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Bat For Lashes – “Lost Girls”

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Cuando Natasha Khan lanza un nuevo disco, un mundo lleno de posibilidades y de fantasía se abre. A través de su discografía, la compositora ha sido tanto músico como relatora de historias, abordando cada material como novelas que acompañan sus composiciones. Desde los toques barrocos en su debut folktronico, “Fur And Gold” (2006), la exploración de la dualidad en “Two Suns” (2009), la intima narración en la maestría de “The Haunted Man” (2012), y el retrato de la tragedia en “The Bride” (2016), los mundos que Khan ha creado como Bat For Lashes la convierten en una importante cuentacuentos musical. Su último trabajo, “Lost Girls”, no está lejos de la fantasía que rodea al resto de sus álbumes, presentado como una carta de amor a la música y al cine ochentero.

La nostalgia por los ochenta no es algo nuevo; la evocación de aquellos años ha ocupado parte importante de la presente década, tanto en el cine, televisión, moda y música. Por esto el acercamiento de Khan como narradora y músico es fundamental para formar parte del movimiento nostálgico que evoca la década. El primer sencillo, “Kids In The Dark”, es una perfecta introducción a un disco que se aleja del sonido artpop que consagró a la artista. Desde los primeros synths que presenta el corte, se establece como un himno new wave para una generación moderna, con una clara evocación a la década a través de los teclados y sintetizadores, trayendo el sonido ochentero para representar las noches de una nueva generación, una romantización de la vida nocturna en las grandes ciudades.

El tercer sencillo, “The Hunger”, continúa con los sintetizadores de aquella época en la instrumentación, pero trae a escena el dramatismo característico de sus composiciones. De la mano de un órgano acompañado con la expresiva vocalización de Khan, la canción se sumerge dentro de los riesgos y aventuras de la exploración. Como en clásico estilo ochentero, existen algunos clichés de los que Khan no puede escapar, aunque que no dejan de ser efectivos, como en “Feel For You”, una simple composición lírica, pero con múltiples capas en su producción, utilizando los sintetizadores como total protagonistas del sonido.

Los momentos donde el disco lograr brillar con fuerza ocurren gracias a la experimentación de sonidos entre los mencionados elementos ochenteros y las diversas maneras para construir relatos de Khan. “Jasmine” combina momentos hablados que le agregan dinamismo al disco para luego aventurarse en un dulce coro synthpop, que es contrastado con una atmósfera gótica que ilustra las historias que relata. Esta esencia gótica es confirmada por los saxófonos del track instrumental “Vampires”, que funciona como más que un simple interludio, potenciando la energía que la primera mitad del disco intenta ilustrar, seguida por “So Good”, uno de los mejores momentos del álbum, con guiños a las figuras más clásicas de los ochenta, acompañado de glamurosos synths y percusión dignos de las pistas de la década.

El último tercio del disco juega con la emocionalidad que es capaz de evocar Khan con su voz. Sin perder los sintetizadores que han llevado la narración del disco, la presentación vocal se vuelva protagonista en los tracks de cierre. El final con “Mountains” es quizás el menos representativo del sonido del disco, pero con los niveles de emocionalidad más altos, siendo el único corte escrito únicamente por Khan, evocando los sentimientos más personales del álbum.  Dejando de lado los aspectos más glamorosos de los synths, es a través de la emoción de su voz y composición que logra entregar un confort que presenta el fin de la aventura.

Por más de una década, Natasha Khan se ha configurado como una importante artista dentro de la renovación del artpop, pero sus composiciones también la han transformado en una destacada relatora, y su último material no es la excepción. “Lost Girls”, tal como las películas que evoca, está lleno de aventuras, de himnos generacionales, de búsqueda de riesgos y de exploración de sensaciones. Ahora con sintetizadores bajo el brazo, el último disco de Bat For Lashes logra traer aquellos elementos que definieron una década hacia una nueva generación, una en constante búsqueda de nostalgia y pertinencia, y que en “Lost Girls” encuentra un cuento moderno que no sólo se queda añorando años mejores, sino que en avanza hacia una nueva era.


