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At The Drive-In – “in•ter a•li•a”

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Para muchos, At The Drive-In no era más que una banda de culto hasta hace unos meses. Emblemas del emo hardcore y dueños de un disco clásico en el género como “Relationship Of Command” (2000), los estadounidenses oriundos de El Paso –ciudad que limita en la frontera con la famosa Ciudad Juárez– sorprendieron el año recién pasado cuando anunciaron su tan ansiada reunión. Así, tras 17 años, hoy vuelven a la carga con lo que es su cuarto larga duración, en tiempos donde la etiqueta hardcore –más que manoseada– no trasciende más allá de gritos y distorsión carentes de emociones, y discursos consistentes que penetren más allá de nuestros tímpanos.

El retorno de los texanos comienza con “No Wolf Like The Present”, dejando inmediatamente en claro que la banda no pierde la esencia noventera pese al paso de tiempo, con un estilo veloz y de sofisticada producción. Introducido por sonidos cibernéticos al igual que la anterior, “Continuum” es una mezcla entre discursos profundos y viscerales alaridos en la gastada pero inmortal voz de Cedric Bixler-Zavala. Con pasajes que suben y bajan en intensidad, hacen que tempranamente nos encontremos con uno de los mejores cortes del LP. Por su parte, “Tilting At The Univendor” posee un sonido más juvenil, cuya energía queda impregnada en nuestros oídos gracias al potente trabajo de Tony Hajjar en la batería y la siempre excelente elaboración de coros que es característica de la banda.

“Governed By Contagions” nos remonta tiempo atrás, no sólo por ser el primer adelanto del disco, sino porque es el gancho perfecto para enlazarlo con la discografía clásica del grupo, clave para entender al post hardcore que evolucionaría –para bien o para mal– en el denominado sonido emo del género. En la misma línea es sucedido por “Pendulum In A Peasant Dress”, en donde es clave la rítmica puesta por el bajista Paul Hinojos frente a la carencia de guitarras rítmicas convencionales, lo que es otro elemento clásico bien rescatado por la banda. Todo sigue coherente con la llegada de “Incurably Innocent”, cuyas frases expelen ira en cada sílaba, la cual se potencia exponencialmente por la guitarra de Omar Rodríguez-López, hallándonos así con otro de los puntos altos del LP. Frente a tales demostración de energía, “Call Broken Arrow” parece ser un baja significativa en el nivel del disco, pues se presenta como un tema de sonido confuso, cuyo coro no logra explotar como corresponde. Sin embargo, los pasajes instrumentales de la segunda mitad del track se llevan el visto bueno con creces.

Las guitarras moduladas se apoderan de la sonoridad en “Holtzclaw”, retomando así la potencia en esta cuarta entrega de larga duración de la agrupación. Este es un tema acelerado, cuya letra interpela a la iglesia por sus responsabilidades en los problemas que se viven en el mundo contemporáneo, exaltando el matiz político de la banda. Siempre en un leguaje más bien críptico, al igual que sus antecesoras, “Torrentially Cutshaw” es entonado con ferocidad digna de la más vivaz protesta. Posteriormente, el quinteto nos recuerda que no son sólo gritos y distorsión con “Ghost-Tape No.9”, tema que baja las revoluciones en lo que se manifiesta como la pieza más experimental de “in•ter a•li•a”, asemejándose así al sonido de otros proyectos de los integrantes de ATDI. El disco finaliza de la mejor forma posible con “Hostage Stamps”, cuyo video promocional nos muestra la resistencia de un afro-descendiente frente a una distópica realidad de robots y panópticos, pudiendo ser una clara alusión a los problemas de racismo que se están viviendo hoy en día en EE.UU.

Si se pide redondear el contenido de los once temas que componen el disco, se puede decir que hablamos de hardcore en tiempos donde lo virtual se apodera del todo, pues sonidos cibernéticos batallan contra melodías agresivas a lo largo de todo el material. Por otro lado, queda expuesto con creces que los centenares de proyectos musicales paralelos de Rodríguez-López y Bixler-Zavala no fueron obstáculo para la increíble capacidad creativa del dúo. Además, y como punto más importante aún, At The Drive-In no pierde la esencia de lo que era en sus años de gloria, recargando nuestros oídos de una furia que, aunque llena de nostalgia, es más indispensable que nunca en un mundo sacudido por lo peor de los hombres.

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Alain Johannes – “Hum”

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Hum

La carrera de Alain Johannes habla por sí sola. Como “hombre en las sombras” ha sido el responsable de un sonido único, presente en diversos proyectos icónicos y también legendarios a esta altura. Sin embargo, su presencia fuera de ese cascarón es más rica, atractiva e intensa, debido a su gran capacidad para construir melodías y sentimientos que comunica con fuerza a través de la pequeña cigarbox guitar que lo ha acompañado con identidad y como estampa.

Ahora da vida a “Hum”, su tercer disco como solista y uno de sus trabajos más íntimos. Inspirado en la muerte y la pérdida de sus seres queridos, Johannes se sobrepone al dolor refugiado en la reflexión y en un escape casi catártico. La sombría introducción de “Mermaid’s Scream” es vital para ello y afirma que el trabajo lírico se moverá directo en esa línea, permitiendo tenues espacios para la interpretación.

Es aquella experiencia la que nutre de referencias todo el álbum; un claroscuro que habla mucho del autor y su interior. Johannes se abre con facilidad y deja entrar la luz entre las capas de “If Morning Comes”, o bien se sumerge en un sonido profundo y oscuro con “Sealed”. Es posible sentir y compartir la energía que transmite este disco, grabado en apenas doce días. Desde el encierro, la terapia liberadora de la música queda como manifiesto en lo que el narrador pretende: “Aquí, en el silencio / Aquí viviremos otro día, se oye entre las capas de “Here In The Silence”.

Como ha sido la tónica desde “Spark” (2010), Alain toma las cuerdas con especial atención y dedicación. A esta altura, un músico que se relacionó de cerca con importantes figuras del rock, deja de lado los cables y el volumen para enfocarse en la sencillez de los arreglos acústicos y explorar todo tipo de instrumentos de cuerda. En “Hum” abundan los matices y las texturas gracias al abanico que incluye guitarras resonadoras, de 12 cuerdas, e incluso instrumentos no convencionales.

La imponente presencia de lo acústico hace que “Hum” transite en una línea más allá del folk o del rock. La facilidad con la que alcanza los arpegios en tracks como “Someone” o “Free”, incluyendo cada uno de los detalles de la cautivadora interpretación de Johannes a cargo de esas cuerdas, se hace cada vez más interesante hasta el quiebre en el penúltimo track, “Nine”, donde aquello se funde con bases electrónicas, dando paso a una experimentación que bien le sienta al álbum en aquel momento de su desarrollo, sin carencias ni una sobrecarga de detalles para seguir dejando a la placa como un ejercicio desnudo y directo.

¿Dónde se encuentran las claves de “Hum”? Más allá de atreverse y tomar ese riesgo, el álbum apuesta con seguridad a acompañar y complementar un imaginario junto a lo melódico. El pasado, y cómo conecta la música hacia diferentes experiencias, pareciera dar en el punto de este renacer cálido, íntimo y personal de Alain Johannes; un zumbido que necesita del silencio del confinamiento para resonar aún con más fuerza.


Artista: Alain Johannes

Disco: Hum

Duración: 2020

Año: 34:47

Sello: Ipecac Recordings


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