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Angra – “ØMNI”

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Hay bandas que recaen eternamente en lo genérico y no experimentan más allá de los materiales básicos que les ha proporcionado en algún momento de sus carreras el éxito. Hay otras, como el caso de Angra, que buscan experimentar y fusionar sonidos que finalmente acaban sentando precedentes y, por lo mismo, perdurando en la memoria colectiva. Y es que una de las particularidades de Angra ha sido, a lo largo de su valiosa trayectoria, la búsqueda de un estilo propio, que los ha llevado a experimentar con varias vetas sonoras del metal, desde su lado más melódico hasta el más pesado. Incluso, muchas de estas exploraciones musicales podemos encontrarlas dentro de un mismo disco.

Desde su irrupción en el mercado internacional noventero, con aportes de muy buena calidad (“Angels Cry” de 1993, y “Holy Land” de 1996), hasta el día de hoy, la variación ha sido algo que no ha afectado solamente su trabajo con respecto a lo musical, sino que también a nivel de formación, algo que resulta comprensible, al fin y al cabo, en una agrupación de varios años de recorrido. Tras la salida definitiva de André Matos y la no tan definitiva de Kiko Loureiro (a las filas de Megadeth), el único miembro estable que va quedando desde sus inicios es Rafael Bittencourt, pero, como parte de la evolución misma de la banda, aquello no interfiere en esta ocasión en la calidad de la entrega de su noveno álbum de estudio. Así, lo que resulta destacable de “ØMNI” es, por una parte, la consistencia en el abordaje de los elementos representativos del power metal en equilibrio con sonidos más originales, que dan como resultado un atractivo e interesante producto final.

Dentro del espectro más tradicional destacan canciones como “Light Of Transcendence”, donde la voz de Fabio Lione (Rhapsody) anuncia estabilidad y solidez, y “Travelers Of Time”, con sus arreglos orquestales de fondo y el poder de la velocidad de sus guitarras. Además, la percusión estilo batucada como intro nos permite reconocer la identidad de lo que escuchamos, pues el sello de Angra se hace presente. Así sucede también en “Caveman”, que fusiona ritmos brasileños y versos en portugués con elementos más progresivos, una mezcla que nunca deja de ser interesante y que puede llegar a ser una de las características más atractivas del disco. De hecho, esta interacción con lo progresivo resulta ser una idea eficaz, cuyos efectos escuchamos en temas como “War Horns”, con la colaboración de Loureiro en composición y guitarra, y “Magic Mirror”, destacando por la variación de sus compases y por dejar en la boca el sabor, no concluyente, de un experimento algo blusero. Aportes de este tipo refuerzan la singularidad presente a lo largo de cada una de las composiciones; cada canción posee algo que la hace distintiva, incluso en alguna no tan memorable, como “Black Widow’s Web”, que cuenta con la colaboración de Alissa White-Gluz (Arch Enemy) en los guturales. Sin embargo, a pesar de la dureza que evoca, igualmente alcanza a captar la atención del que escucha.

En contraste con los conceptos más rígidos del metal, encontramos los momentos más apacibles en la acogedora “Always More”, y las dramáticas y sombríamente encantadoras “Silence Inside” e “Infinite Nothing”, culminando esta última como una pieza instrumental que hace gala de una gran teatralidad y que sugiere a la imaginación la idea de estar escuchando el outro de una película de ciencia ficción, idea que hace sentido al tener en cuenta la temática futurista del disco. Mención aparte merecen la oscura intensidad de Bittencourt en “The Bottom Of My Soul”, joya del conjunto, y el sobresaliente bajo de Felipe Andreoli en “Insania”.

Si bien, hace algún tiempo los cambios sufridos por la mítica banda brasileña repercutieron de forma negativa, hoy auguran un prometedor futuro. Es parte del progreso, y bien han demostrado que son capaces de adaptarse a ello de manera favorable. Igualmente, mientras mantengan su originalidad característica, siempre habrá algo que decir al respecto, pues la calidad de los músicos que componen Angra –en cualquiera de sus versiones– es definitivamente indiscutible.


Artista: Angra

Disco: ØMNI

Duración: 01:07:08

Año: 2018

Sello: earMUSIC


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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