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Adelaida – “Paraíso”

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Hace dos años, Adelaida nos sorprendía gratamente con “Madre Culebra”, álbum de un ánimo sombrío, cargado de reminiscencias noventeras, que se alzaría sin problemas como uno de los lanzamientos destacados de aquella temporada. Hoy Jurel Sónico (guitarra y voz), Lele (batería) y Naty Lane (bajo y voz) se aventuran con un álbum que, respetando su identidad, apuesta por hacer sonar fresco y atractivo un universo sonoro largamente conocido. Sin duda, las raíces del conjunto siguen ancladas en el shoegaze, noise rock e incluso el grunge, sin embargo, con este nuevo capítulo los porteños apuestan a consolidarse como un conjunto preparado para dibujar su propia escuela más que como un proyecto destinado a tributar escenas de otros.

“Paraíso” efectivamente entrega desde el inicio una atmósfera menos oscura que “Madre Culebra”, mezclando ánimos e intensidades para lograr desdibujar los límites que supuestamente definen la oferta sonora del trío. El inicio del álbum, sin embargo, apunta derechamente a sacudir espíritus. “Columpio”, con guitarra y percusión en rol protagónico, alterna espacios de calma y descontrol de forma prolija y atractiva, en lo que será una de las tónicas del álbum. El rasgueado comienzo de “Aurora” rápidamente da paso a pesadas distorsiones que recuerdan a Frank Black y sus muchachos, sumando fantásticos arreglos vocales que terminan por configurar un corte tremendamente seductor y efectivo. “Los Dientes”, por su parte, es urgente y directa, y apela a la musa más punk del conjunto, recordando a bandas como Los Ex e incluso a Pánico en sus primeros años. Luego de algunos minutos de descontrol el track baja las revoluciones, cerrando cautivador y reverberante. Muy bien logrado.

En esta misma línea encontramos a “Cienfuegos” y “Creofalso”. La primera de ellas –de alguna forma inspirada por los incendios que han castigado a la ciudad de Valparaíso– se llena de rabia y guitarras, es desesperada y visceral, destacando por un Jurel Sónico acertadísimo en los vocales y el enérgico trabajo de Holzapfel en la batería. “Creofalso” por su lado, con sus casi dos minutos, se instala potente y avallasadora, apuntando con el dedo hacia todos esos lugares donde desafortunadamente la falsedad y la hipocresía se han instalado como un mal endémico. Sin embargo, una de las virtudes que el grupo ha logrado pulir con éxito, es su capacidad de mezclar atmósferas. En esta línea, “1999” funciona como excelente ejemplo: inicia tranquila y amable, acompañada de un atractivo coro, para luego dar paso a guitarras de un aire stoner, cerrando contundente y efectiva.

Es justamente en la vereda en que las distorsiones dejan de ser el argumento protagónico donde Adelaida prueba su valía. “Astronube” llena de luz y primavera las páginas de este paraíso; breve, pero dulce y contagiosa. En la misma línea, “Eco” se anota uno de los momentos altos de la entrega, llena de cambios de ritmos, alternativa, compleja y atractiva. Sin duda un acierto. Mención aparte merece “La Muerte”, tema compuesto y cantado por Naty Lane, que abre una puerta totalmente diferente al resto de la propuesta, dejando la sensación de que la banda aún tiene varias cartas por jugar. Finalmente, “Despedida En La Nieve” se encarga de cerrar el viaje de forma excepcional, tanto la participación de Isla Friendship en la guitarra como los vocales femeninos con Koe y Lourdes Liss como invitadas, terminan construyendo un track lleno de matices con un cierre vocal que roza lo épico.

Correctos y con ideas claras, el trío logra despachar un álbum que los hace sonar contundentes y con propiedad a lo largo de los casi cincuenta minutos que dura este viaje. Es evidente que el conjunto ha crecido en este período, llegando a ofrecer una propuesta que, a pesar de saludar sin miramientos a una escena conocida, logra sonar atractiva gracias al lúcido juego de atmósferas y capas sonoras que ofrece la banda. Temas como “Aurora”, “Los Dientes”, “Eco” y “Despedida En La Nieve” deberían estar destinados a ocupar un lugar en el imaginario local y, si somos justos, lo cierto es que deberían mirar de frente sin inconvenientes a cualquiera de las ofertas que nos invaden desde el exterior, ganándose por derecho propio un lugar más allá de los límites de nuestras fronteras. Desarrollar un sonido propio y reconocible no es cosa fácil, y Adelaida lo ha logrado sin problemas.

