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El Álbum Esencial: “Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols” de Sex Pistols

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A mediados de los años 70, dos de los mayores polos del rock no vivían una situación alentadora. Nueva York era una ciudad que estaba contra las cuerdas, asolada por una bancarrota sin precedentes y con índices de criminalidad fuera de control, al más puro estilo de “Taxi Driver”. En el viejo continente, Londres pasaba por una de las peores crisis energéticas de su historia, con huelgas y manifestaciones multiplicándose como bacterias y paros de todos los sectores ascendiendo de forma meteórica, además, la música no lograba representar el sentir de los jóvenes en ninguno de los dos lados del Atlántico. Los grandes héroes que fueron la banda sonora de la juventud de los 60 ya estaban muertos o nadaban en sus riquezas, convertidos en caricaturas de sí mismos. Los tiempos clamaban por un rejuvenecimiento del rock; el contexto social era demasiado efervescente para la androginia futurista del glam, el escapismo de la música disco o las fantasías astrales del rock progresivo. Así fue como la mugre y la furia sónica de Sex Pistols llegó para destruirlo todo y empezar de nuevo.

Desde que se reunieron en el entorno de la tienda del empresario y manager Malcom McLaren en el King’s Road de Londres, Paul Cook, Steve Jones, Glen Matlock y John Lydon –en el personaje de Johnny Rotten– fueron una banda hilarante y mordaz, que trascendió las barreras de su tiempo en un entorno social totalmente hostil, con una relación interpersonal tan caótica y enérgica, que en otro medio hubiese sido desastrosa. Ni siquiera escuchaban la misma música, pero finalmente encontraron el camino y lograron dar con creaciones como la vital “Pretty Vacant”, con un riff que Glen pidió prestado a “SOS” de ABBA, pero que con el tamiz de los Pistols se convertía en el grito astuto de esa muchachada desempleada, pero con un look definido, una vibra de seguridad que ningún otro tipo de música les había dado. Se nota cómo Lydon fluye y se combina con las guitarras de Jones desde la primera vez que escuchas garrotazos como “No Feelings”, haciendo apología de la habilidad del frontman para torcer y ridiculizar la canción pop, pero también para presentar a su personaje, el insano Rotten, como un narcisista y nihilista que escupe ácido por doquier. La descarada “Liar” es otra muestra de puro rock & roll, que hasta el día de hoy se puede interpretar o como un ataque al mismo Malcom McLaren o al Primer Ministro de la época, Harold Wilson.

Con esa actitud pendenciera que los caracterizaba en sus canciones, los Pistols se pulieron en los entornos más agrestes de los bares ingleses y también fueron parte de veladas históricas para la música popular. La mítica noche en que tocaron en el Free Trade Hall de Manchester, el 4 de junio de 1976, frente a muchos personajes que se convertirían en leyendas de la escena, como los mismos Buzzcocks, Mark E. Smith de The Fall o Mick Hucknall de Simply Red, un joven Steven Patrick Morrissey, que se mostraba escéptico ante el combo londinense, escribió una carta a la NME en la que exponía que los Pistols eran deudores del sonido de The New York Dolls. Si bien, no estaba del todo errado, bastaba con escuchar el track “New York” para darse cuenta de que Lydon se burla abiertamente de los defendidos por Morrissey en la canción, y deja en claro las diferencias entre los entornos de la Gran Manzana y la capital inglesa: los punks de Nueva York eran bohemios y ligados al arte, mientras que los de Londres provenían de ambientes sociales mucho más desprotegidos, casi delincuentes, lo que le dio ese cariz más desgarbado al movimiento.

Otro asistente a esa ilustre velada fue Bernard Sumner de New Order, quien recuerda dicha presentación como si fuera una revelación: “Por primera vez en una actuación en directo me di cuenta que podía identificarme y relacionarme con los que estaban en el escenario, el punk era algo que nos daba una voz y nos estaba gritando a todo pulmón”. Las palabras de Sumner cobran total sentido en “Seventeen”, que en 2:01 minutos plasma la angustia adolescente de cualquier generación, o la electrizante “Submission”, un verdadero golpe reptante que toma inspiración en el “You Really Got Me” de The Kinks, en la que Glen y Lydon se sentaron a escribir la letra línea por línea sólo para volver molestar a su manager con un juego entre las palabras “submarine” (submarino) y “mission” (misión), como una amenazante misión submarina que repta en la guitarra de Jones.

