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Cevladé – La Casa de Astaire

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Es sabido que las líricas son una parte fundamental de lo que el rap y el hip hop proponen como género musical; son su columna vertebral, y Wladimir Espinosa, más conocido como Cevladé, lo sabe muy bien y le saca partido de gran forma. El MC nacional lleva casi quince años vomitando versos y sangrando poesía de la forma más personal e irrefrenable posible. Su condición de profesor de literatura le permite valerse de un amplio acervo lingüístico que le ubica como uno de los máximos exponentes del hip hop chileno y referente a nivel latinoamericano. Su reciente creación se llama “La Casa De Astaire”, sucesor de “Requiem For A Drink” (2012).

CEVLADÉ 01El título de este nuevo trabajo hace referencia directa a “La Casa de Asterión”, el cuento del escritor argentino Jorge Luis Borges, contenido en su famosa obra “El Aleph”; por otro lado a la figura del actor y cantante estadounidense Fred Astaire. Este disco sienta un precedente y marca un punto de quiebre en la obra de Cevladé por varias razones, evidentes a simple vista, y a veces no tanto.

No es el primer disco conceptual del “profe Wladi”, el anterior también lo era. Sin ir más lejos, la primera canción de este trabajo, “Que Entre El Que Quiera” y la última, llamada “Mi Redentor”, junto con “No Me Faltan Distracciones”, recitados con una voz procesada y en reversa, hacen referencia literal al cuento de Borges y, por lo tanto, al mito del Minotauro y el Laberinto de Creta. Las fortalezas de este disco radican en su rica instrumentación y elaboración sonora, gracias a la inclusión de la banda de jazz y soul Ladenegro4 en las bases, así como también las colaboraciones. Si Aesop Rock se sirve del talento de John Darnielle de The Mountain Goats, y The Roots arma un colectivo épico con Monsters Of Folk, Cevladé aúna fuerzas con el cantautor nacional Leo Quinteros en el track que da nombre al álbum, una sutil pieza de soul bellamente adornada por teclados Hammond y la voz de Quinteros en los coros; así como en “Entre Horizonte y Verticalde”, donde despunta la trompeta del eximio Sebastián Jordán, y en “Mantentelibre!” destacando con la producción y colaboración de Bronze Nazareth de Wu-Tang Clan.

CEVLADÉ 02Otro aspecto que hace grande a “La Casa de Astaire” es el manejo del verso de Espinosa; se siente mucho menos urgente y desbordado, mucho más fino y preciso en sus rimas. Ya no está (al menos no tan marcadamente) la premura de tratar de meter la mayor cantidad de ideas en el tiempo estándar de una canción. De una forma u otra la inclusión de Ladenegro4 parece haber infusionado sus rimas, motivándolo a seguir la cadencia y sonoridad de los jazzmastas que tiene al lado. Conceptualmente, e incluso estéticamente, ha abandonado los lugares comunes del hip hop, y hasta las clásicas inflexiones o muletillas conectoras del género acá prácticamente no están; el Demonio Maravilla se dedica por completo a desgranar la sensación de alienación y reclusión. Recurre a la idea del autoexilio y el refugio contra toda la locura, la envidia y muchos factores que a veces hacen que la neurosis que subyace en todos se acreciente. Tal vez voluntaria, tal vez necesaria, desde la incomunicación de su laberinto establece su condición de poeta hermético que, a pulso, ha conseguido no tener que rendirle cuentas a nadie y enfrentarse con total honestidad y compromiso por su amor a la poesía y el arte, al pecado del verso fácil, complaciente y vacío como reza “Aquí Estoy” y “El De Blanco”. “Lo Siento” es quizás el único punto que conecta la urgencia de sus trabajos anteriores en términos de lírica, aunque continúa la idea combatiente antes expuesta, coronado con un sampleo de “I’m Sorry” de Brenda Lee astutamente ubicado.

La sensación final que queda al darle varias vueltas a “La Casa de Astaire” es de un álbum maduro, complejo en su concepto y mucho más rico en su espectro sonoro. Si es que Cevladé necesitaba afianzar su carrera, con este disco lo logró y con creces.

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Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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