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Belle & Sebastian – Girls In Peacetime Want To Dance

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Si hay una banda que podría participar (y posiblemente ganar) en el concurso de “banda influyente”, al menos en lo que indie pop respecta, esa sin duda es Belle & Sebastian. Representan, ayer, hoy y siempre, lo mejor que el pop de guitarras puede entregar, obra y gracia de su líder Stuart Murdoch, que partió como un tímido director de orquesta, musitando débiles melancolías en sus primeros discos para luego ser un conductor enérgico. Este año, los escoceses vuelven al ruedo discográfico luego de un lustro de ausencia desde “Belle And Sebastian Write About Love” (2010) y se despachan uno de los primeros grandes estrenos de este año con su “Girls In Peacetime Wants To Dance”.

BELLE & SEBASTIAN 01La previa del lanzamiento oficial fue bastante controvertida. Su primer single, “The Party Line”, partió aguas entre sus fans dada su complexión orientada casi para la pista de baile, y esa vocación disco guitarreada es el primer elemento que cruza completamente el álbum; las estructuras son mucho más complejas y ricas en elementos con los que, si bien ya venían jugueteando en álbumes anteriores, ahora descolla y crea agradables melodías. Y es aquí mismo donde radica la única debilidad de “Girls In Peacetime Wants To Dance”: suena tan redondo, que la sutil voz de Murdoch no siempre logra alcanzar la potencia que las canciones requieren, aunque en “Nobody’s Empire” la alcanza en su cuota necesaria, además que él mismo ha declarado que es su canción más personal e íntima, por lo que la premisa inicial de todos modos se mantiene.

“Allie” está enraizada en el power pop ochentero como nunca antes Belle & Sebastian lo estuvo, siempre mezclado con sus intenciones naïve que les ha hecho famosos, y la inclusión de los sintetizadores no del todo atinada, pero coherente en la línea del disco en “The Power Of Three”, confirman la idea de un cambio estético, mas no de fondo. “The Cat With The Cream” es una buena idea, más que nada por entremezclar el ideario baladístico que llenaba sus primeros trabajos con esta nueva profundidad de sonido, con una cama de sintetizadores y cuerdas que la potencian, y se nota que, a pesar de la riqueza instrumental, Murdoch adolece de la presencia vocal que le caracterizaba en beneficio de un producto redondo en melancolía y evocación.

Desconcertante –mucho más que “The Party Line”- resulta “Enter Sylvia Plath”, una canción que abraza el pop sintético de forma sorprendente y que sigue dando forma al nuevo sonido que este disco propone. Esa ansia de exploración vuelve a sorprender en “The Everlasting Muse”, mezcla extrañamente agradable de jazz klezmer, en el que el contrabajo y la batería se adueñan por completo. Jamás en la historia de la banda fue posible introducir tales ritmos en su sonido, pero todo BELLE & SEBASTIAN 02indica que ahora es cuando. El baile vuelve a aflorar en “Perfect Couples”, donde su groove e influencias de percusiones latinas le dan un punto adicional, como si David Byrne estuviera presente y quisiera meter mano en algunas porciones de la canción. “Ever Had A Little Faith?” es sin duda la que más se allega al sonido clásico de la banda, para quienes lo echaban de menos a estas alturas, aunque la previsibilidad de la propuesta le juega en contra, al menos en contexto.

“Play For Today” también juega con los sintetizadores en la línea ochentera y cuenta con la colaboración vocal de Dee Dee del combo dream pop Dum Dum Girls, quien quedó fuera del casting del film musical “God Help The Girl” de Murdoch, pero fue invitada a este dueto. Una de las canciones que de mejor forma reflejan la intención de este disco es “The Book Of You”, un indie pop sincero y directo, tanto en letra como en música, evocando a “The Life Pursuit” (2006) pero con nuevos arreglos.

La lánguida “Today (This Army’s For Peace)” cierra un disco que es contradictorio, dado que es muy redondo en el marco de esta nueva etapa en la que Stuart Murdoch abandona los intimismos musicales para mudarse a una construcción sonora más completa, sin embargo, algo no termina de calzar. Quizás es cosa de acostumbrarse a este nuevo sonido y dejarse llevar, ellos al menos lo están haciendo y de muy buena forma.

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Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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