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Gold & Grey Gold & Grey

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Baroness – “Gold & Grey”

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Durante la segunda mitad de la década pasada, Baroness sonaba como una de las agrupaciones responsables de llevar el relevo de la popularidad en el mundo del metal, cuestión que en cierta medida se cumplió. El proyecto liderado por John Dyer Baizley, que en sus inicios mezclaba elementos del sludge y el stoner metal con la técnica del rock progresivo, ha optado por una sonoridad más radial en sus últimas entregas, lo que les ha valido ganar una positiva reputación ante los críticos. Es desde ese sitial que hoy nos vuelven a estremecer con “Gold & Grey”, quinto larga duración que consolida la serie cromática tras el aclamado “Purple” (2015), y que además trajo a los norteamericanos por primera vez a Chile pocos días después de su lanzamiento.

Los primeros tracks del LP, “Front Toward Enemy”, “I’m Already Gone” y “Seasons”, son una muestra clara de la mutación sonora antes mencionada, que a estas alturas ya es una norma. De la misma forma se aprecia cómo Baizley ha sabido optar por grandes instrumentistas para dar vida a una propuesta interpretativa compleja. El último de los temas mencionados es quizás la primera gran evidencia de la armónica comunión entre el metal y una lógica sonora de masas. Evidencia de ello, son los pasajes donde blast beats guían melódicos arreglos vocales. Junto con esto, otro elemento característico de “Gold & Grey” es la constante intromisión de piezas instrumentales que actúan como conectores de sus canciones, siendo “Sevens” la primera de ellas, dando paso a “Tourniquet”, un tema de introducción acústica que evoluciona hacia un verdadero himno de estadio.

“Anchor’s Lament” es una pieza de piano y cuerdas que introduce “Throw Me An Anchor”, momento para agradecer la incorporación a la banda de la guitarrista Gina Gleason, cuya amplia trayectoria como músico de sesión encuentra en Baroness el sitial perfecto para explotar toda su destreza en las seis cuerdas. En contraposición aparece “I’d Do Anything”, una balada cuya atmósfera oscura envuelve progresivamente, para luego decantar en “Blankets Of Ash” y la también sombría “Emmett – Radiating Light”. Remata este tridente “Cold-Blooded Angels”, un tema que comienza siguiendo la línea de sus antecesoras, pero que evoluciona al sonido intenso al cual nos ha acostumbrado la agrupación.

Rodeada por los tracks “Crooked Mile” y “Can Oscura” –el instrumental más robusto de todo el álbum–, “Broken Halo” nos rememora los primeros años de la banda, con un sonido un tanto más aguerrido, como si el LP intentase retomar fuerza luego del intermedio calmo. Llegando al cierre, nos encontramos con “Borderlines”, uno de los mejores momentos de “Gold & Grey”, cuyos interesantes pasajes melódicos y rítmicos nos arrastran hacia el psicodélico cierre que se conecta con “Assault On East Falls”, que, a su vez, da el impulso para el tiro de gracia de “Pale Sun” y su lisérgica propuesta con tintes de dub.

Tras poco más de una hora, queda la sensación de que este nuevo álbum es quizás demasiado largo, siendo grandes culpables de esto el exceso de tracks instrumentales/atmosféricos entre una canción y otra, los que incluso parecen puestos forzosamente en su lugar. Pese a este detalle, Baizley y los suyos ratifican el camino tomado a partir de “Yellow & Green” (2012), con un sonido cuyos decibeles resulta moderado en comparación con lo realizado en los primero dos álbumes, pero con un abanico de texturas mucho más amplio, que mantienen cautivado a la audiencia y conservan a Baroness como una de las bandas a seguir con atención dentro de la escena contemporánea del metal alternativo.


Artista: BaronessGold & Grey

Disco: Gold & Grey

Duración: 60:29

Año: 2019

Sello: Abraxan Hymns


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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