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Cage The Elephant – “Social Cues”

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Lograr estabilidad emocional frente a múltiples sucesos caóticos que están aconteciendo en un mismo período de tiempo, suele ser complejo y difícil de controlar en uno mismo. La banda atraviesa tiempos de amargura y reflexión a causa de temas como quiebres amorosos y muertes. Esto es lo que marca el regreso de Cage The Elephant con su quinto álbum, “Social Cues”, mostrando una inevitable explosión de los sentimientos más sinceros que se viven en carne y hueso.

El primer sencillo, “Ready To Let Go”, da el pase perfecto para lograr una transición entre “Tell Me I’m Pretty” (2015) y el presente, marcando una fuerte influencia en el tema, pensando que fácilmente podría haber entrado al tracklist del LP anterior sin ningún problema. Hay una clara intención del productor John Hill de apuntar a algo más comercial y pegadizo de lo habitual (como lo que produce “Dance, Dance” cuando corea la frase “baila, baila, baila, todo el mundo baila”), haciendo que las canciones del álbum sean fáciles de digerir.

Instrumentalmente, las influencias de Dan Auerbach cuando produjo “Tell Me I’m Pretty” han dado fruto, puesto que los estadounidenses han querido tomar esa esencia de rock psicodélico y, a través de varios procesos más de la producción de Hill, lograr mutar a un sonido más sincero, más complementado, como queda demostrado en “Skin And Bones”, tema con mayor influencia de Auerbach. Duele decirlo, pero la realidad es que los hermanos Shultz y compañía ya crecieron, llegando a un estado de evolución significativa en comparación con sus primeros trabajos, por lo que difícilmente podrán volver a la locura de esos días componiendo algo como “In One Ear”.

Se agradece que en el álbum hayan incluido canciones enérgicas, tales como “Broken Boy” y “House Of Glass”, que son el alma de una completa analogía de toda la trayectoria de Cage The Elephant. Probablemente, esta última sea la canción más alejada del contexto del LP, teniendo el enfoque de que todo es una ilusión. Los riffs de Brad hacen imaginar que la canción tuviese tintes e inspiración de alguna película de James Bond, lo que genera con inmediatez una agradable sensación al escucharla.

La única colaboración en el álbum se da con Beck, que, por cierto, viene saliendo de la época de “Colors” (2017). El autor de “Loser”, a pesar del ambiente de fiesta de su último trabajo, logra adecuarse con el conjunto de Kentucky produciendo “Night Running”, una composición con estilo totalmente nuevo y diferente al clásico indie rock que Cage The Elephant nos enseña día a día. Pese a que la banda de Matt está en un ambiente opuesto, logra cuajar con el “camaleón eterno” dando visto bueno al resultado.

Planteando los temas más desolados y oscuros, “Love’s The Only Way” es una canción que avanza lentamente con una armoniosa guitarra que le sigue el paso, reflejando las consecuencias después del quiebre amoroso de Matt y los pensamientos constantes del qué se hizo mal. También nos encontramos con la última (y oportuna) canción del álbum, “Goodbye”, una balada que comienza con un piano un tanto melancólico y un desgarrado Matt al micrófono, relatando una despedida correcta y madura luego de la aceptación natural de la ruptura. Esta última canción es una excelente conclusión para lo que la banda quiere enseñar: la aceptación de que en la vida siempre ocurrirán sucesos que marquen un antes y un después, por lo que la manera más adecuada para solucionar esto no es evadir, sino que enfrentarlos y tomarlos con un enfoque prudente y con calma, ya que, al fin y al cabo, la vida continúa.

Cage The Elephant vuelve con un álbum plenamente franco, mezclando la melancolía con la psicodelia, pudiendo plasmar así sus sentimientos de este último período en canciones un tanto calmadas, teniendo musicalmente un ambiente confortable. Sin embargo, en un mar de lágrimas la banda hace sus jugadas y nos presenta temas comercialmente atractivos y cautivadores. Los estadounidenses pasan por una época de meditación tras haber vivido ciertos sucesos que a todos nos podrían tocar en algún momento de la vida.


Artista: Cage The Elephant

Disco: Social Cues

Duración: 44:35

Año: 2019

Sello: RCA


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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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