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Biffy Clyro – “Ellipsis”

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Según la RAE, la elipsis es una figura gramatical que suprime cierta construcción sintáctica en una oración, siendo su contenido dilucidado por el contexto. Según ciertos ejemplos, podemos intuir que esta tiene la clara función de ahorrar palabras, o sea, de simplificar un texto. ¿Qué se puede esperar de un álbum que lleve como título el nombre de esta construcción, y de su portada la imagen de tres tipos desnudos manteniendo una clara posición fetal?  Fuera de engaño, algo no tan infantil, sino la vuelta a lo primigenio tras la concepción de una idea y de cómo surge la madurez suficiente para poder expresarla de forma más simple. Los escoceses de Biffy Clyro ya cumplen dos décadas de trabajo y dejan a la vista que han conquistado la facilidad de palabra que viene con los años.

biffy-clyro-01Sucediendo a “Opposites” (2013), “Ellipsis”(2016) se erige como uno de los trabajos más personales de la banda desde “Puzzle” (2007). Como para grandes cambios se necesitan nuevos rostros, los Clyro no dudaron en cambiar a su antiguo productor, Garth Richardson por Rich Costey, poniendo de manifiesto que la personalidad que han conquistado como banda ha dependido siempre de ellos mismos y no tanto de las personas con las que trabajan. El disco empieza casi con una arenga; un “haka” llamado “Wolves Of Winter”: casi un himno que dirigen a los que en algún momento no creyeron en ellos. El tema posee un toque casi marcial gracias a los martillazos de la batería, desenfadadas líneas de bajo y un coro que de lo más bien puede ser entonado en las grandes arenas a las que la banda está más que acostumbrada. Esa furia y poder contenidos también se encuentran en “On A Bang”, sin duda uno de los temas del disco que más recuerda al sonido antiguo de los escoceses: “Now You know better, can´t you fucking do better?”, es la pregunta que se deja oír de manera desafiante.

“Ellipsis” es un disco que muestra esa revancha tras la consagración, retratando cómo las partes involucradas han debido lidiar con esto: desde la lucha del vocalista con la depresión, la nueva conciencia que se genera a medida que se va envejeciendo y cómo ciertas luchas se siguen manteniendo en desmedro de las que ya se dieron por perdidas. Así es como esta red sonora nos entrega temas que siguen manteniendo más vivo que nunca el espíritu de Biffy Clyro, por ejemplo, “Friends And Enemies”, la de factura más hard rock clásico “Animal Style” y “Flammable”, que tiene unos riffs de guitarra entrañables al finalizar y unos “who-ooo-ohs” muy pegagosos.

biffy-clyro-02La deuda del disco radica en que no puede generar esa conexión personal en los temas acústicos o de formato balada. Salvo “People”, donde la voz de Simon Neil sí expresa una emotividad que calza perfectamente con los arreglos, hay algo en “Medicine” y “Re-Arrange” que no transmite. Raro para temas que están melódica y líricamente bien construidos, y más para una agrupación que nos ha deleitado con canciones de esta factura como, como “Many Of Horror”, “Machines” y “The Thaw”, entre otras.

Lo bueno de Biffy Clyro es su sentido del humor. Siempre cuentan en sus discos con alguna canción que suple el rol del chiste que se narra en la madrugada, cuando ya nadie ríe en las fiestas. “Ellipsis” no fue la excepción con “Small Wishes”: una oda a la independencia escocesa hecha en clave folk-naive con silbatitos, campanitas y una letra de lo más divertida. Esta es seguida por el último de los tres singles del disco: “Howl”, que acompañado de un video en el que vemos a unos graciosos Biffy, es de los temas más “pop friendly” del álbum. Sin duda un trabajo que no nos aleja mucho de la dirección sonora que Biffy Clyro adoptó desde “Puzzle” y que se ha convertido en una buena manera de coronar estas dos décadas de carrera.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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