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The Car The Car

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Arctic Monkeys – “The Car”

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El lanzamiento de su séptimo disco no era un paso más en la carrera de Arctic Monkeys. Tras un “Tranquility Base Hotel & Casino” (2018) que llevó el universo sonoro de la agrupación a nuevas direcciones, pero que de paso no pudo replicar la aprobación masiva de sus anteriores trabajos, “The Car” parecía ser un ultimátum definitivo para ver si Alex Turner y compañía lograban volver a impactar artísticamente a un mundo que aún los refleja en aquel explosivo y lejano “AM” (2013). Una prueba de fuego que fue superada. Pese a que musicalmente la apuesta melódica y refinada que hicieron debutar hace cuatro años sigue direccionando de varias formas el actual trabajo, el resultado en “The Car” es mucho más brillante y cohesionado. Atrás quedaron los hoteles interestelares y la sobreexposición de Turner como capitán de la nave; ahora todo congenia en una pieza donde brilla la orquestación, se recupera el trabajo colectivo y la esencia cinematográfica toma el control de la obra.

El inicio del disco inmediatamente marca esa trilogía de conceptos. “There’d Better Be A Mirrorball” no sólo es una apertura que mejora lo buscado en “Star Treatment” (tema que abre Tranquility Base Hotel & Casino) y una engañosa bienvenida de lo que mostrará el nuevo trabajo, sino que de paso se posiciona como una de las mejores canciones en la discografía de Arctic Monkeys. Pese a que la declaración puede tornarse anticipada, la verdad es que las letras difusas de Turner, el elegante sonido de salón sesentero, el preciso sintetizador que llena el fondo de la escena y las cuerdas que expanden la producción, parecen ser todo lo que el disco de 2018 no logró ser. Una revancha que demuestra que el giro musical era el correcto, pero que sólo necesitaba tiempo para ser perfeccionado.

Dentro de esa mejora en la propuesta, sin duda destaca el mayor apoyo de Turner en sus compañeros de banda. En las diez piezas que componen el disco, el sello de los demás músicos aparece de forma clara durante el desarrollo de las canciones, algo que en su antecesor estuvo lejos de percibirse. Mientras que “I Ain’t Quite Where I Think I Am” muestra la impronta rockera de una agrupación funk norteamericana, la oscura “Sculptures Of Anything Goes” le da un protagonismo desconocido hasta ahora a Jamie Cook, gracias a un sintetizador Moog y una caja de ritmos. Por otra parte, la explosión final de la beatlesca y sublime “Body Paint” trae de vuelta los riffs de guitarra olvidados en el último tramo creativo de Arctic Monkeys.

Eso sí, estas obras y cada una de las que componen el larga duración, se agrupan en una idea aún mayor que el retorno de una fórmula colaborativa. Y es que, si algo cohesiona “The Car” es la esencia cinematográfica del disco; un concepto que ya habían intentado posicionar con “Tranquility Base Hotel & Casino”, pero que aquí se refleja de manera mucho más natural y elegante. Gran parte de ese logro probablemente se lo deban al trabajo que realizó la arreglista del disco, Bridget Samuels, quien ha trabajo en películas como “Jackie” (2016), “Midsommar” (2018) y “The Green Knight” (2021).

“Mr Schwartz”, “The Car” o “Big Ideas” parecen escritas para un filme de desamor y cotidianidad, en donde el clímax no llega nunca, sino que lo que termina atrapando al espectador son los detalles y la emocionalidad de un fuego interno a medio apagar. De hecho, la pieza con la que termina el álbum, “Perfect Sense”, de inmediato da la impresión de ser la escena final de una proyección con final triste y despedida forzada. Turner diciendo “si eso es lo que se necesita para decir buenas noches, entonces eso es lo que se necesita”, mientras la orquesta de cuerdas desaparece de golpe para dar paso a unos ficticios créditos, es el cierre ideal para un viaje emotivo y que en todo momento mantiene los pies en la tierra.

Una apuesta que revalida el talento creativo de una banda que ha sabido cargar con la mochila de mantener con vida una generación que parecía destinada a marcar época, pero que, poco a poco, fue quedándose con menos actores relevantes sobre la mesa. En esa pequeña trinchera, Arctic Monkeys una vez más toma el liderato y se sacude las dudas. “The Car” vuelve a ponerlos en lo alto, haciendo justicia a una carrera de dos décadas en la primera plana de la escena británica.


The CarArtista: Arctic Monkeys

Disco: The Car

Duración: 37:18

Año: 2022

Sello: Domino Recording Company


Discos

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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