tiene un buen inicio y un mejor final. Recorrer el disco para llegar a “I’m Done Whit The World (& It’s Done With Me)” hace que valga la pena el trayecto, con su cadencia en medio de un mundo de decepción y deseos, con acordes que invitan a escucharla una y otra vez, pues se sabe que es un lugar donde se estuvo, se está o se podrá estar. Hay algo en Foals que hace permanecer de alguna manera en ambos lados, con algo de desencanto que se sostiene, pero que mantiene también en la esperanza, pareciendo estar decididos a declarar cada vez con más fuerza y definición el tipo de mundo en el que estamos y qué queremos cambiar.


Artista: FoalsEverything Not Saved Will Be Lost

Disco: Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1

Duración: 39:04

Año: 2019

Sello: Warner Bros. / Transgressive Records


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