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Cevladé – La Casa de Astaire

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Es sabido que las líricas son una parte fundamental de lo que el rap y el hip hop proponen como género musical; son su columna vertebral, y Wladimir Espinosa, más conocido como Cevladé, lo sabe muy bien y le saca partido de gran forma. El MC nacional lleva casi quince años vomitando versos y sangrando poesía de la forma más personal e irrefrenable posible. Su condición de profesor de literatura le permite valerse de un amplio acervo lingüístico que le ubica como uno de los máximos exponentes del hip hop chileno y referente a nivel latinoamericano. Su reciente creación se llama “La Casa De Astaire”, sucesor de “Requiem For A Drink” (2012).

CEVLADÉ 01El título de este nuevo trabajo hace referencia directa a “La Casa de Asterión”, el cuento del escritor argentino Jorge Luis Borges, contenido en su famosa obra “El Aleph”; por otro lado a la figura del actor y cantante estadounidense Fred Astaire. Este disco sienta un precedente y marca un punto de quiebre en la obra de Cevladé por varias razones, evidentes a simple vista, y a veces no tanto.

No es el primer disco conceptual del “profe Wladi”, el anterior también lo era. Sin ir más lejos, la primera canción de este trabajo, “Que Entre El Que Quiera” y la última, llamada “Mi Redentor”, junto con “No Me Faltan Distracciones”, recitados con una voz procesada y en reversa, hacen referencia literal al cuento de Borges y, por lo tanto, al mito del Minotauro y el Laberinto de Creta. Las fortalezas de este disco radican en su rica instrumentación y elaboración sonora, gracias a la inclusión de la banda de jazz y soul Ladenegro4 en las bases, así como también las colaboraciones. Si Aesop Rock se sirve del talento de John Darnielle de The Mountain Goats, y The Roots arma un colectivo épico con Monsters Of Folk, Cevladé aúna fuerzas con el cantautor nacional Leo Quinteros en el track que da nombre al álbum, una sutil pieza de soul bellamente adornada por teclados Hammond y la voz de Quinteros en los coros; así como en “Entre Horizonte y Verticalde”, donde despunta la trompeta del eximio Sebastián Jordán, y en “Mantentelibre!” destacando con la producción y colaboración de Bronze Nazareth de Wu-Tang Clan.

CEVLADÉ 02Otro aspecto que hace grande a “La Casa de Astaire” es el manejo del verso de Espinosa; se siente mucho menos urgente y desbordado, mucho más fino y preciso en sus rimas. Ya no está (al menos no tan marcadamente) la premura de tratar de meter la mayor cantidad de ideas en el tiempo estándar de una canción. De una forma u otra la inclusión de Ladenegro4 parece haber infusionado sus rimas, motivándolo a seguir la cadencia y sonoridad de los jazzmastas que tiene al lado. Conceptualmente, e incluso estéticamente, ha abandonado los lugares comunes del hip hop, y hasta las clásicas inflexiones o muletillas conectoras del género acá prácticamente no están; el Demonio Maravilla se dedica por completo a desgranar la sensación de alienación y reclusión. Recurre a la idea del autoexilio y el refugio contra toda la locura, la envidia y muchos factores que a veces hacen que la neurosis que subyace en todos se acreciente. Tal vez voluntaria, tal vez necesaria, desde la incomunicación de su laberinto establece su condición de poeta hermético que, a pulso, ha conseguido no tener que rendirle cuentas a nadie y enfrentarse con total honestidad y compromiso por su amor a la poesía y el arte, al pecado del verso fácil, complaciente y vacío como reza “Aquí Estoy” y “El De Blanco”. “Lo Siento” es quizás el único punto que conecta la urgencia de sus trabajos anteriores en términos de lírica, aunque continúa la idea combatiente antes expuesta, coronado con un sampleo de “I’m Sorry” de Brenda Lee astutamente ubicado.

La sensación final que queda al darle varias vueltas a “La Casa de Astaire” es de un álbum maduro, complejo en su concepto y mucho más rico en su espectro sonoro. Si es que Cevladé necesitaba afianzar su carrera, con este disco lo logró y con creces.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Nosé

    22-Jul-2014 en 7:56 pm

    gracias por la reseña y el enlace muy objetivo. saludos

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Deftones – “Ohms”

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Ohms

Se vale decir que lo de Deftones a estas alturas es una carrera sin altibajos. La extraña época del denominado nü metal, que vio nacer y morir a variados proyectos, quedó atrás y es nada más que un rótulo para una banda que rápidamente expandió sus horizontes. Así ha sido el recorrido de Deftones que, con nueve discos, se sacudió del estereotipo para desembocar en álbumes como “Ohms”.

Y es que su último trabajo va más allá de lo etéreo y las atmósferas. O, al menos, desde otra perspectiva. Pese a ser una banda que transita por intensas sensaciones, nunca había estado tan clara la línea entre aquellos elementos. Gracias al reencuentro con Terry Date, un viejo conocido en la producción (“Adrenaline”, “Around The Fur”, “White Pony”, “Deftones”), la banda plantea un interesante equilibrio: los arreglos conviven –y se escuchan– sin quitarse protagonismo. No sobran, no son caprichosos, no son antojadizos.

“Genesis” y “Ceremony” representan un poco aquella relación. La primera, como single, elevó las expectativas y cumplió. Por su parte, el segundo track, mucho más melódico y limpio, permite apreciar mejor los matices que estarán presentes a lo largo del álbum. Es difícil exigirles siempre un poco más a bandas como Deftones, ya que a estas alturas el conjunto no necesita demostrar más que calidad; su sonido se encuentra tan arraigado, que toda sorpresa es un detalle más de una meticulosa producción.

Resulta curioso que aquellos detalles esta vez no quedaron a cargo de las cuerdas y un par de efectos, sino que pasaron a ser administrados con mayor protagonismo por Frank Delgado en los sintetizadores y máquinas. Así, todo dialoga orgánicamente a la par de un inspirado Stephen Carpenter, que se atreve a jugar con los compases, como en “Urantia”, y se desata con estridencia en los ensordecedores pasajes de “Error” y la bella “Pompeji”, quizá la canción más completa del disco. Toda esa potencia y densidad puede responder a muchas variantes y posibilidades. ¿Cómo hacer contrapeso y acompañar a Carpenter? ¿Es más que una decisión estética que en cada disco sume más cuerdas a la guitarra principal?

La seguridad que entrega Sergio Vega en el bajo ha sido un aporte de frescura y actitud, como queda demostrado en “Radiant City”. Si bien, su participación en la banda ya cumple cuatro álbumes, hoy más que nunca se trata de su disco, y “Ohms” debería ser revisado bajo su prisma. Su presencia es aglutinante, está sumamente marcada y funciona en complicidad. Según entrevistas, Vega aportó activamente en la composición y con los riffs más potentes, asumiendo ese rol de compañía y contraparte. Su estilo no pasa inadvertido y ha potenciado varias virtudes del grupo. Por un lado, las guitarras más graves de Carpenter y, por otro, las baterías de un Cunningham menos atrevido, pero manteniéndose igual de intenso.

Con “Ohms”, más allá del cliché que puede significar volver a los orígenes, Deftones ha sabido administrar un concepto más que robusto, que no descansa tan sólo en un desfile de distorsiones para riffs profundos y veloces. Su complejidad radica en las posibilidades que exploran con el pasar del tiempo, dotando a sus canciones de una sensibilidad e intimidad que dialoga con una experiencia oscura y agresiva.


Artista: Deftones

Disco: Ohms

Duración: 46:17

Año: 2020

Sello: Reprise


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