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El Álbum Esencial: “Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols” de Sex Pistols

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A mediados de los años 70, dos de los mayores polos del rock no vivían una situación alentadora. Nueva York era una ciudad que estaba contra las cuerdas, asolada por una bancarrota sin precedentes y con índices de criminalidad fuera de control, al más puro estilo de “Taxi Driver”. En el viejo continente, Londres pasaba por una de las peores crisis energéticas de su historia, con huelgas y manifestaciones multiplicándose como bacterias y paros de todos los sectores ascendiendo de forma meteórica, además, la música no lograba representar el sentir de los jóvenes en ninguno de los dos lados del Atlántico. Los grandes héroes que fueron la banda sonora de la juventud de los 60 ya estaban muertos o nadaban en sus riquezas, convertidos en caricaturas de sí mismos. Los tiempos clamaban por un rejuvenecimiento del rock; el contexto social era demasiado efervescente para la androginia futurista del glam, el escapismo de la música disco o las fantasías astrales del rock progresivo. Así fue como la mugre y la furia sónica de Sex Pistols llegó para destruirlo todo y empezar de nuevo.

Desde que se reunieron en el entorno de la tienda del empresario y manager Malcom McLaren en el King’s Road de Londres, Paul Cook, Steve Jones, Glen Matlock y John Lydon –en el personaje de Johnny Rotten– fueron una banda hilarante y mordaz, que trascendió las barreras de su tiempo en un entorno social totalmente hostil, con una relación interpersonal tan caótica y enérgica, que en otro medio hubiese sido desastrosa. Ni siquiera escuchaban la misma música, pero finalmente encontraron el camino y lograron dar con creaciones como la vital “Pretty Vacant”, con un riff que Glen pidió prestado a “SOS” de ABBA, pero que con el tamiz de los Pistols se convertía en el grito astuto de esa muchachada desempleada, pero con un look definido, una vibra de seguridad que ningún otro tipo de música les había dado. Se nota cómo Lydon fluye y se combina con las guitarras de Jones desde la primera vez que escuchas garrotazos como “No Feelings”, haciendo apología de la habilidad del frontman para torcer y ridiculizar la canción pop, pero también para presentar a su personaje, el insano Rotten, como un narcisista y nihilista que escupe ácido por doquier. La descarada “Liar” es otra muestra de puro rock & roll, que hasta el día de hoy se puede interpretar o como un ataque al mismo Malcom McLaren o al Primer Ministro de la época, Harold Wilson.

Con esa actitud pendenciera que los caracterizaba en sus canciones, los Pistols se pulieron en los entornos más agrestes de los bares ingleses y también fueron parte de veladas históricas para la música popular. La mítica noche en que tocaron en el Free Trade Hall de Manchester, el 4 de junio de 1976, frente a muchos personajes que se convertirían en leyendas de la escena, como los mismos Buzzcocks, Mark E. Smith de The Fall o Mick Hucknall de Simply Red, un joven Steven Patrick Morrissey, que se mostraba escéptico ante el combo londinense, escribió una carta a la NME en la que exponía que los Pistols eran deudores del sonido de The New York Dolls. Si bien, no estaba del todo errado, bastaba con escuchar el track “New York” para darse cuenta de que Lydon se burla abiertamente de los defendidos por Morrissey en la canción, y deja en claro las diferencias entre los entornos de la Gran Manzana y la capital inglesa: los punks de Nueva York eran bohemios y ligados al arte, mientras que los de Londres provenían de ambientes sociales mucho más desprotegidos, casi delincuentes, lo que le dio ese cariz más desgarbado al movimiento.

Otro asistente a esa ilustre velada fue Bernard Sumner de New Order, quien recuerda dicha presentación como si fuera una revelación: “Por primera vez en una actuación en directo me di cuenta que podía identificarme y relacionarme con los que estaban en el escenario, el punk era algo que nos daba una voz y nos estaba gritando a todo pulmón”. Las palabras de Sumner cobran total sentido en “Seventeen”, que en 2:01 minutos plasma la angustia adolescente de cualquier generación, o la electrizante “Submission”, un verdadero golpe reptante que toma inspiración en el “You Really Got Me” de The Kinks, en la que Glen y Lydon se sentaron a escribir la letra línea por línea sólo para volver molestar a su manager con un juego entre las palabras “submarine” (submarino) y “mission” (misión), como una amenazante misión submarina que repta en la guitarra de Jones.

