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Beardfish – +4626 Comfortzone

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¿Cómo podemos definir el rock progresivo actual? Quizás muchos afirmen que es una pelea de egos de nunca acabar, de solos tediosos y eternos, que su ejecución es prolija pero aburrida, o que la cohesión dentro de cada banda es nula, e incluso creer que muchas agrupaciones resultan ser una copia redundante y excesiva de exponentes consagrados. Bueno, todo esto es lo que precisamente Beardfish no es. Una propuesta singular en cuanto a estructura, cargada a un sonido envolvente, el cual hace rememorar a bandas del género como Yes, Jethro Tull e incluso a los nacionales de Congreso, posicionando, sin ser insulsos, un sonido clásico sin caer en lo obvio, y trayendo de vuelta la destreza ligada con la naturalidad y la simplicidad melódica agradable de digerir de los 70, hoy en día casi extinta.

BEARDFISH 01Su octava entrega, nos sumerge en una historia bárdica de antaño, relatando distintos parajes emocionales. “The One Inside: Part 1 (Noise In The Background)” es el prólogo de voz discursiva que nos sitúa en la antesala de lo que escucharemos. Con un riff muy pausado, junto al sonido de un violín ahogado, da la cuota de nerviosismo por lo que vendrá, y es así que de inmediato se presenta “Hold On”. El bajo de Robert Hansen se introduce de manera muy dinámica a una canción que tiene el poder de despertar la expectación de este trabajo. “Comfort Zone” resulta ser un bálsamo después de dos tracks potentes en destreza e intensidad; una muestra limpia y homogénea en ejecución y técnica, potenciada por la guitarra melancólica e in crecendo de Zackrisson, acompañada de una voz que hace gala especial de su gran registro y una ejecución del teclado impecable por parte de Sjöblom, dando la cuota exacta de melancolía y sobrecogimiento al relato.

El caso de “King” al principio puede sonar desconcertante en su forma conceptual, pero se hacen notar casi de inmediato que lo que proponen los suecos es mantenernos con el factor sorpresa, dando la impresión que en este caso quieren honrar el legado que los precede. Con riff de guitarras y tonos característicos en ellos, pero acompañado de intenciones en voz y fraseos que hacen eco a un Dream Theater de a mediados de los 90’, nos apronta al clímax de la obra. Esto, sin dejar de lado el sello particular de la banda.

BEARDFISH 02“The One Inside: Part 2 (My Companion Through Life)” es el que da inicio al segundo acto, mostrándonos acordes de guitarra acústica que la hacen particularmente única. En este punto no hay duda de que Beardfish sorprende, pero con “Daughter / Whore” demuestran su versatilidad. Al principio impacta  por acordes y solos reconocibles en el thrash noventero, para luego cambiar a una melodía gratamente reconocible en ellos, pero sin dejar de lado la intencionalidad crossover, haciendo la voz de Sjöblom irreconocible a ratos. “If We Must Be Apart (A Love Story Continued)”, el track más largo del disco, es una catarsis que recorre todo lo que hemos escuchado con anterioridad, para cerrar con  “Ode To The Rock ‘N’ Roller” y “The One Inside: Part 3 (Relief)”, este último un epílogo que sella la obra de los suecos con una despedida que está lejos de ser un adiós, sino la culminación de un capítulo más para la banda. Sin la necesidad de rebuscar en la ejecución, se involucran en algo más actual dentro de lo que es la escena del rock progresivo, dejando en evidencia que su propuesta no es por carencias de interpretación, sino todo lo contrario: están cimentadas bajo la búsqueda y la reinvención perpetua.

“+4626 Comfortzone” hace precisamente eso, situarnos en nuestra zona de confort, a diferencia de sus antecesores “The Void” (2012) y “Mammoth” (2011). En esta oportunidad nos entregan la posibilidad de escucharlos y deleitarnos con un sonido prolijo y sin mayores pretensiones, pero sin dejar de evolucionar musicalmente. Nos hace ser capaces de entender que estamos frente a un álbum con una estructura que nos cuenta una historia; conceptual y fácil de interpretar sensorialmente, con actos y tiempos que varían en intensidad y matices en cuanto a estilo, sin dejar posibilidad alguna al aburrimiento o a la monotonía, reacción que suele pasar al escuchar este estilo.

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Deftones – “Ohms”

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Ohms

Se vale decir que lo de Deftones a estas alturas es una carrera sin altibajos. La extraña época del denominado nü metal, que vio nacer y morir a variados proyectos, quedó atrás y es nada más que un rótulo para una banda que rápidamente expandió sus horizontes. Así ha sido el recorrido de Deftones que, con nueve discos, se sacudió del estereotipo para desembocar en álbumes como “Ohms”.

Y es que su último trabajo va más allá de lo etéreo y las atmósferas. O, al menos, desde otra perspectiva. Pese a ser una banda que transita por intensas sensaciones, nunca había estado tan clara la línea entre aquellos elementos. Gracias al reencuentro con Terry Date, un viejo conocido en la producción (“Adrenaline”, “Around The Fur”, “White Pony”, “Deftones”), la banda plantea un interesante equilibrio: los arreglos conviven –y se escuchan– sin quitarse protagonismo. No sobran, no son caprichosos, no son antojadizos.

“Genesis” y “Ceremony” representan un poco aquella relación. La primera, como single, elevó las expectativas y cumplió. Por su parte, el segundo track, mucho más melódico y limpio, permite apreciar mejor los matices que estarán presentes a lo largo del álbum. Es difícil exigirles siempre un poco más a bandas como Deftones, ya que a estas alturas el conjunto no necesita demostrar más que calidad; su sonido se encuentra tan arraigado, que toda sorpresa es un detalle más de una meticulosa producción.

Resulta curioso que aquellos detalles esta vez no quedaron a cargo de las cuerdas y un par de efectos, sino que pasaron a ser administrados con mayor protagonismo por Frank Delgado en los sintetizadores y máquinas. Así, todo dialoga orgánicamente a la par de un inspirado Stephen Carpenter, que se atreve a jugar con los compases, como en “Urantia”, y se desata con estridencia en los ensordecedores pasajes de “Error” y la bella “Pompeji”, quizá la canción más completa del disco. Toda esa potencia y densidad puede responder a muchas variantes y posibilidades. ¿Cómo hacer contrapeso y acompañar a Carpenter? ¿Es más que una decisión estética que en cada disco sume más cuerdas a la guitarra principal?

La seguridad que entrega Sergio Vega en el bajo ha sido un aporte de frescura y actitud, como queda demostrado en “Radiant City”. Si bien, su participación en la banda ya cumple cuatro álbumes, hoy más que nunca se trata de su disco, y “Ohms” debería ser revisado bajo su prisma. Su presencia es aglutinante, está sumamente marcada y funciona en complicidad. Según entrevistas, Vega aportó activamente en la composición y con los riffs más potentes, asumiendo ese rol de compañía y contraparte. Su estilo no pasa inadvertido y ha potenciado varias virtudes del grupo. Por un lado, las guitarras más graves de Carpenter y, por otro, las baterías de un Cunningham menos atrevido, pero manteniéndose igual de intenso.

Con “Ohms”, más allá del cliché que puede significar volver a los orígenes, Deftones ha sabido administrar un concepto más que robusto, que no descansa tan sólo en un desfile de distorsiones para riffs profundos y veloces. Su complejidad radica en las posibilidades que exploran con el pasar del tiempo, dotando a sus canciones de una sensibilidad e intimidad que dialoga con una experiencia oscura y agresiva.


Artista: Deftones

Disco: Ohms

Duración: 46:17

Año: 2020

Sello: Reprise


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