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Chris Cornell – Higher Truth

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Hablar de “Higher Truth” sin repasar lo ocurrido con el disco “Scream” (2009) es casi imposible, principalmente porque, en el ánimo de explorar nuevos sonidos, Cornell se debe haber anotado uno de los traspiés más impactantes de la escena rock, de los que hay memoria en el último período. Ahora, para ser justos, lo cierto es que lo ocurrido con “Scream” no debería haber sido tan sorprendente, sobre todo si consideramos que Cornell ha puesto desde siempre en su carrera solista un sello que lo distancia considerablemente de lo realizado con sus bandas.

CHRIS CORNELL 01En esta nueva entrega encontramos a Brendan O’Brien en las perillas, un viejo conocido de la escena noventera (Pearl Jam, Soungarden, Stone Temple Pilots), sin embargo, para los que crean que el productor podría haber impregnado el álbum de aires grunge, con una sola escuchada de “Higher Truth” notarán que Cornell no vuelve con la intención de reconquistar a su fanaticada de antaño. En ese sentido, el mayor parentesco con su obra previa probablemente va por el lado de “Euphoria Morning” (1999), pero si bien el fondo lírico explora temáticas similares, las diferencias en lo musical pasan fundamentalmente por el marcado protagonismo de las guitarras semiacústicas del nuevo disco.

La mandolina que abre “Nearly Forgot My Broken Heart” pone el sello de un tema que engancha muy bien en lo melódico, sin abusar de sus recursos y que, con frases bien pensadas como “cada sensación me dice que esto va a terminar / con un corazón / destrozado en pequeños pedazos y tú sabes que necesito eso / tanto como necesito un agujero en mi cabeza”, alude a lo poco recomendable de los “segundos tiempos” cuando de amor se trata. “Dead Wishes” inicia con aires que recuerdan el lado acústico de Led Zeppelin, y se desarrolla de forma agradable sobre una base que nuevamente se acompaña de una acertada letra, esta vez en relación a esos sueños que en algún momento del camino se van quedando atrás. “Before We Dissapear” vuelve sobre el lado romántico de Cornell y destaca por la presencia de cuidados arreglos de piano y cuerdas, que aportan complejidad a un álbum que, hasta acá, se desarrolla sin grandes pretensiones.

CHRIS CORNELL 02En adelante, el predominio de los momentos de calma se mantiene, en un disco que de manera deliberada y, a riesgo de sonar monótono, evita romper la identidad definida desde el inicio. “Through The Window” y “Murderer Of Blue Skies” destacan en esa línea, sin embargo, ambas siguen en lo lírico por un camino de tintes oscuros, que sólo la rasgueada “Only These Words” llega a modificar. Esta última (muy probablemente dedicada a sus hijas) se anota uno de los escasos y agradables momentos de luz de “Higher Truth”. Hacia el final, el corte dance pop, “Our Time In The Universe”, cargado de reminiscencias árabes, nos vuelve a recordar lo poco predecible que puede ser Cornell cuando se trata de innovar.

Después del mal trago de “Scream”, Cornell vuelve con un disco que destaca fundamentalmente por estar muy bien escrito, íntimo sin ser confesional y musicalmente tan compacto, que a ratos puede sonar monótono. En este sentido, vuelve a dar una clara señal respecto a cómo ha decidido desarrollar su carrera solista, en esta oportunidad tributando un estilo claramente más cercano al folk rock que al rock alternativo que alguna vez lo caracterizó. Como sea, no se trata del primer ícono de los noventa que se deja seducir por estos sonidos, ya lo hizo Eddie Vedder con “Into The Wild” (2007) bajo la excusa de una banda sonora, y luego lo repitió en esa especie de “tributo instrumental” que fue “Ukulele Songs” (2011). Con seguridad, no es una buena noticia para los eternos seguidores del sonido noventero, no obstante, mientras Cornell siga escribiendo discos tan bien logrados como este, no parece tan mala idea seguir atentos a lo que tenga que decir en el futuro. Como para no perder la esperanza al menos.

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3 Comentarios

3 Comments

  1. Alvaro

    30-Nov-2015 en 11:20 pm

    Interesante muestra en solitario de Cornell. es verdad que en algunos pasajes se torna algo monotono pero tambien con puntos altos. Sin duda vale la pena escucharlo, se agradece el analisis del disco, las reseñas a caidas basadas en experimentos musicales. que te parece este disco comparado con por ejemplo Carry on?? distinto estilo, renovacion en el tiempo?

