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Animal Collective – Centipede Hz

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Cuando en 2009 el mundo masivo descubrió a Animal Collective, muchos ignoraban que antes del indiscutible “Merriweather Post Pavilion” (2009), la agrupación tenía ocho álbumes (si incluimos “Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished” del año 2000) y un bagaje amplio y necesario de explorar para entender cuán innovadora era su propuesta.

“Merriweather…” fue un indiscutible peak en la carrera de unos veteranos en la escena. Por eso es extraño enfrentarse a un álbum tan arriesgado como fallido como es “Centipede Hz”, el lanzamiento número diez de un colectivo que siempre ha intentado empujar los límites posibles de la composición y el sonido.

Donde “Merriweather…” podía denotar armonía en el caos, “Centipede Hz” sólo es capaz de mostrar el caos y la intensidad, con poco de equilibrio precario, una de las grandes virtudes de Animal Collective. Tampoco hay que cometer el error de querer que AC suene igual entre un disco y otro, nunca lo han hecho, y esta no debiese ser la oportunidad para que eso pase. Además, los proyectos paralelos de Panda Bear o Avey Tare constatan que la capacidad está intacta, en especial con los apoyos de Deakin (que volvió en este álbum) y Geologist. Entonces, ¿qué pasa con este “Centipede Hz”? Simplemente no se concentra en las canciones, sino que en el sonido. En ese sentido, justo volvemos a 2003, cuando con “Here Comes The Indian” (2003) el grupo tuvo su primer trabajo firmado por los cuatro miembros. Ahora arman su álbum más largo y eso se hace sentir.

Quizás, en el afán de sonar como un grupo de amigos tocando música otra vez, las canciones se dejan llevar por una necesidad de llenar cada espacio con un sonido, como también lo hace Yeasayer, por ejemplo, pero sin el tacto para denotar que así se deja como algo inofensivo a la más importante arma de AC, que es la capacidad de superponer capas sonoras sin perder el cauce de una canción, y en este disco eso pasa a menudo.

Esto no niega la increíble capacidad de armar sonidos maravillosos, que se traducen en un registro que apela en partes iguales al rock progresivo, la psicodelia y lo tribal. O que el trabajo del productor Ben Allen consiga que las capas se deban ir descubriendo escucha tras escucha. “Centipede Hz” suena como un todo, lleno de coherencia, pero en ese afán de jugar con los sonidos y sus propias ataduras, Animal Collective cae en la intrascendencia y en la falta de respeto a sus propias composiciones no dejando brillar a cada una.

Sólo “Today’s Supernatural” es capaz de ser un single, y ya lo es, pero en el resto no se logra. Y eso que AC no abandona las líneas pop o las estructuras clásicas de las canciones, sino que es el enlace de los tracks el que falla, preso de ese capricho de hacer parecer a “Centipede Hz” un programa radial, llenándolo de efectos irrelevantes y armando una masa caótica que probablemente se desenrede mostrando mejor algunas joyas como “Applesauce” o el cierre con “Amanita”. Pero otras veces no se logra una conexión real o la intensidad simplemente se desborda por el jam, como en la potencialmente grandiosa “Monkey Riches”.

Muchos dirán que si no te agrada “Centipede Hz” es porque no eres capaz de entenderlo, pero esto sólo denota que la entera lectura de este álbum está supeditada a entrar en el juego de este colectivo por completo, transformándose en un registro pensado sólo para los fans de la carrera completa de la banda, pero no mucho más allá. Y eso no puede ser calificado sino como un capricho, aunque a estas alturas, Animal Collective puede darse esos lujos.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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