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Boris – “W”

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En 2020, cuando comenzó la pandemia, los miembros de la banda experimental japonesa Boris se encerraron y decidieron aprovechar la cuarentena para componer la música que luego daría forma a los discos número 26 y 27 de su carrera. Debido a la influencia de este contexto, ambos discos resultaron ser dos partes de un mismo proceso, representando la dureza de la crisis actual y las posibilidades de sanación que surgen de esta, respectivamente. Así, el lanzamiento de “W” viene a completar lo desarrollado en el álbum “NO” (2021), tanto de manera literal (ambos títulos forman la palabra NOW) como en un sentido poético. De hecho, el carácter reflexivo y espacioso de las canciones contenidas en “W” es el perfecto contraste de los riffs pesados y la brevedad de las canciones de “NO”.

Una particularidad de “W” es que, a diferencia de álbumes anteriores, el rol vocal recae casi exclusivamente en la guitarrista Wata, quien aporta una ligereza distintiva en sus líneas vocales, que por momentos son casi susurradas. Las sonoridades que surgen de la combinación de ese estilo y las atmósferas generadas a través de efectos, como la saturación y el reverb, que se aplican tanto a guitarras como al bajo y batería, remiten a géneros como el shoegaze y el post rock. Por otro lado, si bien son escasos, hay momentos contrastantes en que la voz desaparece y da lugar a piezas instrumentales en que aparece el sonido más pesado de Boris, fuertemente influenciado por Melvins (de cuya canción Boris tomó su nombre). Sin embargo, el uso minimalista de las ideas musicales, a través de la repetición incesante de melodías, texturas y ritmos con variaciones mínimas, pero significativas, es un elemento que unifica toda la propuesta del disco.

El relato que se construye comienza con “I Want To Go To The Side Where You Can Touch…”, caracterizada por un tinte épico, elaborado por la acumulación gradual de una serie de capas sonoras, que hacen que la sección instrumental se separe progresivamente de la voz y genere una enorme espacialidad. El viaje continúa con “Icelina”, manteniéndose dentro de un campo armónico similar, pero cuyo carácter ya no es épico, sino íntimo, y se asemeja más a una curiosa canción de cuna, en que el ruido y la disonancia entran y salen continuamente de escena.

“Drowning By Numbers” mantiene ciertos timbres ya exhibidos en la guitarra, pero es marcadamente más rítmica que las anteriores debido a la presencia de un patrón constante de batería y bajo, que se complementa con una línea vocal mucho más enfocada y menos libre en su fraseo. Este elemento rítmico también caracteriza a “Invitation”, que sintetiza lo ya expuesto, retomando el carácter más dulce de las primeras canciones, dando así un cierre a la primera parte del disco. En ese sentido, “The Fallen” emerge como un interludio que no comulga con ninguna otra canción del disco y que puede entenderse como una reminiscencia de las sonoridades exploradas en “NO” y otros álbumes de Boris.

La segunda parte del disco la inaugura “Beyond Good And Evil”, que puede resumirse como una especie de balada muy tradicional en su construcción melódica, su armonía y estructura, pero con timbres (susurro, ruido estático, amplia reverberación) que escapan a ese estilo. Por su parte, “Old Projector” es instrumental y se siente distante, tanto por ciertas particularidades de la mezcla como por una idea de distancia temporal, que es evocada por el título y reflejada en el sonido desafinado, casi microtonal de la guitarra, sonando como si fuera una grabación antigua. La canción más larga del disco es la penúltima, “You Will Know (Ohayo Version)”, que parece ser una síntesis de ideas ya expuestas, sin aportar un aspecto distintivo, más allá del timbre particular del bajo y una sensación de que la música termina y empieza una y otra vez, como en un eterno loop.

El cierre de “W” es dado por la breve “Jozan”, que parece no tener ninguna relación con el resto del disco. Es un final intrigante, pues suena distante, como si ya nos adentráramos en otro material, tal vez en un disco futuro que vuelva a marcar otro giro en la carrera de esta longeva banda, una que siempre está dispuesta a reinventarse.


Artista: Boris

Disco: W

Duración: 41:34

Año: 2022

Sello: Sacred Bones


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Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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