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Bon Iver Bon Iver

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Bon Iver – “i,i”

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La música que Justin Vernon ha creado como Bon Iver siempre ha sido asociada a las estaciones del año, desde la etimología de su nombre (Buen Invierno), hasta las emociones que evocan las melodías que adornan su voz. Dicha asociación fue confirmada con el lanzamiento de “i,i”, completando un ciclo de álbumes que comenzó hace más de diez años. El invierno de “For Emma, Forever Ago” (2007), la frenética primavera de “Bon Iver, Bon Iver” (2011), el desquiciado verano de “22, A Million” (2016), y ahora el crujido de hojas otoñales. Bajando las distorsiones y poniendo su voz como protagonista, Vernon ofrece su disco más honesto.

Seguirle el rastro musical a Bon Iver no es sencillo. Con sus primeros tres álbumes, el proyecto fundado por Vernon ha explorado una paleta sónica con mínimas restricciones, desde el folk tradicional en su debut, experimentando con sonidos del rock en su segundo lanzamiento y aventurándose radicalmente a la folktronica en su último disco. La introducción de “Yi” en tan solo treinta segundos nos da una idea de la construcción de “i,i”, adelantando los sonidos electrónicos y el espíritu colaborativo que presentará. La primera canción, “iMi”, toma estos sonidos experimentales, pero rápidamente presenta momentos de intimidad a cargo de las vocales de Vernon. El tema hace un gran trabajo en combinar la paleta de sonidos de su discografía, tomando los fuertes de cada álbum para crear una nueva etapa en este ciclo sonoro.

El segundo corte es un ejemplo de las distintas experimentaciones gracias a los riesgos colaborativos en los que se embarca. “We” combina elementos tribales con beats futuristas, resultado del trabajo junto a Wheezy, reconocido productor de hip-hop. El corte es también un ejemplo del protagonismo de la voz de Vernon, con adornos enfocados en la instrumentación y, por primera vez en años, las vocales del compositor son claras y directas. Canciones como “Holyfields,” y “Marion” presentan algunas de las instrumentaciones más desnudas de la carrera de Bon Iver, dejando a su voz y letras brillar.

Los primeros sencillos del álbum son la representación más clara del efecto otoñal que busca entregar “i,i”. “Hey, Ma” es una nostálgica pieza que relata la relación de una madre y su hijo en los tiempos modernos. El atrapante falsetto de Vernon demuestra la capacidad del cantante de provocar la melancolía con el uso de su voz, tal como el disco homónimo que los lanzó a la fama. La canción podría parecer un retroceso de su álbum anterior, lleno de intricadas producciones, pero su simpleza es parte del ciclo musical que representan los cuatro álbumes. Siguiendo con esta emotividad, “U (Man Like)” presenta uno de los momentos más puros en la voz de Vernon, siendo una balada a piano con un emotivo comentario sobre problemas sociales. Con inspiraciones góspel, Vernon trae a sus colaboradores y a un coro a compartir el reflector.

Si bien es la voz de Vernon la protagonista en cada canción, la creación de “i,i” se basa en la colaboración. No son amplios los momentos que tienen para dejar una marca, pero son fundamentales para la fluidez de las canciones y hacer que los relatos cobren una nueva fuerza, con apariciones de artistas como James Blake, Moses Sumney, Jenn Wasner de Wye Oak, Bruce Hornsby o Velvet Negroni, entre otros. Este trabajo en equipo, lejos de restarle validez a la calidad del material, resulta en una celebración de lo logrado.

La canción al centro del disco, “Naeem”, representa la versatilidad musical de Bon Iver y hace un gran trabajo en encapsular la experiencia adquirida gracias a las experimentaciones. Con vocales crudas, casi sacadas de “For Emma, Forever Ago”, con la melancolía en la producción de “Bon Iver, Bon Iver” y la complejidad musical de “22, A Million”, el corte es una pieza de triunfo musical. Por su parte, la segunda mitad del disco se centra en los problemas políticos y sociales que Vernon percibe, con una curiosa combinación entre positividad y negatividad. “Jelmore” es un imaginario apocalíptico debido al cambio climático, mientras que “Sh’Diah” (o “Shittiest Day In American History”) es un comentario político tras la elección de Donald Trump.

