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Anthrax – For All Kings

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¿Cuántas veces una banda puede repetir la misma fórmula sin convertirse en una mala copia de sí misma? Sin duda hay algunas que logran mantenerse durante toda su carrera en una esquina sonora muy bien delimitada, sin embargo, esta posibilidad está reservada sólo para un puñado de conjuntos. El resto viven los procesos de cambio como un fenómeno natural de desarrollo e inquietud artística. En esta vereda es donde frecuentemente nos encontramos con caídas estrepitosas de artistas consolidados y afortunados aciertos de bandas que, sin perder sus raíces, agregan complejidad y variedad a su propuesta. En este segundo grupo de elegidos es donde los neoyorkinos de Anthrax intentan abrirse paso.

ANTHRAX 01A cinco años de “Worship Music”, el disco que marcó el retorno de Joey Belladonna, y luego de por lo menos dos años de elaboración, la banda regresa con su 11° álbum, en lo que configura el debut en el estudio para el Shadows Fall, Jonathan Donais. Para ilustrar el nuevo registro discográfico, los norteamericanos optaron una vez más por el trabajo de Alex Ross, dando vida a una portada de carácter épico, con los cinco integrantes del grupo representados como grandes estatuas de antiguos reyes.

El majestuoso primer minuto del álbum nos instala rápidamente en un espacio que apunta a la portada del disco, oyéndose al fondo el clamor de una multitud que es abruptamente interrumpido por “You Gotta Believe”, corte thrash tremendamente contagioso que destaca por su potente riff de guitarra y la excelente interpretación vocal de Joey Belladonna. “Monster At The End”, por su parte, no deja caer la energía, con un metal que si bien es fuertemente melódico, no pierde intensidad. Hacia el final del primer tercio del álbum, “Breathing Lightning” se anota por complejidad y desarrollo uno de los puntos altos del disco. Se trata de un tema bien logrado y de fácil escucha, que postula a ingresar directo entre los nuevos clásicos de la banda.

En lo que sigue, “Evil Twin” retoma un estilo más cercano al pasado de los neoyorkinos, destacando fundamentalmente por su letra dirigida contra los grupos fundamentalistas que, bajo la excusa de “defender la causa”, llenan de miedo y dolor cada lugar que pisan. Hacia la segunda mitad del larga duración, “Blood Eagle Wings” se anota otro momento destacado del álbum. Acá Scott Ian y sus muchachos se aventuran con éxito en un corte épico de espíritu francamente progresivo, que no cae ANTHRAX 02en intensidad y, a pesar de sus casi ocho minutos de duración, logra dejar un excelente sabor de boca. Para cerrar, y como quien busca congraciarse con aquellos amigos de infancia que quizás no estén del todo conformes con el tenor que han tomado las cosas, “Zero Tolerance” vuelve sobre una línea de speed metal clásica, en un corte que no da respiros y deja claro que la banda no tiene problemas para volver sobre sus raíces cada vez que lo desea.

Anthrax sin duda ya no es la agrupación de los 80. El quinteto ha decidido expandir su oferta y ha logrado hacerlo con carácter y sin perder su identidad. Temas cercanos a los ocho minutos ya existían en su catálogo desde la época de “State Of Euphoria” (1988) e himnos melódicos con ganchos de aire radial han tenido desde siempre, por lo que si bien a ratos esta propuesta suena a que el conjunto dejó su pasado de lado, la verdad es que no lo hace y mantiene elementos que han estado en su ADN desde siempre. Básicamente, lo que tenemos al frente es a una banda madura que no teme tomar riesgos. Culparlos no parece posible. Menos con un Belladonna que suena tal como lo hizo hace treinta años, un Donais que definitivamente se ha hecho dueño de su puesto, un Charlie Benante que sigue preciso en la batería, sin dar muestra alguna de las lesiones y cirugías que ha tenido el último tiempo, y un Scott Ian que respira calidad y presencia siempre que se deja ver. “For All Kings” es un disco atrevido, de un grupo que, después de treinta y cinco años, aún apuesta por salir de su zona de comfort. No sólo hay Anthrax para rato, sino que además no han perdido la inquietud creativa.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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