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Alice Cooper – “Paranormal”

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Referirse a la figura de Alice Cooper no es fácil. Estamos hablando de un artista que revolucionó la música, especialmente en lo que se refiere a la estética y las presentaciones en vivo cargadas de teatralidad, donde impacta cada noche con su shock rock, el que ha influenciado a un sinnúmero de bandas. Hoy en día, con una carrera de casi 55 años y que la ha desarrollado de manera muy activa, Cooper no está para grandes presiones. Realiza un trabajo donde se siente cómodo y con buena compañía, y vuelve a estar detrás de las mezclas el mítico productor Bob Ezrin, el mismo que lo ha acompañado durante gran parte de su carrera y que también ha colaborado con bandas como KISS, Pink Floyd, Lou Reed y Peter Gabriel, entre otros. Por si fuera poco, trae algunos invitados de lujos, como Larry Mullen Jr. (U2) golpeando los parches en casi la totalidad del disco, así como también Roger Glover (Deep Purple), Billy Gibbons (ZZ Top) y ni más ni menos que los integrantes de su banda clásica.

“Paranormal” abre con su canción homónima, la que comienza con unos arpegios mezclados con unos acordes potentes, invitando de inmediato a ponerse cómodo y disfrutar de una buena dosis de hard rock. Además, incluye la participación de Roger Glover en las cuatro cuerdas; un arranque demoledor. Dentro de la misma línea, “Dead Flies” recuerda la faceta más clásica y al hueso de Alice Cooper, con un ritmo rápido y una vibra de blues. Las guitarras más duras y ochenteras aparecen en “Fireball”, la que además cautiva con una línea vocal muy pegajosa y un minimalista, pero punzante trabajo de Mullen Jr. en batería, coronándola como uno de los momentos más destacados de este trabajo. También hay mucho groove en “Paranoiac Personality”, primer single de este LP, donde se siente la potencia necesaria para que a futuro pueda convertirse en un clásico. Muy setentera, donde incluso a ratos recuerda a uno de sus grandes discípulos, KISS.

Las canciones de este trabajo son más bien directas; de hecho, la mencionada “Fireball” es la de duración más prolongada, apenas llegando a los cinco minutos. Se logra sentir que la intención de Cooper es que fluya de manera natural y sencilla, pero logrando un nivel que esté a su altura, y gran responsable de esto es Bob Ezrin, quien participa de manera activa en cada una de las canciones, colocando arreglos y efectos que las elevan aún más. “Fallen In Love” nos transporta a un viaje en una carretera por el desierto, sintiéndose toda la presencia de un invitado de lujo, Billy Gibbons; junto a la voz de Alice Cooper crean un rock lleno de blues, que hipnotiza durante sus tres minutos y medio. La revisión del sonido cercano a los primeros años de Cooper sigue con “Dynamite Road”, “Private Public Breakdown” y en la fiestera “Holy Water”, esta última donde se introducen bronces al estilo de una big band, dando un mayor brillo a la canción, junto a unos coros hechos para cantar al unísono, dando cuenta de otro momento destacado de este “Paranormal”.

La intensidad aumenta con la rocanrolera “Rats”, que no da respiro en su breve duración. Y finalizando la versión oficial, “The Sound Of A” nos lleva a un ambiente psicodélico que le hace un guiño a Pink Floyd, y además recuerda a “Welcome To My Nightmare” (1975). Hablamos de la versión oficial, porque el disco incluye dos bonus tracks que son una verdadera joya. “Genuine American Girl” y “You And All Of Your Friends” son protagonizadas por Neal Smith, Dennis Dunaway y Michael Bruce, la clásica alineación de The Alice Cooper Band. En ambas canciones se siente la esencia intacta de la agrupación y son logradas con una gran vitalidad, cerrando el álbum con broche de oro.

Alice Cooper nos entrega una producción que está a la altura de su nombre. El padre del shock rock tiene claro que no piensa lograr una nueva tendencia musical, pero con este trabajo demuestra que su calidad está intacta y prefiere tomar los elementos esenciales de su carrera para plasmarlos en un trabajo entretenido, sencillo y sin grandes complicaciones. A veces se dice que menos es más, y este álbum es el ejemplo perfecto de aquello.