Las letras siempre fueron uno de los tópicos más importantes dentro de la banda. Lydon procuraba esconderlas por los comentarios de Matlock, sobre todo aquella rima entre las palabras “Anarchist” (anarquista) y “Anticrist” (anticristo), lo que el bajista no sabía era que esa combinación iba a ser la chispa que encendería la bomba del punk. McLaren y Jamie Reid, el encargado de diseñar las carátulas de la banda, introdujeron en la cabeza de Lydon las ideas que hasta el día de hoy constituyen ese trueno llamado “Anarchy In The U.K.”. La canción es toda una declaración de guerra, que empieza con una risotada malévola orquestada por una capa de guitarras, idea del productor Chris Thomas. El caos, la agresión y el peligro se confabulan en una atmósfera de destrucción total que no plantea soluciones, sino que intenta salir por los parlantes con la intensidad de un huracán, tal y como se vio en la primera aparición de la banda en la televisión inglesa en Granada TV el 4 de septiembre de 1976.

De hecho, fueron los mismos medios los que hicieron colapsar a Sex Pistols tras una seguidilla de polémicas en el Reino Unido, como la infame aparición del grupo en el programa Today conducido por Bill Grundy, donde le propinaron insultos como “mierda seca” y “puto canalla” después de que el animador se hiciera el lindo con una joven Siouxsie Sioux, hecho que fue comidillo de los tabloides británicos y lanzó tristemente al grupo a la fama por su errático comportamiento, lo que posteriormente provocó el despido de su casa discográfica. Es por eso que la canción “E.M.I.” escupe tanto veneno: no sólo es un ataque al sello, sino que a todo el negocio musical de los años 70; visceral, subversiva y escandalosa, la misma voracidad que se puede escuchar en “Liar”, el cinismo hecho canción con que desafían toda autoridad.

Otro ingrediente crucial del estilo Pistols era Steve Jones. Se hizo cargo del bajo debido a la ausencia de Glen Matlock –cuyo despido es materia de disputa según la fuente que se consulte– y la incompetencia de Sid Vicious, ausente en las grabaciones a causa de una ictericia que lo llevó al hospital. Para no ser un aporte en términos musicales, Vicious muchas veces se lleva un crédito excesivo sólo por su imagen, algo que incluso el eterno Lemmy Kilminster de Motörhead certificaba: “Era incapaz de tocar una sola nota en el bajo, pero aportaba mucho a la imagen, era el más Pistol de los Pistols”. Sin embargo, tuvo que ser Jones el que aportó la solidez que se necesitaba tocando de manera lineal las mismas notas de su guitarra una octava más abajo, lo que, sin saberlo, ayudó a que el producto final se escuchara tan macizo como en “Holidays In The Sun”, donde Rotten recurre al viejo eslogan situacionista “cheap holidays in other people’s misery” (“vacaciones baratas en la miseria del prójimo”) para balbucear sobre las Alemanias divididas por el muro de Berlín con un astucia impresionante.

Sorprende la capacidad que tenía la banda para traducir la cultura social de su tiempo con una pluma cínica como en “Bodies”, una canción totalmente cruda para hablar sobre el aborto de una muchacha de Birmingham que apareció una vez ante Lydon con una bolsa que contenía un feto muerto en su interior. La letra toma el punto de vista del testigo y del mismo feto abortado, con las palabras saliendo disparadas a quemarropa a una velocidad galopante. Sin embargo, es “God Save The Queen” la que logra cambiar la cara del rock para siempre. Según el mismo Paul Cook, fue escrita antes del famoso jubileo de la reina y nunca fue planeada, rondaba en la cabeza de Lydon con el título de “No Future” y la grabaron en marzo de 1977 con el nombre que se conoció en todo el mundo. Fue presentada durante el aniversario de plata de la reina y se reforzó con una campaña de marketing totalmente anárquica, liderada por McLaren. Con su retórica incendiaria y excesiva, Lydon augura la desolación total con un toque de sarcasmo que irritó a los más conservadores. Nadie nunca osó burlarse de los símbolos sociales como lo hicieron los Pistols, y eso no sólo los puso en el mapa como banda, también logró canalizar la frustración, la ira y la urgencia que se repiten generación tras generación en una ciudadanía que ve impávidamente cómo la institución monárquica se reparte la torta entre su familia y absorbe su dinero ante el beneplácito del pueblo. “Tú no escribes God Save The Queen porque odias a los ingleses, es porque los quieres”, como dijo Lyndon alguna vez.

“Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols”, el primer y único larga duración de la banda, vio la luz el 28 de octubre de 1977 y fue la materialización de un fenómeno social extremadamente interesante para la cultura popular de occidente. Es toda una declaración de principios, desde el título, que hace referencia a “dejar de decir tonteras” en la lengua de la clase trabajadora y que incluye la palabra “Bollocks” (testículos), lo que le costó a la banda una pasada por los tribunales, hasta su sonido totalmente trabajado para ser una banda de punk. De lo peor de una época surgió quizá uno de los discos más influyentes de la música del siglo XX, un trabajo que se mantiene y se mantendrá joven para siempre, que fue capaz de impregnar a gente de todos los estilos, ya sea Sumner, Lemmy o Morrissey, y supo encapsular una época. Pareciera que a Sex Pistols nunca le importó nada, pero ciertamente a todos nos importan los Sex Pistols.

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El Álbum Esencial: “La Voz de los ’80” de Los Prisioneros

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La Voz de los 80

Jorge González dijo una vez que el primer disco de una banda toma mucho tiempo porque el proceso parte desde que naces hasta que cumples edad para grabarlo, mientras que para el segundo sólo cuentas con un par de meses debido a la presión del sello. “Corazones” (1990), en rigor el primer trabajo de Jorge como solista, goza de un sonido pulcro y de una genialidad compositiva totalmente atemporal, “La Cultura de la Basura” (1987) cuenta con atisbos de experimentación y materializa el virulento sarcasmo social de la agrupación, y “Pateando Piedras” (1986) representa el cénit creativo del grupo produciendo un trabajo de alta calidad, que los posicionó como un suceso de masas. Pero es “La Voz de los ’80” el que encapsula esa energía primal, rudimentaria y cruda, que rompió con todo lo establecido como signo de una catarsis a nivel nacional en un país sumido en una gris dictadura.

Son diez cortes nacidos en la adolescencia de tres jóvenes de San Miguel que aplanaban las calles de la capital chilena entre interminables conversaciones sobre la música y su entorno. Nacieron como una banda de colegio, tocando en festivales escolares muchas veces con instrumentos prestados, sin embargo, su equipamiento más valioso eran sus canciones, creaciones que son la consecuencia de una mezcla ecléctica entre lo mejor de la música juvenil de la época, léase The Cars, Depeche Mode, New Order o The Clash, con la tradición auditiva de cualquier casa de clase media, como Raphael, Camilo Sesto o Salvatore Adamo. La sensibilidad pop con la aspereza del rock al servicio de letras inteligentes, llenas de sarcasmo, que se derraman en un disco que en la actualidad parece un compilado de grandes éxitos.

La capacidad que tuvo Claudio Narea, Jorge González y Miguel Tapia para retratar a su generación, el momento político y la cultura pop, es el gran valor que hace a este disco permanecer en el tiempo. La juventud que aparece en “Brigada de Negro”, esa que nada en alcohol y tabaco, es casi tan difusa como la sombría línea de bajo de González que serpentea por toda la canción, mientras Narea marca el ritmo con sus acordes y Tapia promueve una batería marchante, que narra la hipocresía juvenil de una felicidad hedonista que difícilmente era la realidad de la clase media asolada por la política neoliberal de los Chicago Boys. Parte de esa atmósfera aparece en “La Voz de los ’80”, canción que remece con la energía rabiosa de un trío que se quería comer al mundo desde el primer momento. A pesar de que cada obra esté anclada a su época, lo importante es cuando esta trata temas tan universales que se van repitiendo generación tras generación.

El primer larga duración de Los Prisioneros es un disco que siempre será joven, porque refiere a los temas que vive cada chiquillo o chiquilla desde que esta etapa de la vida humana emergió como una forma cultural en sí misma, después del destape mundial en los años 50. Tanto el relato del despertar sexual que se palpa en “Eve-Evelyn”, como la posterior desolación amorosa de carácter invernal de “Paramar”, son impulsivas y encaran la frustración amorosa con un relato original, el mismo que sale disparado de los parlantes de manera un poco más furiosa en “Mentalidad Televisiva”. Y ¿si la chica que perdió su imaginación para instalar un video tape ahora la perdiera para instalar la última actualización de YouTube, Snapchat o Instagram? Son los temas que, entre la ingenuidad y suspicacia, instalan esas verdades que siempre vamos a vivir, estemos en la época que estemos.

