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Avenged Sevenfold – “The Stage”

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Puede sonar cliché, pero es cierto: las caídas permiten aprender. Cuando existe un infortunio, el padecimiento que provoca puede ser superfluo si uno no alecciona algo de aquella experiencia. En ese sentido, la desventura siempre es bidireccional y depende de cada quien transformarla en una lección o no sacar nada en limpio. Avenged Sevenfold lo aprendió. Luego del desgraciado disco “Hail To The King” (2013) –derechamente uno de los peores discos de lo que va de década; vil tributo y copia de grandes próceres del rock– sorprenden de improviso con su nueva placa, “The Stage”, la que es excelsa en originalidad y experimentación bien entendida.

avenged-sevenfold-01Y es que, si bien superar el anterior álbum no era una tarea que requería mucho esfuerzo, esta versión 2016 de los californianos erige este LP como uno de los más sólidos trabajos a lo largo de su extensa carrera. “The Stage” es la antítesis de su predecesor: ahí donde “Hail To The King” decepcionaba por su plagio a Metallica o Guns N’ Roses, “The Stage” sorprende con ritmos nuevos, arreglos impensados y precisos; ahí donde el anterior es forzado a la grandeza, este la encuentra en la simpleza y tranquilidad. Es reconfortante comprobar que aquellos lúgubres parajes del disco antecesor, en donde campea la afectación por querer ser “como una gran banda de rock”, han sido dejados atrás. Las cadenas han sido rotas para que Matt Shadows y compañía se desprendan de las formas ideales y hagan lo que se les da la gana en un contexto de total compromiso con lo que entienden que es el rock: un constante ejercicio de creatividad colectiva. No por nada muchas de las canciones nacieron en la sala de ensayo, en el casual jamming que recoge la savia misma que está detrás del esfuerzo creativo. Canciones como la imponente “The Stage” o la entretenida “God Damn” son ilustres exponentes del hecho de que más que tratar de tributar a una idea preconcebida y ajena, el rock se debe hacer como fórmula de emancipación.

A lo largo de los 73 minutos y fracción que dura el álbum, ejemplos de esa independencia hay por montones: la psicodelia algo alejada de la música en sus discos anteriores entra de lleno en “Higher”, un tema extraño para ellos, pero bien forjado, con un Shadows que no teme mostrar las fisuras de su voz al no llegar con el tono requerido en el verso, aportando frescura en un mundo del metal donde la sincronización computacional y los arreglos digitales campean para lograr la música plástica que tantos consumen. “Roman Sky” si bien no es tan experimental como la señalada anteriormente, es calma y sin grandes pretensiones, con cuerdas limpias y arreglos de violín que completan el sosiego de manera perfecta. Por otra parte, “Exist” es otra prueba de que los músicos se encuentran libertos, jugando con las secuencias de partes sin aditivos y con un Synyster Gates inspirado en todo momento, elementos que hacen que los 15 minutos que dura la canción no sean extenuantes.

avenged-sevenfold-02Un punto de inflexión de “The Stage” lo constituye el eximio trabajo de Brooks Wackermann. El ex Bad Religion influye de manera decisiva para que la música que transmite el álbum sea de una manufactura superior. A modo de ejemplo, hay que notar cómo el baterista controla en todo momento la intensidad en “Fermi Paradox”, constituyéndose como un director de orquesta que va encauzando a los intérpretes hacia una parsimonia abrumadora, haciendo única esta creación que pudo caer en el facilismo de confundir ímpetu con rapidez. Esta tiene mucho de lo primero, pero a un ritmo lento, pausado, dando cabida a otros elementos como el bajo de Johnny Christ, que no se disfrutan de sopetón, sino que de a poco.

En ese orden, “The Stage” es una interesante propuesta de Avenged Sevenfold, pues, contrariamente a lo que ocurre en esta época en donde casi todo es plástico y desechable, acá existen arreglos que no se perciben a la primera. “Sunny Disposition” (quizá el punto más alto del disco) tiene un sinfín de elementos que el oyente va descubriendo a medida que lo digiere: desde la fuerza hasta la sutileza de los vientos que ya no le dan ese toque circense de antaño, sino un aura más decadente que recuerda algunas murgas latinoamericanas. Y así podemos decir con satisfacción que Avenged Sevenfold supo que para ser grandes no hay que tratar de imitar a los maestros como en su disco anterior, sino que, como dijo Nietzsche, hay que serles lo más infiel posible, pues no hay otra forma de llegar a ser también maestros.