    • David Martinez (@wgfagain)

      04-Dic-2015 en 9:20 am

      Yo diría que en Carry On ya se notaba a Cornell buscando otro sonido, de hecho es un disco súper irregular, más de singles, que un trabajo compacto. Por el momento se le ve cómodo donde está ahora. Veamos que sigue. Saludos!

  2. Mariano Bustos Boehmwald

    12-Mar-2016 en 9:45 am

    Me gustaría algún día ver la reconstrucción del scream, si le pones oreja y cabeza. Le daba los arreglos e imaginas una banda de rock. Vaya que hubiese sido bueno. La mano de un productor dice mucho.

    Pero el punto alto es el higher truth, buen disco, incluso a mi parecer mejor logrado que el carry on. Se deja reproducir desde cualquier momento y logra un sello de cornell y de calidad.

    Oh y si bien en vivo pierde su voz. En estudio sabe trabajar y potenciar lo que nos da al parecer cornell para rato. Ojalá siempre bien acompañado.

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Lee Ranaldo – “Electric Trim”

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La reinvención siempre estará acompañada de un proceso de búsqueda, un viaje donde se pueda llegar al centro del asunto y así esclarecer las ideas para dar el siguiente paso. Bajo ese escenario, Lee Ranaldo optó por alejarse de todo lo que ya había hecho, intentando encontrar un sonido más acústico y dándole un pequeño giro a su proyecto Lee Ranaldo And The Dust. Así fue como el músico lanzó “Acoustic Dust” (2014), donde versionó de un modo más desnudo las canciones de “Last Night On Earth” (2013), único LP de este proyecto. Ese último período supuso un tiempo en España, donde el ex guitarrista de Sonic Youth comenzó a trabajar con el productor Raúl Fernández para trazar las líneas de su siguiente trabajo de estudio, “Electric Trim”, que refleja todo lo aprendido durante este viaje musical.

El sentido introspectivo y personal se siente de inmediato: canciones como “Moroccan Mountains”, “Uncle Skeleton” o “Let’s Start Again” demuestran la melancolía característica en la música del cano guitarrista, quien se apoyó en muchos de sus amigos y colaboradores recurrentes para concebir este trabajo de estudio. Una de esas colaboradoras es la cantante Sharon Van Etten, quien acompaña a Lee en la canción “Last Looks”, con una armonía natural que fluye muy bien, recordando mucho el intercambio que Lou Reed y Nico realizaban en The Velvet Underground. Esto último no es al azar, el propio Ranaldo ha establecido al autor de “Perfect Day” como una de sus inspiraciones más grandes a nivel musical y artístico.

Pese a muchos significados, el título del álbum se puede traducir como “ajuste eléctrico”, algo que refleja muy bien lo que realiza Lee mediante estas composiciones. “Circular (Right As Rain)”, “Electric Trim” y “Purloined” se entreven como un ajuste de la furiosa y estridente composición que el músico deja caer regularmente dentro de sus canciones. Ranaldo siempre fue la parte más “limpia” de Sonic Youth, más melódico y calmo que su compañero Thurston Moore, pero cuando se trataba de meter ruido, lo hacía sin mayores problemas, y lo siguió haciendo también en “Between The Times And The Tides” (2012), el que es, técnicamente, el trabajo que antecede a “Electric Trim” dentro de su carrera solista.

Con un cierre a la altura, “Thrown Over The Wall” se presenta como una canción tranquila y bien estructurada, que va progresando hasta un estado más psicodélico y místico, dando el paso perfecto a la más convencional “New Thing”, donde cada integrante luce perfectamente en lo suyo, con cierto toque de emotividad por su bajo ejecutado por el fallecido Tim Lüntzel, compañero de Ranaldo tanto en The Dust como en su faceta solista. Esta “nueva cosa” puede tener muchos significados, pero lo cierto es que lo referente a internet y los nuevos tiempos en que vivimos es el mensaje principal de una composición que se adorna hermosamente de la voz de Sharon Van Etten, el toque más delicado y dulce dentro de toda esta tempestad tecnológica.

El viaje para auto encontrarse de Ranaldo logra llegar a buen puerto finalmente, ya que se nota claro, seguro y muy conciso en el relato que desarrolla durante el álbum. La madurez musical es evidente y, a pesar de que su trayectoria ya acumula varias décadas, es bueno notar cómo todavía es capaz de hacer fluir su creatividad mediante sus composiciones. Quizás este sea el inicio de un período más melódico y elaborado del músico, dejando un poco atrás el ruido y distorsión de las guitarras afiladas que suele interpretar. No obstante, el resultado es consistente y muy bien estructurado, tanto así, que Ranaldo demostró poder salir de su zona de confort explorando nuevas vías y reglas para entregar su música.

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