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For Those That Wish To Exist For Those That Wish To Exist

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Architects – “For Those That Wish To Exist”

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Tengo mucho que perder, pero no te mentiré”, es el inicio de la estrofa final del noveno disco de Architects, y es una frase que puede resumir bien el juego entre las expectativas y el trabajo detrás de una banda fundamental del crossover estilístico que muchas agrupaciones de metalcore han llevado en el último tiempo. Pasar de riffs pesados y voces entre el grito y la catarsis, hacia algo mucho más técnico y variado en los elementos a disposición, es un tránsito que bandas como Bring Me The Horizon también ha llevado –en su caso más al pop–, en cambio, Architects mantiene su pie firme en la épica de un rock más clásico, al que agregan otros elementos.

En medio de esos cambios, y de ese afán innovador, está claro que se puede perder mucho, e incluso puede derivar en malos entendidos, pero Architects no ha hecho más que permanecer verdadera consigo misma y con su abultada historia, llena de pérdidas, renacimientos y maduración. “For Those That Wish To Exist” (“Para Aquellos Que Desean Existir”) abandona a ratos los dolores internos e individuales para poner esa energía al servicio de lo colectivo. Las metáforas no operan como reflejo exclusivo del ser, sino también de dónde se vive, cómo se vive y dónde se vivirá. El cambio climático, sin ser explícito, se posa como bruma en verano sobre la luminosidad de un disco donde la energía contagia y hace conexiones con la audiencia.

“Impermanence”, “Black Lungs” o “Animals” mantienen el peso de los riffs como una necesidad para expresar poder, en tanto que “Dead Butterflies” o “Flight Without Feathers” se disponen desde un tono más de balada (sin serlo) para matizar las emociones. Es esa dualidad entre potencia y emoción la que sigue siendo el elemento identificatorio de Architects, junto a la precisión clínica de la inclusión de sonoridades diferentes. No se encuentra en este disco –o en los de la década pasada– inconsistencia o espacios sin intención, todo está para expresar algo, en este caso la dificultad del equilibrio entre el acto de tener esperanza, el apocalipsis inminente y los cuestionamientos que cada uno tiene sobre sí mismo y –esto es lo más nuevo– la sociedad en la que se vive y los afectos que se tienen.

Por ello, probablemente el cierre del disco pega tan fuerte. “Meteor” tiene una dinámica demoledora, que resquebraja las dinámicas actuales apelando al uso de combustible o a la cuarentena, o la incapacidad de ver más allá de falsos líderes y cómo ello ciega respecto a los peligros que realmente pueden significar el final. Es una invitación a tener los ojos abiertos, mientras que el último track, “Dying Is Absolutely Safe”, explica que el final es parte del camino con un cierre estremecedor: “Mi triste y distante amado, algún día moriré por ti / y nadaré en dulce serenidad porque la muerte no es mi enemiga”.

Otro simbolismo usado en varias canciones es el de las palomas y los cuervos, clásicos emblemas de la vida o la paz, y de la muerte o lo oscuro, respectivamente. La dualidad se vive en “For Those That Wish To Exist”, un disco cuyos acentos hacen más profundos sus énfasis, desde lo sonoro y desde los espíritus encarnados por el vocalista Sam Carter, que muestra su rango más que nunca. Este tipo de emoción es abundante y oculta un poco el vacío existencial que disputa terreno a lo largo de los 15 tracks, a veces muy vasto, pero que jamás se convierte en un agujero negro para un álbum cuyo legado es elevar la retórica de Architects y, además, hacerlo sin autoplagios o condescendencias, sino con verdadera sangre, fortaleza y vulnerabilidad.


Artista: Architects

Disco: For Those That Wish To Exist

Duración: 58:21

Año: 2021

Sello: Epitaph


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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