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Chaos Divine – Colliding Skies

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El proceso que debe vivir una banda para encontrar su sonido característico y diferenciador, generalmente dura años y es una parte oscura para sus oyentes, pues se da en el contexto de su génesis. De ahí que, salvo algunos casos, cuando una agrupación ha lanzado su disco debut, ya ha trazado las líneas generales de su sonido, el cual, con el paso de los años, experimentará cambios más o menos bruscos en la medida que los músicos vayan buscando respuesta a sus intrigas creativas. No obstante, en el caso de los australianos Chaos Divine, la búsqueda de su contraste musical particular se ha extendido a su tercer disco, “Colliding Skies”, pues en él se puede apreciar que aún sus integrantes no están definidos en cuanto al espacio que quieren ocupar en el metal, aspecto que no es negativo en lo absoluto, pero que sí provoca que se cometan ripios debido a la cantidad de elementos que buscan concatenar en cada canción. Lo anterior es lamentable, puesto que se puede advertir fácilmente desde el inicio, con “Landmines”, que la banda tiene talento de sobra.

CHAOS DIVINE 01En efecto, si bien el álbum puede ser catalogado como progresivo, tal etiquetación se debe a que las composiciones se van desdibujando desde un metal agresivo hasta intentos por hacer un rock de tintes gloriosos, que muchas veces no ensambla bien en la estructura general de los temas. Ejemplo de lo anterior es “Painted With Grey”, cuyo coro altera el natural trance que tiene la canción; y lo mismo ocurre con “Before The Dawn”, en donde la voz de David Anderton es la encargada de apagar la intensidad inducida por las cuerdas de Simon Mitchell y Ryan Felton, y la base rítmica del Ben Mazzarol. Esto conlleva a que la constante en este trabajo sea la redundancia, es decir, si se escuchan de una pasada los 56 minutos de duración del disco, es difícil diferenciar completamente un tema de otro, yerro que por lo demás es atribuible a la producción del opus, mezquina con los matices y texturas interesantes que incorpora la banda, y demasiado preocupada de buscar una perfección en la voz.

En tal sentido, ocurre una especie de carambola con las intervenciones del vocalista. A lo largo de todo el disco se puede apreciar que tiene un registro notable, siendo capaz de llegar a notas muy altas con una evocación profunda, lo cual aporta épica al relato musical que propone Chaos Divine. No obstante, su exagerada utilización en la mayoría de los temas hace que tal registro no sea memorable, eliminando además la individualidad que intentan aportar los compases del bajo y guitarra, con la estructura perfecta que incorpora la batería. Apoyando esto, se pueden mencionar temas como “Badge Of Honour” y “Mara”, que justamente son excelentes creaciones que no logran entusiasmar como tales por el uso excesivo del recurso vocal de ínfulas fatuas.

CHAOS DIVINE 02Pero por otra parte, lo anteriormente señalado no alcanza para catalogar al álbum como deficiente. “Colliding Skies” contiene canciones que realmente están bien logradas, precisamente porque en ellas la banda dio en el clavo en cuanto a cómo hacer uso de su aptitud. Verbigracia, “Tides” debe ser sin duda alguna una de las grandes composiciones en lo que va de este año: todos sus elementos debidamente acompasados en pos de la grandilocuencia que busca el tema, resultando algo que puede ser clasificado como un Journey más denso y pesado. Asimismo, son destacables “Soldiers” y “The Shepherd”, en donde la banda se escucha natural, sin fricción en la voz, con métricas simples en la batería y guitarras, que quizás por descuido del productor por fin no resultan “ahogadas”.

En resumen, “Colliding Skies” es un disco más ambicioso que su predecesor, “The Human Connection” (2011), en cuanto a la búsqueda de nuevas expresiones artísticas que nutran la música de los australianos, lo que resulta acertado por extensión parajes. Sin embargo, una producción demasiado sancionadora del talento de la banda, junto con una excesiva añadidura de partes a temas que podrían haber sido célebres, provocan una sensación de vaguedad respecto a qué es lo que se está escuchando. En cualquier caso, queda claro que Chaos Divine es un grupo que tiene todas las condiciones para explotar como uno de los grandes del metal progresivo contemporáneo, sólo que en esta oportunidad cometieron algunos errores no forzados que empañaron un cuadro que se veía casi perfecto.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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