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Brujería – “Pocho Aztlan”

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En sus inicios y hasta hoy, si hay algo que caracteriza al rock y al metal en particular, es el sentimiento de rebeldía ante el estado actual de cosas, el que se expresa principalmente por esa afinidad a los entes ocultos, como un  golpe a la cultura del establishment. De eso se ha escrito mucho y qué mejores testimonios de esto que los discos de los años 80, explícitos en lo macabro, lo oscuro y lo agresivo. Sin embargo, en la actualidad esta aura se ha atemperado en parte por su excesivo uso –y consiguiente pérdida de novedad–, aun cuando sigue predominando fuertemente. En el mundo complejo hay otras formas de canalizar esa insubordinación, y existen bandas que han dejado el lado seguro que entrega el prototipo rockero para adentrarse en otros recovecos de indocilidad, como, por ejemplo, el humor y la cotidianeidad de la vida misma.

brujeria-01Brujería, con su último disco de estudio, “Pocho Aztlan”, es un excelente exponente de aquello. A ratos, este opus muestra el grindcore más furioso (“Culpan La Mujer”, “Satongo”) y luego divaga en el humor negro característico de Juan Brujo y compañía, en canciones como la genial “México Campeón”, la perezosa “Bruja” o la versión basada en el clásico de Dead Kennedys  “California Uber Alles”, renombrada como “California Uber Aztlan”. Particularmente este último aspecto ha molestado en cierta forma a aquel público más ortodoxo en su entendimiento de lo que tiene que ser la actitud “metalera”, no obstante, es innegable que es un agente catalizador de irreverencia, algo que escasea en su originalidad hoy en día. En ese sentido, Brujería es una banda que plasma muy bien los variopintos elementos de los que se vale para mostrar su mezcolanza de metal pesado.

Pero por más que los aspectos reseñados en lo precedente sean los más llamativos, el metal agresivo y sucio de Brujería ocupa un lugar preponderante en todo “Pocho Aztlan”. Sin ir más lejos, en este trabajo –quizás como en ningún otro– se destaca de manera preponderante el trabajo en las cuerdas de Hongo (Shane Embury) y de El Cynico (Jeff Walker). Temas como “Debilador”, “Profecía Del Anticristo” o “Plata o Plomo” escupen riffs asesinos, que no  hacen extrañar en nada a Dino Cazares, considerado por muchos junto con el Brujo como el alma de Brujería. Acá los integrantes de Napalm Death  y Carcass dejan bien en claro que esto no se trata sólo de un  proyecto paralelo, sino que es algo que va en serio. Sobre estas bases llenas de grindcore, Juan Brujo arroja todas sus diatribas contra la religión, su descripción gráfica del narcotráfico y, quizás el elemento que predomina las líricas en este álbum, la falta de identidad de aquellos de origen mexicano pero nacidos en suelo estadounidense, y por eso mismo despreciados por ambas sociedades (“pocho” es un término despectivo utilizado en México y el sur de Estados Unidos, que describe a aquella persona de origen mexicano nacida fuera de México y que, por consecuencia, no encuentra bien determinada su identidad).

brujeria-02En otros aspectos, y como un elemento crítico de esta placa, está el hecho de que al contrario de las otras producciones de Brujería, “Pocho Aztlan” no se siente como un trabajo unido, sino más bien como un compilado de las mejores canciones que  los californianos han compuesto durante los más de 15 años que duró su receso creativo. En ese sentido, falta cierta coherencia narrativa que logre juntar a sus personajes dentro de un todo más amplio. Así, por ejemplo, la ya nombrada “Bruja” debe ser una de las más aburridas que Juan Brujo haya escrito y no se justifica; por otro lado, un tema con mucho potencial como “Isla De La Fantasía” se vuelve soso con el exceso de arreglos vocales, y “Códigos” no logra crear la atmósfera misteriosa que pretende, justamente por no estar acorde con la idea del álbum en su conjunto, a pesar de que por separado puede ser un buen tema.

En definitiva, Brujería se encuentra en una etapa de maduración, pero siguen fieles a la irreverencia que los vio nacer, aquella mezcla de satanismo, narcotráfico, inmigración y humor negro. Por consiguiente, la rebeldía se muestra intacta y sin estereotipos para encajar. Brujería es una banda de desadaptados y por eso consiguen la más absoluta libertad, aquella que les permite tocar el metal más crudo y hablar de fútbol a la vez. Brujería no es tan serio y, por lo mismo, hay que tomarlos muy en serio.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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