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Avenged Sevenfold – “The Stage”

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Puede sonar cliché, pero es cierto: las caídas permiten aprender. Cuando existe un infortunio, el padecimiento que provoca puede ser superfluo si uno no alecciona algo de aquella experiencia. En ese sentido, la desventura siempre es bidireccional y depende de cada quien transformarla en una lección o no sacar nada en limpio. Avenged Sevenfold lo aprendió. Luego del desgraciado disco “Hail To The King” (2013) –derechamente uno de los peores discos de lo que va de década; vil tributo y copia de grandes próceres del rock– sorprenden de improviso con su nueva placa, “The Stage”, la que es excelsa en originalidad y experimentación bien entendida.

avenged-sevenfold-01Y es que, si bien superar el anterior álbum no era una tarea que requería mucho esfuerzo, esta versión 2016 de los californianos erige este LP como uno de los más sólidos trabajos a lo largo de su extensa carrera. “The Stage” es la antítesis de su predecesor: ahí donde “Hail To The King” decepcionaba por su plagio a Metallica o Guns N’ Roses, “The Stage” sorprende con ritmos nuevos, arreglos impensados y precisos; ahí donde el anterior es forzado a la grandeza, este la encuentra en la simpleza y tranquilidad. Es reconfortante comprobar que aquellos lúgubres parajes del disco antecesor, en donde campea la afectación por querer ser “como una gran banda de rock”, han sido dejados atrás. Las cadenas han sido rotas para que Matt Shadows y compañía se desprendan de las formas ideales y hagan lo que se les da la gana en un contexto de total compromiso con lo que entienden que es el rock: un constante ejercicio de creatividad colectiva. No por nada muchas de las canciones nacieron en la sala de ensayo, en el casual jamming que recoge la savia misma que está detrás del esfuerzo creativo. Canciones como la imponente “The Stage” o la entretenida “God Damn” son ilustres exponentes del hecho de que más que tratar de tributar a una idea preconcebida y ajena, el rock se debe hacer como fórmula de emancipación.

A lo largo de los 73 minutos y fracción que dura el álbum, ejemplos de esa independencia hay por montones: la psicodelia algo alejada de la música en sus discos anteriores entra de lleno en “Higher”, un tema extraño para ellos, pero bien forjado, con un Shadows que no teme mostrar las fisuras de su voz al no llegar con el tono requerido en el verso, aportando frescura en un mundo del metal donde la sincronización computacional y los arreglos digitales campean para lograr la música plástica que tantos consumen. “Roman Sky” si bien no es tan experimental como la señalada anteriormente, es calma y sin grandes pretensiones, con cuerdas limpias y arreglos de violín que completan el sosiego de manera perfecta. Por otra parte, “Exist” es otra prueba de que los músicos se encuentran libertos, jugando con las secuencias de partes sin aditivos y con un Synyster Gates inspirado en todo momento, elementos que hacen que los 15 minutos que dura la canción no sean extenuantes.

avenged-sevenfold-02Un punto de inflexión de “The Stage” lo constituye el eximio trabajo de Brooks Wackermann. El ex Bad Religion influye de manera decisiva para que la música que transmite el álbum sea de una manufactura superior. A modo de ejemplo, hay que notar cómo el baterista controla en todo momento la intensidad en “Fermi Paradox”, constituyéndose como un director de orquesta que va encauzando a los intérpretes hacia una parsimonia abrumadora, haciendo única esta creación que pudo caer en el facilismo de confundir ímpetu con rapidez. Esta tiene mucho de lo primero, pero a un ritmo lento, pausado, dando cabida a otros elementos como el bajo de Johnny Christ, que no se disfrutan de sopetón, sino que de a poco.

En ese orden, “The Stage” es una interesante propuesta de Avenged Sevenfold, pues, contrariamente a lo que ocurre en esta época en donde casi todo es plástico y desechable, acá existen arreglos que no se perciben a la primera. “Sunny Disposition” (quizá el punto más alto del disco) tiene un sinfín de elementos que el oyente va descubriendo a medida que lo digiere: desde la fuerza hasta la sutileza de los vientos que ya no le dan ese toque circense de antaño, sino un aura más decadente que recuerda algunas murgas latinoamericanas. Y así podemos decir con satisfacción que Avenged Sevenfold supo que para ser grandes no hay que tratar de imitar a los maestros como en su disco anterior, sino que, como dijo Nietzsche, hay que serles lo más infiel posible, pues no hay otra forma de llegar a ser también maestros.