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Waxahatchee – “Saint Cloud”

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Saint Cloud

Poniendo a descansar las melodías rockeras de su último álbum, “Out In The Storm” (2017), Katie Crutchfield se arma de los elementos característicos del folk y americana para enfrentarse a su etapa más vulnerable. Con un acercamiento más cálido e íntimo, “Saint Cloud” se presenta como un clásico contemporáneo del género. A través de su carrera, Crutchfield ha sido capaz de moldear el sonido de sus guitarras para representar las emociones detrás de sus canciones. Desde sus composiciones lo-fi (American Weekend”, 2012), pasando a un rock más pulido (“Out In The Storm”), hasta llegar a su disco más country, donde las melodías son tan dulces como confrontacionales.

“Oxbow”, la pieza inicial, es una vulnerable y altisonante apertura, un juego entre géneros musicales que deja al oyente adivinando qué es lo que se avecina. Líricamente, retrata el primer paso del viaje de sobriedad de la cantante, capturando los temas de adicción y codependencia en un esperanzador estribillo. “Can’t Do Much” aclara de mejor manera la gama sonora que presentará el disco, donde la voz y las cuerdas presentan los elementos característicos del americana. Si bien, en el corazón de sus discos el folk siempre ha estado presente, es en sencillos como este donde queda claro que aquí abraza el género completamente.

Sin embargo, el espíritu del americana no se encuentra sólo en las melodías del álbum, ya que este está construido como un mapa de los lugares que inspiraron cada canción presente. Algunos de estos son claros, como “Ruby Falls”, una cascada en la ciudad donde reside su gemela; un oscuro y acústico corte sobre la adicción a los opioides y sus efectos, siendo un ejemplo del combate temático y sonoro presente en el disco, entre lo esperanzador y lo descorazonador. “Arkadelphia” –una carretera en su natal Alabama– es una visita a su adolescencia, donde las cuerdas logran trazar una nostálgica melodía que ayuda a adentrarse en el flashback que relata. Y es que los espacios y la significancia de estos siempre han sido relevantes en el proyecto, desde su mismo nombre, Waxahatchee, un arroyo en su ciudad nativa, y Crutchfield siempre ha llevado sus orígenes en ella.

Los sencillos que se desprenden de “Saint Cloud” son algunas de las piezas mejor logradas de su carrera. “Fire” es un himno de autoaceptación; un diálogo interno donde cada palabra es de aliento para sí misma y para cualquiera batallando una adicción. Sin dejar jamás el espíritu country, es el acercamiento más prominente a una canción rock, con una pegajosa melodía que es alentadora como conmovedora. “Si pudiera amarte incondicionalmente, podría planchar los bordes del cielo más oscuro, para una compositora que temía escribir estando sobria, estas son algunas de sus líricas más importantes. “Lilacs” es un confesionario corte donde la artista lamenta la dependencia de un otro, un clásico atemporal donde las cuerdas y su voz muestran el progreso después de todos estos años, donde ya no tiene miedo de llenar cada espacio en el que se presenta.

Waxahatchee lleva sus influencias en la manga, asegurándose de no sonar como un tributo y logrando sacar una sonrisa al recordar un sonido que ha traspasado las barreras del tiempo. Reminiscente es el falsete presente en “Can’t Do Much” o “Lilacs”, que por un segundo emocionan al pensar en Joni Mitchell o las melodías presentes en “Hell” o “War”, que de seguro serían aprobadas por Bob Dylan. En un género con tantos clásicos como lo es el folk, la cantautora no se queda en el pasado, sino que lo estudia para su presente.

El track final, “St. Cloud”, inspirado en la ciudad donde nació y creció su padre, es una delicada pieza acústica con una desnuda interpretación vocal, dándole cierre al recorrido por las ciudades que conforman su trayectoria. Pero no sólo los lugares, sino que las personas presentes en estos: su hermana, sus padres, sus amistades, su versión adolescente e incluso David Berman, quien recibe un tributo a su nombre. Al finalizar, es claro que en “Saint Cloud” Waxahatchee ha presentado su disco más liberador y quizás el más importante de su carrera. Sin grandes decoraciones, ahonda en lo más profundo de sí misma, visitando los momentos que la hicieron ser quien es mirando hacia un futuro prometedor, con un clásico entre sus brazos.


Artista: Waxahatchee

Disco: Saint Cloud

Duración: 40:06

Año: 2020

Sello: Merge


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