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Animal Collective – Centipede Hz

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Cuando en 2009 el mundo masivo descubrió a Animal Collective, muchos ignoraban que antes del indiscutible “Merriweather Post Pavilion” (2009), la agrupación tenía ocho álbumes (si incluimos “Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished” del año 2000) y un bagaje amplio y necesario de explorar para entender cuán innovadora era su propuesta.

“Merriweather…” fue un indiscutible peak en la carrera de unos veteranos en la escena. Por eso es extraño enfrentarse a un álbum tan arriesgado como fallido como es “Centipede Hz”, el lanzamiento número diez de un colectivo que siempre ha intentado empujar los límites posibles de la composición y el sonido.

Donde “Merriweather…” podía denotar armonía en el caos, “Centipede Hz” sólo es capaz de mostrar el caos y la intensidad, con poco de equilibrio precario, una de las grandes virtudes de Animal Collective. Tampoco hay que cometer el error de querer que AC suene igual entre un disco y otro, nunca lo han hecho, y esta no debiese ser la oportunidad para que eso pase. Además, los proyectos paralelos de Panda Bear o Avey Tare constatan que la capacidad está intacta, en especial con los apoyos de Deakin (que volvió en este álbum) y Geologist. Entonces, ¿qué pasa con este “Centipede Hz”? Simplemente no se concentra en las canciones, sino que en el sonido. En ese sentido, justo volvemos a 2003, cuando con “Here Comes The Indian” (2003) el grupo tuvo su primer trabajo firmado por los cuatro miembros. Ahora arman su álbum más largo y eso se hace sentir.

Quizás, en el afán de sonar como un grupo de amigos tocando música otra vez, las canciones se dejan llevar por una necesidad de llenar cada espacio con un sonido, como también lo hace Yeasayer, por ejemplo, pero sin el tacto para denotar que así se deja como algo inofensivo a la más importante arma de AC, que es la capacidad de superponer capas sonoras sin perder el cauce de una canción, y en este disco eso pasa a menudo.

Esto no niega la increíble capacidad de armar sonidos maravillosos, que se traducen en un registro que apela en partes iguales al rock progresivo, la psicodelia y lo tribal. O que el trabajo del productor Ben Allen consiga que las capas se deban ir descubriendo escucha tras escucha. “Centipede Hz” suena como un todo, lleno de coherencia, pero en ese afán de jugar con los sonidos y sus propias ataduras, Animal Collective cae en la intrascendencia y en la falta de respeto a sus propias composiciones no dejando brillar a cada una.

Sólo “Today’s Supernatural” es capaz de ser un single, y ya lo es, pero en el resto no se logra. Y eso que AC no abandona las líneas pop o las estructuras clásicas de las canciones, sino que es el enlace de los tracks el que falla, preso de ese capricho de hacer parecer a “Centipede Hz” un programa radial, llenándolo de efectos irrelevantes y armando una masa caótica que probablemente se desenrede mostrando mejor algunas joyas como “Applesauce” o el cierre con “Amanita”. Pero otras veces no se logra una conexión real o la intensidad simplemente se desborda por el jam, como en la potencialmente grandiosa “Monkey Riches”.

Muchos dirán que si no te agrada “Centipede Hz” es porque no eres capaz de entenderlo, pero esto sólo denota que la entera lectura de este álbum está supeditada a entrar en el juego de este colectivo por completo, transformándose en un registro pensado sólo para los fans de la carrera completa de la banda, pero no mucho más allá. Y eso no puede ser calificado sino como un capricho, aunque a estas alturas, Animal Collective puede darse esos lujos.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. limosino77

    11-Sep-2012 en 3:07 pm

    “Cuando en 2009 el mundo masivo descubrió a Animal Collective, muchos ignoraban que antes del indiscutible “Merriweather Post Pavilion….” = saaaaaaaaaaa…. hipster atrasado. Quiza el loco no lo conocía, pero el jet set hipster ya los vacilaban. quiza los cacho despues de que los pesco la radio horizonte. En buena si.

