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Between The Buried And Me – Coma Ecliptic

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Between The Buried And Me es una banda consolidada: hace diez años mantiene una formación estable y, desde el transversalmente aclamado “Colors” (2007), han cimentado una no despreciable base de seguidores gracias a su particular integración de elementos del metalcore y el death metal en su propuesta progresiva. Bastante prolíficos, han registrado seis álbumes desde su homónimo debut en 2002, además de dos discos en vivo, un CD de covers y un EP. De hecho, esta es la ocasión en que más tiempo se tomaron entre discos: tres años han pasado desde la salida al mercado de “The Parallax II: Future Sequence”, y se agradece que a este álbum le hayan dedicado un período más largo. Progresiones complejas y una buena cuota de virtuosismo dan vida a “Coma Ecliptic”, una obra BETWEEN THE BURIED AND ME 02conceptual mucho más melódica y accesible que sus antecesores en términos generales.

El nombre del álbum refiere al concepto que guía su desarrollo: la historia de un sujeto que, cansado de su vida, decide sumergirse en estado de coma y viajar a través de sus vidas pasadas, buscando encontrar algo mejor que su presente. Durante este recorrido, el protagonista tiene la posibilidad de quedarse en alguna de estas vidas pasadas o despertar y continuar su vida normal. Este viaje onírico retratado en las letras, se asemeja bastante al periplo que este séptimo LP representa para la banda: un recorrido por sus influencias y un repaso a su evolución como conjunto.

El giro hacia el rock progresivo de los 70 se hace patente en piezas como “Node” y “King  Redeem / Queen Serene”. Saltan a la vista influencias de ese género, como Yes y Pink Floyd, pero también acuden elementos del jazz fusión, estilo que se ha manifestado sutil pero constante en los últimos trabajos de la banda. En ambas canciones se aprecia una impresionante similitud entre el timbre del vocalista, Tommy Giles Rogers, y el de Steven Wilson, así como se reconocen ciertos elementos del sonido de sus trabajos solistas. Esta clase de influencias se quedan, no obstante, sólo en la composición; el disco “suena” actual, ya que el tono de guitarras y la producción en la batería apuntan –como en sus trabajos anteriores- a conseguir un sonido moderno, aunque rescatando el dinamismo del vintage que suele escasear en la actualidad.

BETWEEN THE BURIED AND ME 01Como es habitual en el género progresivo, las canciones se estructuran de manera heterodoxa, dando giros impredecibles continuamente. Así, los cambios de ritmo y tempo en medio de una canción se vuelven habituales. A pesar de estos insistentes giros, las canciones no pierden el rumbo: los motivos se mantienen a lo largo de las piezas. Esto se aprecia en tracks como “The Coma Machine” o “Famine Wolf” que, aunque cambiantes, consiguen combinar las secciones de manera coherente, jugando con la tensión y provocando una interesante sensación de movimiento. Hay pasajes en los que el disco se torna demasiado denso, incluso para un oído acostumbrado a las atmósferas que genera el metal progresivo. Es en aquellos momentos en los que se valora la impecable mezcla del experimentado Jamie King, quien logra encausar las altamente técnicas interpretaciones de batería y guitarras en un todo complejo pero entendible. Así, composiciones que exploran los límites de lo auditivamente agradable, como “The Ectopic Stroll” y “Option Oblivion”, terminarían ocasionando un seguro dolor de cabeza de no ser por la siempre adecuada producción de King.

En “Coma Ecliptic”, el quinteto estadounidense dicta una iluminada cátedra de metal moderno, repasando distintos estilos dentro del mismo género. Un álbum que, además de contar con los recursos para cumplir las expectativas de los seguidores de la banda, puede encantar e introducir a nuevos fanáticos no sólo a la obra de Between The Buried And Me, sino al metal progresivo en general.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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