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At The Drive-In – “in•ter a•li•a”

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Para muchos, At The Drive-In no era más que una banda de culto hasta hace unos meses. Emblemas del emo hardcore y dueños de un disco clásico en el género como “Relationship Of Command” (2000), los estadounidenses oriundos de El Paso –ciudad que limita en la frontera con la famosa Ciudad Juárez– sorprendieron el año recién pasado cuando anunciaron su tan ansiada reunión. Así, tras 17 años, hoy vuelven a la carga con lo que es su cuarto larga duración, en tiempos donde la etiqueta hardcore –más que manoseada– no trasciende más allá de gritos y distorsión carentes de emociones, y discursos consistentes que penetren más allá de nuestros tímpanos.

El retorno de los texanos comienza con “No Wolf Like The Present”, dejando inmediatamente en claro que la banda no pierde la esencia noventera pese al paso de tiempo, con un estilo veloz y de sofisticada producción. Introducido por sonidos cibernéticos al igual que la anterior, “Continuum” es una mezcla entre discursos profundos y viscerales alaridos en la gastada pero inmortal voz de Cedric Bixler-Zavala. Con pasajes que suben y bajan en intensidad, hacen que tempranamente nos encontremos con uno de los mejores cortes del LP. Por su parte, “Tilting At The Univendor” posee un sonido más juvenil, cuya energía queda impregnada en nuestros oídos gracias al potente trabajo de Tony Hajjar en la batería y la siempre excelente elaboración de coros que es característica de la banda.

“Governed By Contagions” nos remonta tiempo atrás, no sólo por ser el primer adelanto del disco, sino porque es el gancho perfecto para enlazarlo con la discografía clásica del grupo, clave para entender al post hardcore que evolucionaría –para bien o para mal– en el denominado sonido emo del género. En la misma línea es sucedido por “Pendulum In A Peasant Dress”, en donde es clave la rítmica puesta por el bajista Paul Hinojos frente a la carencia de guitarras rítmicas convencionales, lo que es otro elemento clásico bien rescatado por la banda. Todo sigue coherente con la llegada de “Incurably Innocent”, cuyas frases expelen ira en cada sílaba, la cual se potencia exponencialmente por la guitarra de Omar Rodríguez-López, hallándonos así con otro de los puntos altos del LP. Frente a tales demostración de energía, “Call Broken Arrow” parece ser un baja significativa en el nivel del disco, pues se presenta como un tema de sonido confuso, cuyo coro no logra explotar como corresponde. Sin embargo, los pasajes instrumentales de la segunda mitad del track se llevan el visto bueno con creces.

Las guitarras moduladas se apoderan de la sonoridad en “Holtzclaw”, retomando así la potencia en esta cuarta entrega de larga duración de la agrupación. Este es un tema acelerado, cuya letra interpela a la iglesia por sus responsabilidades en los problemas que se viven en el mundo contemporáneo, exaltando el matiz político de la banda. Siempre en un leguaje más bien críptico, al igual que sus antecesoras, “Torrentially Cutshaw” es entonado con ferocidad digna de la más vivaz protesta. Posteriormente, el quinteto nos recuerda que no son sólo gritos y distorsión con “Ghost-Tape No.9”, tema que baja las revoluciones en lo que se manifiesta como la pieza más experimental de “in•ter a•li•a”, asemejándose así al sonido de otros proyectos de los integrantes de ATDI. El disco finaliza de la mejor forma posible con “Hostage Stamps”, cuyo video promocional nos muestra la resistencia de un afro-descendiente frente a una distópica realidad de robots y panópticos, pudiendo ser una clara alusión a los problemas de racismo que se están viviendo hoy en día en EE.UU.

Si se pide redondear el contenido de los once temas que componen el disco, se puede decir que hablamos de hardcore en tiempos donde lo virtual se apodera del todo, pues sonidos cibernéticos batallan contra melodías agresivas a lo largo de todo el material. Por otro lado, queda expuesto con creces que los centenares de proyectos musicales paralelos de Rodríguez-López y Bixler-Zavala no fueron obstáculo para la increíble capacidad creativa del dúo. Además, y como punto más importante aún, At The Drive-In no pierde la esencia de lo que era en sus años de gloria, recargando nuestros oídos de una furia que, aunque llena de nostalgia, es más indispensable que nunca en un mundo sacudido por lo peor de los hombres.

