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Aldous Harding – “Designer”

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La escena del indie actual no es la misma que aquella en la que Aldous Harding debutó con su LP homónimo en 2014. El género ha visto en las manos femeninas una oportunidad de renovación y las puertas se han abierto a aceptar a mujeres en la primera línea musical. Desde su inicio, su voz y composiciones han hecho esfuerzos para diferenciarse de sus contemporáneos, dando sus primeros frutos con su segundo disco, “Party” (2017), alejándose de las composiciones de goth folk que caracterización a su debut y con mayor cercanía a las ramas tradicionales del folk. Pero es en “Designer”, su más reciente LP, donde sus relatos y composiciones cobran mayor singularidad y la posicionan como una de las voces más distintivas de la escena.

En su tercer álbum de estudio, la cantante vuelve a reclutar al productor John Parish para presentar una placa de nueve cortes que navega entre vulnerabilidad y enigma. El track inicial y segundo sencillo, “Fixture Picture”, nos muestra una composición más cinematográfica. El comienzo simple de voz, una guitarra y una minimalista percusión, pronto se sumerge en un coro de segundas voces, violines y cuerdas eléctricas que acompañan una narración más tradicional respecto al amor. Pero no todas las composiciones de la neozelandesa son sencillas de interpretar. En el tema homónimo y en “Zoo Eyes” parece ver el mundo desde el niño interno que menciona en ambos cortes, como un pequeño recorriendo un zoológico, reflejando un estado de sorpresa y emoción que bordea en ansiedad. Agregando instrumentos fuera de lo tradicional del folk, como congas, la intérprete juega con las posibilidades del género, mezclando lo usual en la música con la experimentación. Por otro lado, “Treasure” nos muestra los primeros momentos íntimos del mundo de “Designer”, con una técnica vocal más conmovedora. Acompañada de una guitarra y un piano, la compositora nos recuerda lo envolvente de sus vocales cuando elimina los adornos.

Es en el primer sencillo, “The Barrel”, donde se encuentra el corazón del disco. La canción representa con fidelidad el cruce alternativo hacía el folk al que apunta Harding, sin olvidar sus raíces en el género, pero buscando salir del espacio común de este. Sacando todo su arsenal, la cantante logra armonizar las cuerdas acústicas y las eléctricas, la percusión minimalista con las congas, sus vocales con voces invitadas y el piano con un saxo, sin llegar a sentirse sobrecargado. Si bien, existen experimentaciones musicales, la composición instrumental del disco es bastante minimalista en su totalidad, donde todos los instrumentos armonizan como si se trataran de uno solo, sin mayores perturbaciones. Este minimalismo podría arriesgar un disco monótono y plano, que no siempre aprovecha el potencial del desempeño vocal, pero gracias a la versatilidad en su voz, su madurez lírica y su juego en la experimentación, los momentos más débiles del instrumental cobran fuerza con otros elementos, logrando afirmar a su audiencia.

Momentos como los que ofrece “Damn” nos presentan la cara más reveladora de una persona que pareciera no tomarse con demasiada seriedad. El corte de más de seis minutos nos relata la angustia que provoca sentirse como una molestia al resto, detallando lo frágil de la autoestima. Acompañada principalmente de un piano y su voz, la canción se siente como la pieza vulnerable del disco, con una presentación vocal que funciona como una narración acorde a lo melancólico y sombrío del piano. Es difícil superar las dos canciones que representan la dicotomía con la que la cantante juega en el disco, vulnerabilidad y excentricidad. Pese a ello, las canciones finales, “Weight Of The Planets”, “Heaven Is Empty” y “Pilot” hacen un gran trabajo encapsulando los temas que coquetean dentro del álbum. La química musical entre las percusiones y las cuerdas ofrecen un cierre cómodo y calmo, pero que potencia la personalidad en las vocales de la cantante que no logra ser opacada por la instrumentalización.

Es el admirable trabajo en las composiciones, la versatilidad en las vocales y lo armónico en la multiplicidad de instrumentos minimalistas que hacen de “Designer” el trabajo más pulido y maduro en la carrera de Aldous Harding, creando múltiples atmósferas de intimidad, que lo consolidan como el esfuerzo mejor logrado de una cantante que no tiene miedo de plasmar su singularidad y de explorar sus habilidades a su máximo potencial.


Artista: Aldous HardingDesigner

Disco: Designer

Duración: 40:32

Año: 2019

Sello: 4AD


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Code Orange – “Underneath”

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Underneath

El término mainstream es un foco de observación por el apartado de artistas que pueden ser considerados –independiente de controversias– dentro de ese marco, gracias a la atención recibida y/o por galardones o menciones a nivel mundial dentro de alguna categoría en particular. Teniendo un acercamiento con lo mencionado, el caso de Code Orange va más allá de la accesibilidad: este proyecto se erige por el atrevimiento de reforzar la identidad hardcore punk del grupo con una experimentación llevada a puntos turbulentos, creando trabajos abrasivos, cimentando una carrera visionaria, una que tiene a la evolución musical como estandarte.

Desde su modificación de nombre y salida de “I Am King” (2014), la visceral propuesta de los oriundos de Pennsylvania ha sido tajante durante el desarrollo de una constante reinvención de su sonido, rodeado por un ambiente de crudeza y herramientas que ensamblan electrónicamente con certeza, tomando influencias del metal industrial para que cada pieza signifique un engranaje letal y sugerente. Producto de esto, “Forever” (2017) era la carta de apertura para una masificación sonora y que las alarmas se encendieran ante un trabajo mucho más impredecible, y con una proyección que se refleja en “Underneath”, una aplastante experiencia no exenta de matices alternativos y sombríos.

La abrumadora atmósfera de “(deeperthanbefore)” es un puente ideal a “Swallowing The Rabbit Whole”, machacante expresión que se equilibra entre pasajes desorientadores y retorna a su núcleo de brutalidad asociada al hardcore. En el apartado vocal, Jami Morgan se muestra confrontacional, siendo apoyado por la guitarrista Reba Meyers, quien también aporta a las variaciones en el ritmo y consigue que canciones como “Who I Am” o “Autumn And Carbine” sean muy radicales, fluyendo con el clima sorpresivo.

El vaivén de intensidad es una constante. Los paralelos de incendiarios cortes como “In Fear” y “You And You Alone”, versus “Sulfur Surrounding” y “The Easy Way” (una dupla más alternativa en sus progresiones) resultan sin caer en lo forzado. Atravesando por “Erasure Scan”, la que destacada por su cercanía al metalcore y pone en evidencia los arreglos Eric Balderose, quien toma las funciones de programación y mezcla, produce un inquietante ambiente e hilo conductor que envuelve constantemente los cambios inesperados.

En el último tramo, cada elemento mostrado se va ensamblando en un armado completo como muestra de la experiencia global. Una canción como “Back Inside The Glass”, en su gutural y densa interpretación, potenciada por letales breakdowns de las cuerdas de Meyers, Joe Goldman y Dominic Landolina, puede ser llevada a un espacio más siniestro y alternativo con “A Sliver”, y así, de forma orgánica, conectar con el homónimo cierre.

Es complejo vaticinar el impacto que tendrá este ciclo debido a la mixtura de su contenido. “Underneath” contiene una fórmula eficaz, que la banda utiliza para que su identidad se mantenga desafiante ante cualquier vaticinio de estancamiento o intento por obtener accesibilidad. Con Code Orange no hay garantías, excepto la de un inminente remezón sonoro, como el de este disco.


Artista: Code Orange

Disco: Underneath

Duración: 47:33

Año: 2020

Sello: Roadrunner Records


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