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Jack White – “Entering Heaven Alive”

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Entering Heaven Alive

Como si el estreno de “Fear Of The Dawn” no fuera suficiente, Jack White hizo lo impensable al publicar dos trabajos solistas en un mismo año, los que, pese a claras diferencias en lo sonoro, presentan una línea que los une como dos obras hermanas, o bien, como un solo gran disco, dependiendo desde el punto de vista que se le escuche. “Entering Heaven Alive” es el nombre de la segunda placa que presenta el hombre a cargo de múltiples proyectos, como The White Stripes, The Raconteurs o The Dead Weather, entregando una versión suya mucho más calmada y reflexiva que la alocada sonoridad que reina en su trabajo anterior, dándole un especial protagonismo a la guitarra acústica sobre una base rítmica que bailotea entre el teclado y la batería, elementos esenciales cada vez que el autor de “Seven Nation Army” ha querido estructurar canciones más robustas, musicalmente hablando.

Las diferencias no se hacen esperar apenas inicia la primera canción del disco, donde se evidencia una orientación mucho más calma en comparación a la ruidosa experimentación de su álbum hermano. “A Tip From You To Me” es el track responsable de ejecutar esa primera impresión, con un White que se escucha mucho más cercano a The White Stripes que en sus últimas aventuras solistas. A pesar de que la amplia instrumentación siempre ha sido ley en el trabajo del guitarrista, es en el tipo de canciones como esta –o las siguientes “All Along The Way” y “Help Me Along”– donde se aprecia mejor la capacidad que tiene de verter elementos acústicos al son de un teclado y batería para generar canciones cálidas, cercanas y con una introspección necesaria entre los furiosos guitarrazos que predominan en su música.

Esos elementos en esta aventura quedan fuera, de ahí su naturaleza de disco hermano con “Fear Of The Dawn” y un lado mucho más salvaje del guitarrista, optando por momentos mucho más convencionales en lo que conlleva al uso del instrumento de seis cuerdas, siempre con una intimidad directa desde el alma y voz de White, quien logra dar finalmente con ese ansiado disco de corte acústico que había entregado en cierta forma con el recopilatorio “Acoustic Recordings 1998–2016” (2016), donde echó mano a algunas composiciones de The White Stripes y The Raconteurs, junto con parte de su catálogo solista. Es así como una canción del tipo “Love Is Selfish” perfectamente puede ser parte de “Icky Thump” (2007) o incluso “Elephant” (2003), para acompañarse posteriormente de experimentos como “I’ve Got You Surrounded (With My Love)” y la primera presencia de guitarras eléctricas, o “Queen Of The Bees” y su juguetona base concentrada en distintos modelos de teclados y sintetizadores.

Hacia la segunda mitad de “Entering Heaven Alive”, White ejecuta claramente una postura más cómoda y jugando a la segura, donde se pueden escuchar algunas de las canciones más impregnadas de su fórmula en todo su catálogo, tales como “A Tree On Fire From Within”, “If I Die Tomorrow” o “Please God, Don’t Tell Anyone”, paseándose por un sinfín de estructuras melódicas sacadas de prácticamente cada etapa de The White Stripes en lo que respecta a su sonido. Si hay algo que más caracteriza a este disco como la segunda parte de una obra más grande, es lo presentado hacia el final, donde, luego de “A Madman From Manhattan”, Jack decide cerrar con “Taking Me Back (Gently)”, versión en clave country de la canción que abre el álbum “Fear Of The Dawn” y que le entrega un cierre completo a todas las variantes de experimentación y uso de fórmulas ya probadas que utilizó el artista durante estos dos larga duración. ¿Por qué esto último? Porque el artista cierra inteligentemente con el mismo sonido de la guitarra que abre “Taking Me Back”, haciendo que estas 11 canciones formen un bucle junto con las 12 del LP anterior.

Es difícil hacer un análisis de un disco que tenga su antecesor con tan poco tiempo de diferencia, pero se entiende cuando la propuesta que White ofrece no es algo tan diferente, sino más bien un complemento. El único “pero” que está quedando todavía pendiente en la música del hombre detrás de Third Man Records es de ver cómo sonaría con un productor externo, que sepa explotar sus cualidades o lo guíe en la exploración de terrenos diferentes, más allá de seguir transitando los mismos caminos, pero con distintos métodos de transporte. Tanto este disco como el anterior fueron fruto de un prolifero período creativo durante la pandemia, donde se nota que Jack mantuvo sus esfuerzos en desarrollar y afinar su propuesta, ejecutando fórmulas un poco más accesibles y sacando del nicho a su carrera solista para situarla en un terreno más parecido a lo que hacía con su proyecto principal. Dejando todo esto sobre la mesa, donde más se nota la evolución de White como artista es en el sentido de comprender y estar consciente de sus capacidades y el sello que imprime en sus composiciones, permitiendo que la ejecución de estos factores consiga un claro beneficio más que un intento de autoplagio.


Entering Heaven AliveArtista: Jack White

Disco: Entering Heaven Alive

Duración: 40:06

Año: 2022

Sello: Third Man Records


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