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Bruce Springsteen – “Letter To You”

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Letter To You

A través de su carrera, Bruce Springsteen ha musicalizado la juventud de múltiples generaciones. Los clásicos solos de saxo, su guitarra emblema de la americana y su expresiva voz han sido las imágenes de décadas idealizadas, sin embargo, con 71 años, su voz narra otro tipo de historias. En “Letter To You”, El Jefe realiza un nuevo viaje al pasado, pero esta vez para enfrentar aquellos fantasmas que le recuerdan su propia mortalidad. “One Minute You’re Here” es quizás la canción menos Springsteen para abrir un disco. No existe una enorme banda de acompañamiento que da paso a un instrumental ídem, capaz de llenar los más grandes estadios, sino que esta carta de entrada es sutil, delicada y madura. Quien ha animado a generaciones por décadas, finalmente reconoce su soledad; una leyenda que ha visto a sus pares caer uno a uno y que se sienta junto a su guitarra acústica en lo que parece un desértico confesionario: “Pensé que sabía quién era y qué hacía, pero estaba equivocado”, reconoce con valentía a su edad.

Sin embargo, la pieza anterior parece ser transicional, ya que “Letter To You” recibe con los brazos abiertos a The E Street Band, con quien no grababa desde 2014. Tras la vulnerable confesión, su legendaria banda de apoyo viene a darle un nuevo aire de energía a Springsteen en el verdadero inicio del disco. Casi como si intentara replicar cada elemento asociado a su figura, el músico mezcla aquellos sonidos tan propios de su persona. Las guitarras suenan fuertes y vigorosas, su voz ha cambiado con los años, pero sigue siendo la fuerza motivadora de la melodía, y su principal objetivo es demostrar la enorme conexión aun presente en esta banda: luego de años sin grabar juntos, el disco se completó en tan solo cinco días y, como amigos de toda la vida, el tiempo no ha hecho más que fortalecer su conexión. En 2020, esta es la forma en la que una banda de rock se luce ante las nuevas generaciones, siendo capaz de crear una crónica generacional en cosa de días.

“Burnin Train” es particularmente potente, un apasionado tema que bien pudo ser parte del Springsteen setentero y, en un álbum que cuestiona su mortalidad, cortes como estos dejan clara su vitalidad. Un par de estas canciones fueron escritas durante los 70, cuando el músico estaba en el peak de su representación de juventud, como “Janey Needs A Shooter”, escrita en 1972, que ahora toma un nuevo significado. Su atracción y pasión ya no viene de su vigorosidad, sino que de todo lo aprendido y vivido, de la madurez alcanzada. En canciones como “If I Was The Priest” y “Song For Orphans” es palpable su escritura juvenil, pero su voz logra dotar estas historias de nuevas experiencias. En la primera, luego de una vida alejado de la religión, el músico se reconcilia con su propia forma de ver la fe, algo que ha ido necesitando con el paso de los años.

“Last Man Standing” y “Ghosts” son las dos canciones que envuelven la nostalgia de “Letter To You”, escritas tras la muerte de George Theiss, último miembro sobreviviente de su primera banda, cargan con el peso emocional de la placa, con el músico enfrentando directamente a estos fantasmas, donde la culpa del tiempo perdido viene a pasarle la cuenta. Ahora, debe quedarse con la carga de ser el único en llevar estas memorias: “Soy el último hombre en pie, se recuerda con imágenes que nadie más puede compartir, pero, en vez de sucumbirse en tristeza, se asegura de transportar estos recuerdos y hacerlos perdurar. “Estoy vivo y estoy aquí por mi cuenta, estoy vivo y estoy regresando a casa”, canta con vigor en “Ghosts”, con un coro que le asegura la compañía de miles de seguidores. Un sonido tan clásico como el de su guitarra no debería sonar así de moderno, pero una vez más logra representar a su generación.

El corte final, “I’ll See You In My Dreams”, cierra el disco en un lugar similar a la tranquila apertura, sin embargo, ya no se siente la soledad. “Te veré en mis sueños, volveremos a vivir y reír”, relata esperanzado. “La muerte no es el final” es la lección aprendida y su guitarra está lejos de ser colgada. Ahora, su música no carga solo sus memorias, sino que todas las de los amigos caídos. “Letter To You” está lejos de innovar en el género, pero un músico como Springsteen tiene poco que probarle a nadie. Tras tantas pérdidas, la música conocida es el amigo que le queda, y la conexión que tiene con sus cuerdas son su verdadero legado.


Artista: Bruce Springsteen

Disco: Letter To You

Duración: 58:17

Año: 2020

Sello: Columbia


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