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Hinds – “The Prettiest Curse”

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The Prettiest Curse

Llevar las influencias musicales en la manga puede resultar en molestas comparaciones. En el caso de Hinds, la sombra de bandas como The Strokes se ha vuelto en una constante, pero en su último disco, “The Prettiest Curse”, el cuarteto español amplía sus sonidos y mira hacia una audiencia más amplia, con un material distintivo que celebra el trabajo y carisma de la agrupación. Con producción de Jenn Decilveo (Beth Ditto, Bat For Lashes), la banda deja de lado su clásico sonido garage pop por una paleta más expansiva y colorida. Esto se percibe rápidamente en la apertura “Good Bad Times”, un explosivo giro al power pop con relucientes guitarras y percusión, liderada por el juego vocal entre Carlotta Cosials y Ana Perrote.

Sus personalidades relucen en “Just Like Kids (Miau)”, una crítica a los sexismos y prejuicios que han enfrentado en la industria: “¿Puedo decirte algo sobre tu banda? Estoy seguro de que te encantaría escuchar mi consejo. El sarcástico corte es acompañado de un instrumental dulzón que enaltece la actitud pasivo-agresiva de la composición, en un giro que apela a una mayor audiencia, pero que se presenta como un paso natural más que una necesidad de satisfacer al mainstream. Otra agradable sorpresa son las primeras letras en español de la banda, presentando un arriesgado spanglish que puede resultar molesto para unos y disfrutable para otros. Este juego cultural se materializa musicalmente en la cautivante “Come Back And Love Me <3”, un romántico homenaje a sus raíces, girando hacia bossa nova en la disonancia más grande del “The Prettiest Curse”, pero que se gana un espacio gracias a la constancia en sus vocales. El uso de su lenguaje nativo es una herramienta más que bienvenida, haciendo que su sonido sea más distintivo.

Los elementos del garage no son olvidados por completo, y canciones como “Burn” son ejemplos fieles a su sonido original, donde las chicas se unen en un rugiente estribillo que culmina en un outro a cargo del guitarreo electrónico clásico. Sin embargo, sus estructuras son mucho más pulidas que antes y la técnica en estas logra destacar, como en “Take Me Back”, un tema clásico del repertorio de la agrupación, pero con una evolución que deja brillar cada elemento, con un solo que funciona como el golpe emocional del disco en una nostálgica y atrapante melodía.

Si bien este es un disco de cambios, el elemento principal sigue siendo las voces de de Cosials y Perrote. Mucho de “The Prettiest Curse” es liderado por la personalidad que sale de sus vocales, logrando cambiar el tono en que cada canción es percibida, desde la irónica “Just Like Kids”, la sensual “Come Back And Love Me”, o “Riding Solo”, que presenta un pegajoso coro creado para estadios, en uno de los sonidos más expansivos del álbum. Y es que gran parte del trabajo presenta himnos dignos de cantar en vivo, donde “Boy” es el matrimonio perfecto de los elementos pop y rock del disco, así como también del inglés y español, con un dulce estribillo sepultado en fuertes guitarras.

La batalla más grande que enfrenta el disco es precisamente la magnitud sonora que tiene como objetivo. Al optar por melodías más cercanas al pop, muchos de estos elementos son barridos por las fuertes guitarras propias del garage. Este choque melódico amenaza con opacar la mejor carta de la agrupación: el peculiar, pero inescapable estilo vocal que narra las composiciones. Por esto, la pieza final, “This Moment Forever”, es un apreciado momento donde el instrumental descansa para darle protagonismo a la potencia de sus voces, despidiéndose con el momento más intimo del disco, pero no menos cautivante.

La idea de que los giros hacia el pop reflejan una reducción del sonido original se ha convertido en una narrativa obsoleta, en especial en el caso de Hinds, quienes logran usar estos elementos para construir su propia identidad. Este cambio puede asustar a los fans más puritanos, pero el espíritu de sus primeros discos está presente en “The Prettiest Curse”, si es que no más amplificado. Las guitarras son más brillosas y los vocales presentan más confianza, sin embargo, el encanto original no ha disminuido ni un poco.


Artista: Hinds

Disco: The Prettiest Curse

Duración: 32:45

Año: 2020

Sello: Lucky Number / Mom + Pop Music


https://open.spotify.com/album/5EAxNmYYdSAswaDuqPTiYN

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