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Alabama Shakes – Sound & Color

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El centro de Alabama Shakes es su vocalista, Brittany Howard, de eso no hay duda. Es en torno a ella que el resto de la banda articula los sonidos de este entretenido nuevo disco, “Sound & Color”, y son más que dignos acompañantes, puesto que entregan matices y sonidos muy diversos, pero anclados en lo que se conoce como southern rock y también con una fuerte influencia del blues. Se podría decir que este trabajo es una especie de viaje sonoro; una experiencia con visitas en distintos paisajes musicales, donde la estación principal es el Estados Unidos profundo y tradicional.

ALABAMA SHAKES 01“Sound & Color” es un disco con diferentes experimentaciones en sonidos que conforman un abanico intenso y muy logrado. Destaca, por cierto, la canción y single “Dont’t Wanna Fight”, siendo en esa melodía donde se mueven en una zona que conocen. El gutural comienzo de Brittany nos invita una alegoría de la vida en pareja muy alegre y optimista, ejecutada de forma fluida con esa cadencia que sólo ofrece el funky y el soul. Pero el disco no se queda ahí, también hay “canciones lentas”, donde la voz de Brittany luce todos los matices que se pueda imaginar. Es el caso de “Over My Head”,  la que abre los fuegos, “Sound & Color”, y también de Gimme Your Love. Tienen aire de noche y de bar, como para ir cerrando el boliche e irse a la casa, ojalá acompañado. Son románticas (en el musical sentido de la palabra), intensas y llenas de una pasión que Howard se encarga de transmitir.

Con “The Greatest” nos brindan un poco de garage rock, composición que pareciera musicalizada por The Strokes: guitarras sucias y la melodía de la voz casi a destiempo de los instrumentos, pero con cambios de ritmo que nos recuerdan que este grupo tiene una voz propia que siempre está creciendo. Incluso hay una incursión en el rock psicodélico, lo que aporta mucho a la experiencia final del disco y que es otra muestra de que esta banda es versátil, dúctil y que no siempre opta por lo mismo. Es una larga canción, arrastrada con una guitarra aullante, donde la agrupación experimenta con música poco habitual para sus parámetros, pero muy coherente con la experiencia final del disco. “Gemini” es una prueba de que Alabama Shakes tiene mucho que mostrar, y que su estilo más característico está lejos de limitarlos, por el contrario, los incentiva al riesgo.

ALABAMA SHAKES 02Cabe destacar que la banda no es una mera comparsa de la destacada vocalista. Se nota que el grupo de músicos está más afiatado que en el disco anterior, y las experimentaciones y búsquedas musicales de “Sound & Color” encuentran una buena respuesta en Heath Fogg, Zac Cockrell y Steve Johnson, guitarrista, bajista y baterista, respectivamente. Alabama Shakes tiene sonidos simples, es decir, no encontramos en este disco grandes efectos de sonido o una producción muy invasiva. Es música que experimenta y busca, pero lo hace básicamente desde una cuidada ejecución y desde la excelencia de músicos que saben que menos es más, y que para hacer buena música no es necesario jugar mucho en el estudio. Nos encontramos con canciones que suenan como si hubieran sido grabadas en vivo.

“Sound & Color” es un disco amable al oído, variado y con canciones para casi todos los gustos. En este camino de consolidar un estilo propio, nos encontramos con el talento de una banda que sabe vestir distintos ropajes sin complicarse ni perder un ápice de creatividad o de credibilidad artística. Cada canción provoca alguna imagen o escena de película, o también puede ser la visión de alguna ciudad o pueblo norteamericano de noche. Es un disco evocador, de música popular que canta temáticas de fácil identificación: el amor de pareja, la cotidianeidad de las relaciones humanas y las dudas constantes de las personas. Alabama Shakes no inventa la pólvora musical, pero su aporte actualiza el catálogo clásico, dotándolo de fuerza nueva y renovada. Lo que hacen está teñido con una forma de ver y encarar el trabajo musical, o sea, está presente la diversidad, pero siempre reconocemos a Alabama Shakes, hay una marca de fábrica. Definitivamente, la aparición de este disco consolida a una interesante banda de músicos que, agrupados en torno a una carismática vocalista, ha hecho música con tradición, pero actualizada y mirando el futuro. “Sound & Color” es un buen augurio de lo que podemos seguir esperando de Alabama Shakes.

