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All Mirrors All Mirrors

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Angel Olsen – “All Mirrors”

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Con los primeros acordes de su debut, “Half Way Home” (2012), Angel Olsen dejó en claro su perspectiva del folk: una íntima instrumentación, vulnerables letras y envolvente voz. Sin embargo, no fue hasta su segundo lanzamiento, “Burn Your Fire For No Witness” (2014), que su asentamiento como figura del indie cobró fuerza. Su potencial no hizo más que incrementarse con el lanzamiento de “My Woman” (2016), una nueva prueba de su talento para mezclar intimidad con elementos de rock y synth, siendo considerado uno de los mejores discos de ese año. El cuarto álbum de Angel Olsen se presenta como la carta definitiva de una de las artistas más importantes del género en la actualidad, ofreciendo algunas de las composiciones más desgarradoras y necesarias del año.

Escribir música sobre un corazón roto no es algo novedoso, pero en “All Mirrors” Olsen lo expresa con una vulnerabilidad y honestidad pocas veces vista. El tema homónimo y primer adelanto del disco, comienza como una intima pieza, que rápidamente cobra matices cinemáticos no vistos antes en sus composiciones; su vulnerabilidad permanece intacta, pero sus dimensiones se expanden más allá. A las clásicas guitarras y synths, se le incorpora una orquesta completa que lo acerca al pop barroco. Líricamente carga con la temática del disco, el autodescubrimiento a través de reencontrarse con el reflejo, un intimo trabajo de introspección que se ve ilustrado en todo el álbum. Sin embargo, es “Lark” el que carga la responsabilidad sonora en sus hombros. Comenzando con una tímida voz acompañada por una guitarra, la pieza rápidamente se convierte en todo un viaje sonoro. Con la inclusión progresiva de percusión, violines, cellos, sintetizadores y cuerdas eléctricas, se retrata el viaje catártico del rompimiento de una relación. Un sublime corte que expande el universo sonoro de Olsen, con un punto de tensión en su segunda mitad, que desata una ola de sensaciones y se convierte en un verdadero clásico moderno.

Los siguientes temas se presentan como las emociones que quedan tras el punto más alto de crisis, oscilando entre la rabia, la melancolía, la introspección, el anhelo y la superación. Y es que “All Mirrors” hace un gran trabajo en retratar todas las interrogantes que quedan tras la desilusión. En “Spring” la cantante mira los cambios que el tiempo ha provocado, con una angustia de aquello que no logra comprender. Sin embargo, como en muchas de las canciones del disco, existe una reconfortante positividad detrás de estos temores, plasmada en la dulzura de su instrumentación y lo envolvente de su voz. Dicha dulzura barroca se replica en temas como “What It Is”, mezclando las cuerdas con potentes platillos para retratar las contradicciones de sus sentimientos: “Y saber que amaste a alguien, no significa que alguna vez estuviste enamorada”.

La segunda mitad del disco se torna mucho más oscura, asemejándose a la instrumentación de los primeros tracks. “Impasse” abre con unas cuerdas góticas que evocan al pop orquestal más lóbrego, ilustrando la rabia y los resentimientos de la lírica. Es uno de los momentos más densos del disco; una tormenta de emociones donde cada pieza de la orquesta se encarga de ilustrar la desilusión. Pero tras esta tormenta aparece “Tonight”, una emocionante y cálida obra, que parece liberarse de las sombras que dejó el track anterior. Las cuerdas son presionadas con dulzura y la potente voz de Olsen se torna confortante, dando paso a uno de los outros más emocionantes del álbum.

Es en los últimos temas donde radica la esperanza del disco, no porque el dolor haya sido olvidado, sino por haber sido capaz de atravesarlo. “Tomó un tiempo, pero lo logré. Si pudiera mostrarte el infierno en el que he estado, relata en “Summer”, dejando de lado los violines para poner énfasis en los instrumentos clásicos de su discografía, mientras que la suave “Endgame” presenta una emocionante resolución a los resentimientos que perduraban. Dramáticas cuerdas y trompetas se van sumando a la producción, expresándose como el punto de catarsis del álbum. La cantante ofrece un último golpe al estómago con “Chance”, quizás la pieza más vulnerable y cruda de su carrera. Un claro contraste a la apertura, acompañando su delicada voz con un melódico piano y suaves violines, logrando así cerrar el disco sin escatimar en sus emociones.

Para una artista que construyó su selló bajo la intimidad del folk, la grandeza de una orquesta no ha hecho más que sumar a la honestidad de sus composiciones. Las cuerdas de los violines y cellos han elevado a Angel Olsen a un nivel más allá del alcanzado con sus primeros discos. La magnificencia de “All Mirrors” parece un paso natural para una artista que venía construyendo una fuerte discografía, pero, al mismo tiempo, proviene de una Olsen completamente diferente, con un control y visión más clara que nunca, y una intensidad que pocos logran en cuatro discos, cerrando la década que la vio debutar tímidamente con uno de los álbumes más potentes del género.


Artista: Angel Olsen

Disco: All Mirrors

Duración: 48:33

Año: 2019

Sello: Jagjaguwar


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Discos

DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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