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Björk – “Utopia”

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Utopia

El espejo es inclemente. El paso del tiempo es implacable. Los cambios forzosos desgastan, y eso se nota en las arrugas que no irrumpen de golpe, pero que se acumulan al pasar los años. Cuando hay traumas, asociados a derrumbes reales y metafísicos, las heridas pueden estar dentro o fuera del cuerpo, y el espejo en las mañanas lo recuerda sin necesidad de memorias. Desde esa falta de perdón deviene la reconstrucción, la reinvención y, a veces, hasta la resurrección. Son esos procesos, y la capacidad de pasar por encima de ellos, lo que mueve a Björk en su décimo álbum, “Utopia”, donde la islandesa muestra su nueva forma de enfrentar la vida tras quiebres familiares, de pareja y con ella misma. Esto se nota con claridad en la música, donde Arca se vuelve su perfecto partner para exponerse con transparencia, brutal como sólo se le pudo ver en “Vulnicura” (2015), pero además versátil como en los mejores pasajes de “Homogenic” (1997). En ambos discos, de hecho, pareciera que se erigieran parajes completos, con montañas, mesetas y lagos, con mares, nubes y vegetación, porque nuevamente se trata de Björk construyendo luego de un desastre, claro que en esta ocasión la tarea le es más monumental.

Como ella se nota que está llena de amor, la gran tarea es transformar lo vasto de su persona en algo factible de asir, porque la dificultad que se presentaba en la era más reflexiva de Björk –post “Volta” (2007)– fue evitar lo celestial de un trabajo de características casi divinas como el de la cantautora. Todo lo que vino después de “Volta” iba en pos de dotar de un halo extraterrenal a sus sensaciones: en su momento de mayor humanidad, materializando una familia, quizás lo más común de una vida; sus ansias de ir más allá la iban alienando un tanto.

Musicalmente, hubo una tendencia por evitar el pop sintético y abrazar lo teatral, y eso se acentuó en “Vulnicura”, que era un disco de pleno quiebre. La inmensidad quedó más clara que nunca, pero a través del vacío, de la carencia, de las ausencias que generaban ecos y un disco con mucho espacio y belleza dentro de la tristeza. Ahí es donde “Utopia” puede elaborar: en vez de invitar al espejo a hacer lo suyo, Björk lo pone en frente de ese abismo, expande aún más los horizontes y les da sentido.

El hablar de espejos no es casual. Hay canciones en “Utopia” que se disponen como una respuesta directa a las del disco anterior. “Body Memory” es una de las piezas más largas del álbum, y en este caso es un complemento a “Black Lake”, track más desgarrador de “Vulnicura”, donde en vez de pensar en ese lago negro, se busca darle vida, recordando los ecos de un pasado en el cuerpo, en las huellas que quedan. Otro punto relevante del sonido que define a “Utopia” es la presencia de flautas, un instrumento que es mucho más humano, dependiendo de la respiración y el ritmo dispuesto, casi igual a la voz, uno que había sido objeto de la atención de Björk en “Medúlla” (2004). Las flautas otorgan calidad, en tanto que la electrónica dispuesta por Arca (quien aparece como colaborador directo en casi la totalidad de los tracks) genera quiebres que complejizan a las canciones aún más.

“Utopia” brilla en terrenos densos, y es prácticamente un big bang para la artista islandesa. Luego de que un universo se termina, de inmediato surge otro, y los primeros momentos son frenéticos, bellos, y el tiempo se flexibiliza para finalmente entregar definiciones y un nuevo espacio, amplio, oscuro, pero que mediante una vocación de transparencia y honestidad Björk saca adelante en su disco más largo a la fecha, uno donde ella misma se dispone como un imposible, y lo entiende y abraza. Genialidad desde el dolor, desde el reflejo del alma, como sólo ella puede hacerlo.


Artista: BjörkUtopia

Disco: Utopia

Duración: 71:39

Año: 2017

Sello: One Little Indian


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