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Triggerfinger – “Colossus”

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Colossus

Están por cumplir 20 años de carrera. Dos décadas que parecen mucho y poco al mismo tiempo. Triggerfinger es una banda que, con cinco discos a cuestas, nada tiene que demostrar y que, sin embargo, no ha logrado encontrar el punto de despegue para llegar a la cima y codearse con los más grandes de la escena (no siendo teloneros, claro está). Pero ¿qué los hace tan especiales? No son genios incomprendidos ni nada por el estilo; de hecho, su sonido es muy fácil de digerir, sin que ello implique falta de originalidad o de agudeza creativa.

El stoner rock y el rockabilly son los componentes que perfilan la fórmula de este power trio oriundo de Bélgica, siendo un buen punto de referencia la semejanza estilística que comparte con Queens Of The Stone Age: ambas agrupaciones nacieron por la misma época, tienen una estética retro, y las dos son insolentemente seductoras y onderas. Esto último evidenciado por sus respectivos frontman, ya que, así como Josh Homme posee un carisma desbordante, Ruben Block no se queda corto, derrochando presencia escénica por montones.

El post punk se hace presente en “Colossus”, canción que da el nombre a este álbum. Parte enérgico y crudo, con la particularidad de que acá intervienen dos bajos, uno de ellos afinado lo más agudo posible buscando reemplazar a la guitarra, tarea que estos belgas cumplen satisfactoriamente. “Flesh Tight” es de esos temas que de lejos se nota que son singles: cuenta con una estructura rítmica y melódica que la hace en extremo pegadiza, adicionada a la incorporación de un teclado que, en contraste con la sugerente voz de Block, da como resultado una pieza que deja un halo siniestro escondido bajo una atmósfera retro. Muy rocanrolero.

“Candy Killer” emerge misteriosa y parsimoniosa, como aquella tranquilidad que antecede a la tormenta. Inicia con la ejecución del bajo de Paul Van Bruystegem, la que, a modo cortina sonora, mantiene la tensión y dramatismo hasta el final. Con “Upstairs Box” se manifiesta una mezcla de arreglos sesenteros de dos vertientes: por un lado se distinguen articulaciones psicodélicas procedentes de la guitarra de Block, y por otro, Mario Goossens prolonga el ritmo con una percusión al más estilo pop de antaño, elementos que se combinan armoniosamente.

“Afterglow” logra evocar pasajes crepusculares, es una pieza principalmente acústica, que destaca por su sedosidad melódica y su final, donde se desarrolla un desgarrador solo de guitarra. Después de este paréntesis auditivo, la potencia nuevamente adquiere ventaja. “Breathlessness” emerge con un aire brit, lo que, expresado a través de las seis cuerdas de Block, recuerda al inconfundible sonido de Oasis. “That’ll Be The Day” es otro de los temas que encuentran su mejor desarrollo en el coro, donde la cadencia sonora se transforma en un quiebre para una composición que tiene una estructura en base a sintetizadores y percusiones que emulan sonidos industriales. Mientras tanto, el bajo sigue siendo el que marca la pauta a través de intensos riffs. “Bring Me Back A Live Wild One” tiene buen pulso, posee algo de blues y de rock & roll, pero en una medida que le permite conservar su carácter moderno.

“Steady Me” parece sacado de una colección de lados B, o al menos no parece encajar con el esquema propuesto en este LP, jugando con el tempo, con los arreglos vocales y con distorsiones sonoras, una buena amalgama de sonidos que, lejos de asustar, se transforma en una buena forma de acercarse al término de esta lista de tracks. Acá estamos ante un desenlace por partida doble. Por un lado, “Wollensak Walk” se presenta en una pieza instrumental de blues que logra evocar parajes desérticos tipo western. Simple, pero muy efectivo; al menos ese es el final lógico. Sin embargo, 20 segundos después emerge el remate oficial disfrazado de pista oculta en una apología a la música campirana del sur de EE.UU, curiosa elección viniendo de una banda europea. Es tan hermosamente inesperado como “Das Schützenfest” de Faith No More.

Este último lanzamiento mantiene la esencia que Triggerfinger ha venido cultivando desde su debut en 2004 con su producción homónima, no obstante, aquellas experimentaciones que plasman casi al final de esta placa sugieren que existe un deseo que los empuja a salir de su zona de confort. Deseo que podría impulsar o sepultar su carrera. Sin embargo, estamos ante un disco fresco y versátil, cualidades que están lejos de ser tan solo muestra de su potencial. Han demostrado que saben cómo construir atmósferas, pues la gama de estilos presentes se logra cocinar bien en esta obra, donde lo stoner, lo ochentero, lo psicodélico y la sensualidad de la voz de Block se entrelazan, dando como resultado a este gigante, este coloso.


Artista: TriggerfingerColossus

Disco: Colossus

Duración: 36:23

Año: 2017

Sello: Mascot Records


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