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Albert Hammond Jr. – Momentary Masters

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Es difícil zafar del efecto que genera en un músico el pertenecer a una banda ampliamente conocida, como es el caso de Albert Hammond Jr., que ha debido construir su carrera solista en constante lucha contra la sombra de The Strokes. Algo paradójico si se piensa que, como artista en solitario, ha seguido más fielmente la línea de los primeros años de la banda liderada por Julian Casablancas. Albert ha demostrado ser parte importante del sonido del grupo neoyorkino, específicamente los dos primeros discos, “Is This It” (2001) y “Room On Fire” (2003) Analizamos ahora la tercera propuesta de larga duración, tras el EP “AHJ” (2013).

ALBERT HAMMOND JR 01El disco inicia con una grata bienvenida, como haciéndonos pasar a un lugar familiar, con un sonido reconocible para los seguidores de la carrera solista de Albert Hammond Jr., en donde “Born Slippy” presenta juegos de guitarra que hacen perfecta armonía entre sí, llenando los diferentes espacios de la canción. Cabe destacar que en esta canción se observa una clara influencia del proyecto Paul McCartney & Wings, entendiendo que el artista rinde tributo a sus influencias en cada uno de sus álbumes. “Power Hungry” se impregna de la vibra del nuevo indie pop a través de una incipiente batería que contagia con su juego de platillo y caja, sumado al acompañamiento conciso del bajo, estructurando un tema que escapa a lo antes expuesto por el artista, y afianzando su cercanía con las actuales composiciones de su compañero de banda, Julián Casablancas, flirteando de cerca con ritmos de los 80.

“Caught By My Shadow” es el ejemplo de riff potente y memorable que contagia con su línea rítmica, generando una interesante vinculación al escucharla. Irradia potencia a través de una batería con menor compresión de sonido y armonías que tienden a ser más oscuras de lo que usualmente ofrece en sus canciones. El track que le sigue inicia de manera intrigante; “Coming To Getcha” parece un interludio musical transformado en una canción completa, explorando ritmos más pausados y un minimalismo de progresión musical. Una vez que da comienzo el coro, se presenta un cambio en la atmósfera de la canción, marcado por la voz cargada de una reverberación que genera una amplificación en la intensidad vocal. El tema emblemático de esta placa es “Losing Touch”, que desde el primer instante provoca un enganche a la nostalgia de los mejores días de la banda de origen del guitarrista. Es un tema que va creciendo de manera exponencial, para instalarse de manera inmediata en la memoria musical.

“Don´t Think Twice” es ingenuo por donde se lo mire, con una sección de percusión tremendamente sencilla y una guitarra que busca de manera casi forzada calzar dentro del tempo de la canción. Recuerda a las bandas amateur que hoy por hoy invaden la escena indie norteamericana, pero que no hace justicia a un artista con trayectoria como lo es Albert. “Razors Edge” es por lejos el más lúdico del disco, llegando a generar la sensación de estar ante una rendición bien guitarreada de un tema de consolas de 8 bits. Dando continuidad a la explosión de energía que demuestra el artista en la ALBERT HAMMOND JR 02canción que le antecede, avanzamos con “Touché” y “Drunched In Crumbs”, que sorprenden con una excelente performance del baterista Jeremy Gustin, donde la resistencia le permite sacar chispas entre hi-hat y caja, lo que le da acceso a un ritmo de rock que roza en lo bailable. El ocaso del disco se da con “Side Boob”, que sigue con la fórmula de los anteriores dos tracks y que parecieran ser una triada aislada dentro del disco, reafirmando la consistencia del álbum.

Albert Hammond Jr. ha ido progresivamente mostrando una faceta más arriesgada y creativa en el plano de la composición, lo que produce una mayor cantidad de matices en sus canciones y que, a su vez, demuestra que una banda o artista que cuenta con buenas guitarras no tiene necesidad de acudir a instrumentos poco tradicionales o electro para poder reinventarse. Quienes referían que, al escuchar el EP de 2013, se apreciaba un estancamiento creativo del artista, encuentran en “Momentary Masters” el argumento más sólido para retractarse, debido a que es el larga duración que más estilos ha logrado abarcar, no significando necesariamente que cada una de esas variaciones sean totalmente efectivas. Consta de tracks que de seguro serán consideradas las joyas de Albert Hammond Jr., como también cuenta con algunas canciones que pasarán más bien desapercibidas. Tras esta degustación agridulce, uno puede decantar por reconocer a un artista con identidad propia y que no busca notoriedad, sino la redención en base a una nueva etapa de su vida fundamentada en la lucidez, y que es fiel reflejo de la energía que transmite el disco.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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