Esa aterrizada visión que ostentaba el trío siempre los hizo ver como algo distinto en un panorama musical un tanto agreste. En la primera mitad de los 80 la música de guitarras era marginal en nuestro país, el rock estaba relegado a encuentros que, si bien cimentaron gran parte de lo que después se expresaría en el underground criollo en estilos más extremos como el thrash o el punk, se veían aplastados por la culturalidad de un régimen que impuso firmemente su manera de ver la realidad, contexto clave para entender letras como “Latinoamérica Es Un Pueblo Al Sur De Estados Unidos” y “No Necesitamos Banderas”, que recogen elementos foráneos como el reggae y el ska para alinearlos a nuestras características locales. Esto choca de frente con la postura del sonido imperante en el mundo universitario dominado por el Canto Nuevo, forjado desde las raíces propias de nuestra música, y no al revés, como en el caso del rock.

Las letras pomposas y repletas de metáforas, adornadas con la complejidad de los acordes de una guitarra acústica, no podía ser más distinto al mensaje directo de “Sexo” o de “¿Quién Mató A Marilyn?” que, tomando elementos de la cultura pop, prefiguran un mensaje directo, conciso y simple de entender, aunque no por ello menos contundente. Es por eso que “Nunca Quedas Mal Con Nadie”, grabada el 6 de diciembre de 1984 –mismo día en que Jorge cumplía 20 años–, emerge como una crítica tanto a ese movimiento como también a la liviandad de las bandas que compartieron un terruño que Los Prisioneros nunca quisieron habitar. Aparato Raro, Cinema, Valija Diplomática, Emociones Clandestinas, seguidos de un largo etcétera, se subieron al carro del nuevo rock chileno y recibieron un mejor trato de las emisoras locales, cosa que no pasó con los de San Miguel, precisamente por lo filudo de su lírica.

Famoso por sus frases para el bronce, el otrora vocalista de la banda expresó: “Pocas veces nos hicieron una crítica en un diario, y las veces que lo hicieron, era para decirnos que éramos pésimos, lo último, que sonábamos mal, que no servíamos para nada y que éramos una moda no más”. El tiempo no se ha cansado de probar lo equivocado que estaban los tabloides del momento. Desde aquella foto tomada en la Vega Central en la que se ve a tres muchachos sosteniendo sus instrumentos, hasta esa camisa apuñalada como carta abierta a un amor imposible que vino a cerrar la primera etapa del grupo después de la vuelta a la democracia, Los Prisioneros marcaron a fuego la historia de nuestro país.

Su valor no está condicionado por el mero hecho de retratar a una generación que vivió momentos sombríos ­–lo que ya sería un mérito–, sino que recae en cómo tres miembros de esas escuelas numeradas, en las que les enseñaban humildad y resignación, lograron establecer un mensaje que resuena hasta el día de hoy y que se mantiene totalmente vigente. Eso habla tanto de la inteligencia de sus letras, como de una sociedad que siente un romanticismo exacerbado por muchos elementos de la cultura de épocas pasadas, sobre todo en lo que se refiere a los años 80; no por nada se sigue escuchando en la radio casi la misma música que alguna vez llamó la atención de Narea, Tapia y González.

En la actualidad, Chile sigue teniendo problemas limítrofes (“no necesitamos banderas, no reconocemos fronteras”), sigue luchando contra el machismo (“…y les sigues el juego, y les das tu dinero, y te sientes muy hombre y me río en tu cara de tu estupidez”) y seguimos presa del cinismo ahora exacerbado por las redes sociales (“pretendes pelear y sólo eres una mierda buena onda”). Los Prisioneros cambiaron la forma de ver la realidad, pero parece que somos nosotros los que no hemos cambiado tanto.


Artista: Los PrisionerosLa Voz de los 80

Disco: La Voz de los ’80

Duración: 40:22

Año: 1984

Sello: Fusión / EMI Music


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