Artista: Bat For Lashes

Disco: Lost Girls

Duración: 38:23

Año: 2019

Sello: AWAL


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Wilco – “Cruel Country”

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Cruel Country

Roberto Bolaño decía que la patria podían ser sus hijos, sus libros, e incluso simplemente se podía no tener patria porque el oficio de escritor se ejerce desde donde se esté. Así, la interrogante sobre el manoseado término y definición de patria se abre a múltiples interpretaciones. Es emocional, es abstracto. ¿Cuál es la patria que imagina un músico? ¿En qué país pilla actualmente a este sexteto con más de 20 años de carrera? Eso es más o menos lo que pretende Wilco en su 12° larga duración, “Cruel Country”, un disco doble en el que 21 tracks dan señales de un trabajo íntimo, personal, de cuidada producción y una fuerte carga emocional.

Y es que desde la premisa de revisitar sus raíces sonoras y hacer gala de su estampa de banda country alternativa, la banda reflexiona sobre su propia idea de patria, algo que va más allá del país en el que están parados y abordan el género desde una raíz identitaria, con referencias sonoras de sus principales influencias y, también, con un trabajo lírico que es uno de los mejores de Jeff Tweedy. “Cruel Country” se pasea entre argumentos personales (“I Am My Mother”) y más abstractos y abiertos (“Cruel Country”) para introducir el viaje de disco doble que proponen, y que se grabó en directo y a banda completa en The Loft, su cuartel-estudio de Chicago, formato que no utilizaban hace años y que los reencontró en un contexto más relajado, acercándolos como agrupación.

“Cruel Country” hace ver opaco al que era hasta ahora el último disco de la banda, “Ode To Joy” (2019), de corte similar en cuanto al uso de guitarras acústicas y una personalidad musical muy centrada en la figura de Tweedy como principal compositor, ejecutor y letrista. Hoy, la banda se sentó junto a una fogata y trabajaron más unidos que nunca en lo que avanza con cada escucha a ser uno de sus mejores trabajos del último tiempo. El disco está plagado de detalles que son su marca registrada, pero que aquí adquieren otro significado, como el uso de steel guitar, slides y acordes clásicos del country, como en “Hints” o “Ambulance”. Esos argumentos se sienten más sólidos y se complementan por primera vez desde sus últimos discos de manera fluida con las baterías, todo tipo de percusiones y cambios de ritmo de Glenn Kotche (“Tonight’s The Day”) y los arreglos de Pat Sansone. Wilco funciona como un equipo y como banda en el estudio, y así logran plasmar todo tipo de sentimientos, que pasan por la alegría, la reflexión y la oscuridad en tan solo las primeras cinco canciones del registro. Los puntos altos son varios, sin embargo, uno de los primeros quiebres está a cargo de la espesa “The Empty Condor”.

El trabajo de Tweedy en las letras siempre ha sido clave para la identidad de la banda, pero últimamente ha adquirido mayor relevancia, quizás por un cambio en la manera de ver el mundo de un hombre de 54 años, sobrio hace 26, con más de 20 discos entre todas sus bandas, 1 amigo y ex miembro muerto, y 2 libros editados. Una vida que empezó a mirar en perspectiva justamente desde la escritura. Hoy, el motor de su lírica es más personal, y sigue siendo importante y exclusiva en su espacio seguro llamado Wilco. Otro de los quiebres está a cargo de la canción más extensa del álbum, “Many Worlds”, de emotiva poesía y casi ocho minutos de desarrollo, dibujando un paisaje donde por primera vez un piano es protagonista, dando paso a una segunda parte instrumental full banda.

En otro rincón, las canciones más íntimas o personales están siempre acompañadas de una correcta ejecución acústica (“Darkness Is Cheap”), de simples acordes y un trabajo en producción envidiable para la extensa colección de guitarras que posee Tweedy, ya sean sus viejas de los años 30, las clásicas Gibson, de 12 cuerdas, nylon o de puentes de caucho, que dan un toque muteado a las cuerdas, como en “Sad Kind Of Way”. De allí en más, el álbum se centra en breves composiciones que van dejando pequeños trazos entre el desfile de arreglos a cargo del virtuoso Nels Cline, que se cuelan entre cada rincón de las canciones. Con la ausencia casi total de la guitarra eléctrica en la primera línea, el formato que da nombre al country se hace presente en cada track.

“Cruel Country” es un disco sólido, uno de los mejores que ha entregado la banda en este formato desde su primera aventura doble con “Being There” (1996), sin contar sus otras exploraciones sonoras desde “Sky Blue Sky” (2007), o el peculiar “Schmilco” (2016). Wilco se miró al espejo y se reencontró consigo mismo, y ya empieza a preparar y comprender lo que es dejar un legado.


Cruel CountryArtista: Wilco

Disco: Cruel Country

Duración: 77:04

Año: 2022

Sello: dBpm Records


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