Las letras siempre fueron uno de los tópicos más importantes dentro de la banda. Lydon procuraba esconderlas por los comentarios de Matlock, sobre todo aquella rima entre las palabras “Anarchist” (anarquista) y “Anticrist” (anticristo), lo que el bajista no sabía era que esa combinación iba a ser la chispa que encendería la bomba del punk. McLaren y Jamie Reid, el encargado de diseñar las carátulas de la banda, introdujeron en la cabeza de Lydon las ideas que hasta el día de hoy constituyen ese trueno llamado “Anarchy In The U.K.”. La canción es toda una declaración de guerra, que empieza con una risotada malévola orquestada por una capa de guitarras, idea del productor Chris Thomas. El caos, la agresión y el peligro se confabulan en una atmósfera de destrucción total que no plantea soluciones, sino que intenta salir por los parlantes con la intensidad de un huracán, tal y como se vio en la primera aparición de la banda en la televisión inglesa en Granada TV el 4 de septiembre de 1976.

De hecho, fueron los mismos medios los que hicieron colapsar a Sex Pistols tras una seguidilla de polémicas en el Reino Unido, como la infame aparición del grupo en el programa Today conducido por Bill Grundy, donde le propinaron insultos como “mierda seca” y “puto canalla” después de que el animador se hiciera el lindo con una joven Siouxsie Sioux, hecho que fue comidillo de los tabloides británicos y lanzó tristemente al grupo a la fama por su errático comportamiento, lo que posteriormente provocó el despido de su casa discográfica. Es por eso que la canción “E.M.I.” escupe tanto veneno: no sólo es un ataque al sello, sino que a todo el negocio musical de los años 70; visceral, subversiva y escandalosa, la misma voracidad que se puede escuchar en “Liar”, el cinismo hecho canción con que desafían toda autoridad.

Otro ingrediente crucial del estilo Pistols era Steve Jones. Se hizo cargo del bajo debido a la ausencia de Glen Matlock –cuyo despido es materia de disputa según la fuente que se consulte– y la incompetencia de Sid Vicious, ausente en las grabaciones a causa de una ictericia que lo llevó al hospital. Para no ser un aporte en términos musicales, Vicious muchas veces se lleva un crédito excesivo sólo por su imagen, algo que incluso el eterno Lemmy Kilminster de Motörhead certificaba: “Era incapaz de tocar una sola nota en el bajo, pero aportaba mucho a la imagen, era el más Pistol de los Pistols”. Sin embargo, tuvo que ser Jones el que aportó la solidez que se necesitaba tocando de manera lineal las mismas notas de su guitarra una octava más abajo, lo que, sin saberlo, ayudó a que el producto final se escuchara tan macizo como en “Holidays In The Sun”, donde Rotten recurre al viejo eslogan situacionista “cheap holidays in other people’s misery” (“vacaciones baratas en la miseria del prójimo”) para balbucear sobre las Alemanias divididas por el muro de Berlín con un astucia impresionante.

Sorprende la capacidad que tenía la banda para traducir la cultura social de su tiempo con una pluma cínica como en “Bodies”, una canción totalmente cruda para hablar sobre el aborto de una muchacha de Birmingham que apareció una vez ante Lydon con una bolsa que contenía un feto muerto en su interior. La letra toma el punto de vista del testigo y del mismo feto abortado, con las palabras saliendo disparadas a quemarropa a una velocidad galopante. Sin embargo, es “God Save The Queen” la que logra cambiar la cara del rock para siempre. Según el mismo Paul Cook, fue escrita antes del famoso jubileo de la reina y nunca fue planeada, rondaba en la cabeza de Lydon con el título de “No Future” y la grabaron en marzo de 1977 con el nombre que se conoció en todo el mundo. Fue presentada durante el aniversario de plata de la reina y se reforzó con una campaña de marketing totalmente anárquica, liderada por McLaren. Con su retórica incendiaria y excesiva, Lydon augura la desolación total con un toque de sarcasmo que irritó a los más conservadores. Nadie nunca osó burlarse de los símbolos sociales como lo hicieron los Pistols, y eso no sólo los puso en el mapa como banda, también logró canalizar la frustración, la ira y la urgencia que se repiten generación tras generación en una ciudadanía que ve impávidamente cómo la institución monárquica se reparte la torta entre su familia y absorbe su dinero ante el beneplácito del pueblo. “Tú no escribes God Save The Queen porque odias a los ingleses, es porque los quieres”, como dijo Lyndon alguna vez.

“Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols”, el primer y único larga duración de la banda, vio la luz el 28 de octubre de 1977 y fue la materialización de un fenómeno social extremadamente interesante para la cultura popular de occidente. Es toda una declaración de principios, desde el título, que hace referencia a “dejar de decir tonteras” en la lengua de la clase trabajadora y que incluye la palabra “Bollocks” (testículos), lo que le costó a la banda una pasada por los tribunales, hasta su sonido totalmente trabajado para ser una banda de punk. De lo peor de una época surgió quizá uno de los discos más influyentes de la música del siglo XX, un trabajo que se mantiene y se mantendrá joven para siempre, que fue capaz de impregnar a gente de todos los estilos, ya sea Sumner, Lemmy o Morrissey, y supo encapsular una época. Pareciera que a Sex Pistols nunca le importó nada, pero ciertamente a todos nos importan los Sex Pistols.

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El Álbum Esencial: “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd

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The Dark Side Of The Moon

No hay que ser seguidor de Pink Floyd para reconocer que “The Dark Side Of The Moon” marca uno de los momentos más altos en la historia del rock, metiéndose de lleno en ese selecto puñado de álbumes que todos deberían escuchar por lo menos una vez en la vida. Es tan así, que, si bien podemos estar todos de acuerdo en que los rankings no definen la grandiosidad de un álbum, no es menos cierto que funcionan como indicadores duros a la hora de evaluar un fenómeno musical. En esta línea, es imposible pasar por alto que al hablar de “The Dark Side Of The Moon” lo estamos haciendo de un disco con más de 45 millones de copias vendidas en todo el mundo, que además tiene la particularidad de haberse instalado majaderamente en el top 200 de Billboard desde su lanzamiento en 1973 hasta 1988, para luego (como si no hubiera sido suficiente) volver a meterse el año 2009. Si esto no es un indicador de vigencia y transversalidad, entonces nada lo es.

Sin embargo, los méritos que hacen de “The Dark Side Of The Moon” un álbum único, exceden largamente sus cualidades estadísticas. En lo concerniente a la banda, el disco marcaría sin duda una suerte de renacimiento. Después de debutar en 1967 con un fantástico larga duración bajo el liderazgo de Syd Barret, la inesperada salida del crazy diamond del cuarteto pondría en jaque el futuro de este, obligando al conjunto a entrar en un largo período de reinvención musical que no fue fácil. La experimentación sonora con marcados tintes de psicodelia y folk se tomaron la identidad de los londinenses y, si bien con el tiempo discos como “A Saucerful Of Secrets” (1968), “Ummagumma” (1969) y “Meddle” (1971) probarían ser imperecederos, lo cierto es que a principios de los setenta el conjunto comenzaba a hacerse difícil de seguir.

Por fortuna, una de las características de la banda siempre fue la capacidad de ir constantemente revaluando su propuesta. En esta línea, “The Dark Side Of The Moon” en ningún caso fue un accidente. La idea de aventurarse en un álbum de identidad lírica compacta, donde esto fuera incluso más relevante que la oferta sonora, hace rato se había apoderado de la mente de Waters, al punto que una de las cosas que demoró la salida del álbum tuvo que ver justamente con que Pink Floyd sintiera que el concepto se había logrado. Y dicho concepto era importante, sin duda la banda de sonido tenía que estar a la altura. Asentados durante ocho meses en los estudios Abbey Road y con Alan Parsons como ingeniero en sonido, echaron mano al uso de loops, samples de conversaciones grabadas en el estudio, sintetizadores análogos y la técnica del multi track recording para dar vida al trabajo que definitivamente haría de la banda un fenómeno reconocido a nivel mundial.

Para iniciar el viaje, el diseñador Storm Thorgerson nos regala una portada inmortal. De interpretaciones múltiples, la carátula de “The Dark Side Of The Moon” es el primer signo de que los cuarenta minutos de música que vienen de la mano de esta portada no son cosa trivial. “Speak To Me” funciona como obertura e incluye varios guiños a fragmentos que aparecerán a lo largo del disco. Corre como una sola pieza con “Breathe”, simbolizando el inicio de la vida, que estaría marcado por la batería de Nick Mason (a modo de latido cardiaco). Por su parte, el etéreo y acogedor ambiente de “Breathe” dominado por la guitarra de David Gilmour, abre las líricas del álbum (dejando de lado el pequeño fragmento de conversación de “Speak To Me”) en una imagen que evocaría al padre hablándole a su hijo recién nacido para que respire y lo haga sin miedo, no olvidando disfrutar la vida.

