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Broken Social Scene – “Hug Of Thunder”

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A veces se nos olvida en qué grado una canción puede ser reflejo de un ánimo colectivo. Sí, en Año Nuevo existe una relación intrínseca con “Un Año Más”, o en el 18 de septiembre con algunas cuecas, pero hay que ir más allá, pensando en si la música en sí puede ser causa y efecto de una celebración, de un hito, de un momento irrepetible, porque ¿puede la música celebrarse a sí misma? ¿Es posible hacerlo sin caer en sensiblerías como “Gracias Por La Música” de Abba? A veces se puede, y se debe, porque en los meros choques de partículas musicales puede ocurrir una explosión, similar a la fisión nuclear, que logra generar ese goce.

Broken Social Scene es un colectivo más que una banda, con miembros que rotan, pero que en medio de un ambiente comunal que había hecho que el proyecto durara más de una década en actividad consistente, en 2010 se tomaron un receso que podría haber sido más largo de no ser por el estado del mundo hoy, razón que Kevin Drew y Brendan Canning, los polos coordinadores de BSS, tuvieron para querer generar música que contrarreste la negatividad de tanta porquería que opera como contexto de las vidas de miles de millones de personas en el planeta.

Tampoco es que “Hug Of Thunder”, el regreso de Broken Social Scene luego de casi siete años, sea el disco de protesta de la década, ni que sea una respuesta específica, sino que hay un ánimo de celebración que intenta cambiar el carril anímico en el que opera un gran espectro de las canciones en medio de políticos idiotas y la represión conveniente de los sentimientos ante la fuerza de la costumbre, más conservadora que nunca. En lo musical, todos los elementos clásicos de la banda, y que la han definido como uno de los pilares del sonido alternativo canadiense, están ahí en el disco: múltiples instrumentos generando instantes épicos, variadas voces tomando el protagonismo, un ritmo animado, guitarras, vientos, cuerdas, coros, y voces invitadas.

Emily Haines (Metric) es quien logra mezclar de mejor forma su voz, con una base tan cambiante y colorida como la propuesta en tracks como “Protest Song” y “Stay Happy”, aunque es también un buen retorno el de Leslie Feist en temas como el que le da nombre al disco, convirtiendo al larga duración en una fiesta entre amigos en la música, que buscan simplemente voltear el ánimo comunitario a nivel social con canciones que son hechas por un colectivo que intenta contagiar con el ánimo de un grupo determinado a los escuchas.

Aunque no es el mejor disco del conjunto, ni tampoco presenta clásicos del futuro cercano, el álbum tiene la consistencia necesaria para cumplir con varios objetivos que podrían haberse pasado a llevar sin la ejecución precisa: devuelve al ruedo a uno de los colectivos –y grupos de amistad– más interesantes del indie mundial, contagia un espíritu colorido y celebratorio, entrega conceptos abstractos que pueden acoplarse a realidades diferentes y a momentos individuales distintos, pero, más importante, es una colección de canciones cuya belleza es innegable, sintiéndose como un abrazo por parte de amigos que, aunque estén en silencio por años, son confiables. A veces en la música ese tipo de certezas son difíciles de tener, por lo que celebrarlas es justo, necesario y bueno.

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Khruangbin – “Mordechai”

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Mordechai

En un presente tan automatizado como el actual, Khruangbin ha logrado con éxito captar la atención de la audiencia con la creación de atmósferas. El trío originario de Texas, conocido por su mezcla de sonidos y su negación a encasillarse en un solo género, ha cultivado un seguimiento de culto, que les ha permitido llevar una exitosa gira a múltiples países, tan diversos como la paleta que presentan. “Mordechai”, su tercer disco y primero en dos años, se estrena en un mundo distinto al que recorrieron con sus primeros trabajos, pero el viaje presente permite por un instante recorrer el globo.

Durante la década pasada, el trabajo de Khruangbin se destacó por lo atrapante de su sonido instrumental, pero en “Mordechai” un nuevo elemento sale a juego. Las voces presentes por primera vez de Laura Lee, Mark Speer y Donald “DJ” Johnson, convierten a este en su material más directo. “First Class”, la carta de inicio del proyecto, suena como un resultado directo de su reciente trabajo con Leon Bridges, “Texas Sun” (2020), un corte retro con elementos del funk, soul y jazz, que se beneficia con la inclusión de sus voces. Temáticamente, es una mirada hacia el inicio, un viaje en “primera clase” a su natal Houston. “One To Remember” es otro ejemplo del legado atmosférico de sus inicios, donde la desvanecida voz acompaña a las cuerdas y percusión en un expansivo tema alucinógeno.

Si bien, el trío ha sido tajante en no querer encasillarse en géneros, no significa que no aludan a estos. “Time (You and I)” es un corte de disco setentero, donde el bajo de Lee cobra protagonismo junto a la percusión de DJ Johnson. A diferencia de la apertura, no sólo se aluden los vocales, sino que están presentes durante todo el tema, cantando en distintos idiomas para enfatizar en su exploración de sonidos del mundo. “Pelota” presenta claras influencias latinas, con elementos de la rumba, flamenco, compás haitiano y música tejana, además de ser cantada exclusivamente en español, en uno de los momentos más dinámicos y dignos de repetir. “So We Won’t Forget” es otro de los destacados del disco, aludiendo al groove ya presentado en “Time”, pero con más cercanía al pop; un himno veraniego que sería perfecto en un año normal. Estos cortes permiten agradecer el salto hacia los vocales, pues, mientras más presenten estén y menos se desvanezcan, mejores son los resultados.

La música del grupo se ha basado en evocar los distintos sonidos del mundo y sus atmósferas, pero acá existe una clara mirada hacia las raíces, a su génesis como músicos y a su ciudad natal, experiencias propias presentes en los instrumentales. “First Class” ya anunciaba un viaje relajado y libre de preocupaciones a Houston, homenaje que queda claro en “Connaissais De Face”, que evoca las memorias del pub que vio nacer al trío. Un tributo a una camarera que trabajaba en el pub y que recientemente falleció, sin enfocarse en su cercanía a los miembros, sino que su significancia para sus inicios. “Father Bird, Mother Bird”, el único track instumental presente, deja las puertas abiertas al sonido con el que comenzaron. Dedicada a una familia de aves que anidaron en la granja donde grabaron, es la manifestación del entorno de creación, el sentarse a explorar el mundo y maravillarse con la simplicidad. Mismo sentimiento se explora en “Dearest Alfred”, un inmersivo corte que mezcla las voces de Laura y Mark, quienes añoran un mundo sin la inmersión de la tecnología en las vidas, inspirándose en las cartas de sus abuelos gemelos Alfred y Earnest: “Tu carta es el mejor regalo”.

En muchas maneras “Mordechai” parece hecho para viajar por el mundo, para recorrer aquellas imágenes que el trío evoca en su paleta sonora, actividad imposible en un presente como el actual. Sin embargo, Khruangbin también ofrece otro tipo de viaje, uno hacia las memorias y la simplicidad del día a día. Inspirado por un amigo que impulsó a Laura a saltar desde una cascada, el disco mismo realiza un ejercicio necesario luego de dos álbumes inmersivos, vocales que le añaden humanidad al trabajo instrumental que venían presentando, sin perder la calidad atmosférica que los destaca, en un experimento que deja expectante ante su siguiente paso.


Artista: Khruangbin

Disco: Mordechai

Duración: 43:53

Año: 2020

Sello: Dead Oceans / Night Time Stories


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