Para una banda que ha sido asociada con un sonido melancólico y triste, “i,i” es extrañamente edificante. Vernon reconoce las problemáticas de su entorno y de su propia persona, pero canciones como “Faith” o el cierre “RABi” presentan un optimismo pocas veces visto en su discografía. El sonido del disco renuncia de manera leve a los adornos del anterior, pero al ser retratado como un ciclo dentro de su discografía, este movimiento parece más que natural en la evolución de Bon Iver. En su último material, Vernon está lejos de esconderse y, tras una década de trabajo, finalmente se siente listo para entregarse con total honestidad. “Algo de la vida se siente bien ahora, ¿no es así?“, concluye en el último coro del disco, con una calma en su voz y en su melodía dignas del otoño.


Artista: Bon Iver

Disco: i,i

Duración: 39:43

Año: 2019

Sello: Jagjaguwar


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Marika Hackman – “Any Human Friend”

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Any Human Friend

Es muy común escuchar que, para que el ser humano sea realmente feliz, debe estar en paz consigo mismo; conocerse, quererse, transparentar lo que se es frente al espejo. La auto aceptación implica abrazar lo propio con autenticidad y ser honesto consigo mismo y con los demás, invitando a decir lo que se piensa sin tapujos y a no dejarse llevar por códigos sociales restrictivos ni preocuparse por el qué dirán. Esto es exactamente lo que hace Marika Hackman, cantante y multiinstrumentista británica, en su tercer larga duración “Any Human Friend”, una entrega marcada tanto por el cambio de sonido, como por el toque gráfico y sincero en la lírica respecto a su intimidad y mundo interior.

El inicio está marcado por “Wanderlust”, un tema acústico que engaña a quien lo oye por vez primera, pues lleva a pensar que Hackman vuelve a sus raíces con una línea más unplugged. Es menester recordar que la hija de Sub Pop Records emprendió vuelo bajo el alero de sonidos de cuerda inundados de melancolía, tanto en su debut “We Slept At Last” (2015) como en su primer EP, “That Iron Taste” (2013), por ello, el opening de esta saturada pieza puede entenderse como un regreso a dicha corriente sonora. Pero no. Es solamente una exquisita trampa, pues el sintetizador comienza a agarrar fuerza para dar paso a “The One”, el popero, memorable y bailable segundo sencillo de este compilado. Consolidándose como un punto fuerte de este álbum, su ritmo encabezado por guitarras y su lírica relacionada al creciente e insoportable ego de una estrella de rock arruinada por sus populares pero desdichadas composiciones, hacen de este un tema digno de cantar a todo pulmón (y a coro).

A lo largo del disco, la artista juega con canciones que se contraponen, pero que se funden de forma perfecta. Una fórmula que se hace evidente en los más de 41 minutos es pasar de creaciones más pausadas, reposadas y sentimentales, a otras colmadas de energía, agilidad, vigor y honestidad. Cambios radicales, pero intrigantes y encantadores, son pilar fundamental y principal razón de que el tercer LP de Hackman sea tan cautivante. Es cosa de entregarse sin problemas a la explícita y seductora “All Night”, transitar posteriormente por una ágil y seca melodía en “Blow”, para luego ceder al frenesí y desborde del crudo primer single “I’m Not Where You Are”, y finalmente perderse en la apacible “Send My Love”.

A medida que el LP avanza, se aprecia lo favorable que fue para la británica seguir por la senda que comenzó a trazar con “Boyfriend” hace un par de años, donde se propuso no limitarse ni censurarse en la composición. En una industria dominada por el hombre, con letras de amor, lujuria o desenfreno emanadas y creadas desde un lugar y punto de vista masculino, Marika rompe barreras y abulta el archivo de líricas LGBTQ añadiendo el punto de vista de una mujer queer en el plano emocional y sexual. Sin dejar espacio para la imaginación, la cantante explicita y hace una oda al autoplacer femenino en “Hand Solo”, detallando maniobras, efectos y pensamientos que danzan en torno al mismo y, a su vez, sacándole la lengua a todos ellos que creen que es un tabú del cual no debería hablarse.

La sinceridad nunca se había escuchado tan fuerte y tan despojada de vergüenzas, y en su tercer álbum, Marika Hackman da cátedra de una reveladora metamorfosis. Empoderada de un sonido fuerte, pero frágil a la vez, la artista se desenvuelve más segura que nunca, a pesar de que lo mezcla con la épica tarea de desnudarse física y emocionalmente ante el universo. Más humana que nunca, la artista prueba que el exponer aspectos que el mundo heteronormativo y patriarcal considera a menudo como debilidades, tales como el no querer una relación normal, el autosatisfacerse sexualmente o el reconocer y hablar de la fragilidad mental, solamente la hacen más fuerte, pues tiene el arma más potente de todas: el autoconocimiento.


Artista: Marika Hackman

Disco: Any Human Friend

Duración: 41:01

Año: 2019

Sello: Sub Pop Records


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