“On The Run” llega a sacudir la calma del corte anterior, destacando desde el inicio por una secuencia de sintetizador repetida de forma reverberante a altísima velocidad, representando de forma sublime el agobiante estrés al que nos vemos enfrentados en la inmisericorde maquinaria del día a día. La canción crece de forma sostenida a lo largo de sus casi cuatro minutos, explotando para dar paso a “Time”, uno de los cortes más celebrados de esta placa. Reconocible desde el primer segundo gracias al coro de relojes que abre el tema y el característico rototom con que Mason acompaña la introducción, “Time” se desarrolla directa y contundente, guiada de manera impecable por la avasalladora guitarra de Gilmour. Tratándose del único track firmado por los cuatro integrantes del conjunto, tiene además el mérito de abordar con elegancia uno de los tópicos más inquietantes de la existencia humana, la mortalidad y el sentido de trascendencia.

Y si de mortalidad se trata, el cierre de la primera cara de la placa termina graduando al registro en estos menesteres. Haciendo gala de una capacidad de improvisación vocal francamente excepcional, Clare Torry hace de “The Great Gig In The Sky” uno de esos cortes imposibles de ignorar. Único e irrenunciable (originalmente titulado “The Mortality Sequence”), logra expresar sin inconvenientes el dolor y paz que acompañan el proceso de la muerte. Sin embargo, no hay descansos en este viaje, ya que rápidamente la segunda cara del larga duración nos golpea con otra canción inmortal. Es el turno de “Money”, tema que, compuesto por Waters con el objeto de abordar el flagelo del dinero y la avaricia, no sólo incluye una de las líneas de bajo más reconocibles de los setenta, sino que además se da el lujo de completar la base rítmica del track con un loop de cajas registradoras, monedas y papel roto, para luego cerrar distorsionado y catártico. Brillante, sin duda alguna.

“Us And Them” baja las revoluciones, dejando al saxofón de Dick Parry como guía y protagonista de este maravilloso corte acerca del sinsentido de la guerra, donde el eco en la voz de Gilmour funciona tan bien a la hora de dar identidad a este track, que debería tener una mención adicional en los créditos. A continuación, “Any Colour You Like” repite casi sin cambios la estructura armónica de “Breathe”, sin embargo, a diferencia del primero, evita por completo las voces, entregándose del todo a generar atmósferas, haciendo uso y abuso del teclado sintetizado. Ya para ir tomando la recta final, “Brain Damage” habla del lado oscuro de la luna por primera vez en todo el trabajo, apuntando directamente a la figura de Syd Barret. Se trata de un tema de evidentes tintes psicodélicos, amablemente acompañado por guitarras, sintetizador y arreglos vocales, a través del cual Waters intenta reivindicar el derecho a ser distintos.

Hacia el final, “Eclipse” nos confronta con lo banal de la existencia. El órgano Hammond y los acompañamientos vocales funcionan de manera perfecta para enrostrarnos que nada de lo que hacemos o somos es finalmente tan importante. Al cierre, sólo nos queda el latido (último signo de vida al terminar esta travesía) y la paradoja con que la banda decide dejarnos, que dice “There is no dark side in the moon really / Matter of fact it’s all dark”. Sobrecogedor y liberador en igual medida.

“The Dark Side Of The Moon” se instalaría finalmente como un fantástico viaje a través de las problemáticas más universales que enfrenta un individuo a lo largo de su vida, logrando transcurrir de forma seductora y fluida desde la primera señal de vida de “Speak To Me” hasta el último latido que cierra el álbum. De hecho, la principal virtud de este trabajo terminaría siendo precisamente la excelente manera en que logra fluir a lo largo de sus cuarenta minutos. Se trata de un disco que, abordando temáticas tremendamente complejas, logra hacerlo de forma muchísimo más amigable, directa y efectiva que lo que venía haciendo la banda en sus trabajos anteriores. Este es el momento en que el conjunto terminaría de explotar, adquiriendo esa capacidad única de crecer en simpleza, sin sacrificar en nada la profundidad de su propuesta. El tiempo (y los siguientes discos) confirmaría que el giro había sido el correcto. Hoy, tal como hace décadas, la vida sigue siendo un camino difícil de recorrer, pero por fortuna siempre tendremos esta inmortal banda sonora para recordarnos que no hacemos el recorrido solos.


Artista: Pink Floyd

Disco: The Dark Side Of The Moon

Duración: 42:59 minutos

Año: 1973

Sello: Harvest Records / Capitol Records


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