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Hayley Williams – “FLOWERS for VASES / descansos”

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FLOWERS for VASES / descansos

Todos guardamos o conservamos cosas que nos recuerdan a alguna situación o período particular de nuestras vidas. Puede ser algo escrito en un papel, una fotografía, una flor seca, un envoltorio de chocolate, o cualquier cosa que probablemente (y realmente) no tenga ni un tercio del valor sentimental que tuvo en su momento. Sin embargo, cualquier simbolismo propio de esos momentos cobra un sentido totalmente diferente en los “Descansos”, algo así como el equivalente norteamericano a las animitas, pequeños santuarios en las carreteras en donde un sinfín de elementos están posados a modo de memorial en una cruz que permite recordar a los que ya no están. Ahora, tras nueve meses de haber publicado su primer álbum como solista, Hayley Williams crea sus propios “descansos” de momentos pasados a través de 14 canciones que componen “FLOWERS for VASES / descansos”, su segundo larga duración y que ella misma ha descrito como una precuela o “desvío” a su “Petals For Armor” (2020)

Desde la primera canción, “First Thing To Go”, se puede comprender claramente que el sentido artístico de este disco pasa por una expiación y auto revisión más personal que las vivencias narradas en su antecesor, mostrando a Williams en una faceta diferente; igual de personal, pero mucho más cálida y menos catártica. En ese sentido, su evolución como compositora le permite ir adoptando una narrativa más compleja y oscura, donde su papel como contadora de historias se vuelve más serio que en el colorido caos de sus letras en “PFA”, o incluso en su trabajo como la voz de Paramore. “My Limb”, por ejemplo, demuestra también un especial cuidado en el sonido, donde se nota la yuxtaposición de los elementos que ella misma grabó por su cuenta, debido a que cada nota que suena es interpretada por su cuenta sin recurrir a invitados adicionales, transformándolo en una obra que ella misma ha descrito en entrevistas como “su primer álbum completamente en solitario”.

Lo que escuchamos es cómo Williams va uniendo sus influencias, desde Dolly Parton hasta Joni Mitchell, y a partir de “Asystole” notamos cómo se adentra en las veredas del country y el folk, estilos muy arraigados en la cultura de Nashville, ciudad donde Williams reside y se estableció como artista, y que no habían sido explorados del todo hasta este momento. Así, tenemos un disco que toma cada canción como una flor, con su propio color, aroma y forma, las que son colocadas en estos jarrones para la posteridad, representando el transformar esas palabras en una canción que perdurará por siempre. Así vamos notando que en “Over Those Hills” –una de las que más recuerda a Paramore en todo este LP con las estructuras de canciones más pop y menos ruidosas que el trío adoptó en su trabajo homónimo de 2013–, la artista va desarrollando la catarsis de una forma menos exagerada, permitiendo que pueda fundirse sin problemas con una pista como “Wait On”, canción reflexiva donde Williams mantiene la línea continua de este disco, pero sin dejar de lado esa progresión de elementos que va sumando en este proceso de aceptación y crecimiento personal en base al dolor.

Y es así como este trabajo está precisamente lleno de puntos destacables, como “KYRH”, donde el piano se hace más presente, con Williams centrándose en un paisaje instrumental en el que la frase “keep you right here” se repite casi como mantra en su desarrollo, o “HYD”, otra canción en perspectiva, que esta vez reflexiona en esos episodios que, más que destrozar nuestras vidas, permiten un proceso de crecimiento personal. Indudablemente, uno de los puntos más altos de este disco es “Find Me Here”, una canción que ya se pudo oír prematuramente en el EP “Self Serenades” y que increíblemente suena más folk que su versión original, sumando porciones de dobles voces y pequeños detalles que la hacen sonar más cálida e intima que su presentación inicial. Y es que, si bien los referentes están claros, el disco no sólo se remonta a las principales fuentes de inspiración de Williams, ya que también existen reminiscencias modernas a grandes artistas como Julien Baker, Taylor Swift, Phoebe Bridgers, Lucy Dacus, o incluso el trabajo de folk con tintes avant garde que muestra Aldous Harding en sus íntimos y desgarradores álbumes.

“Descansos” es donde más se puede evidenciar la naturaleza de memorial que tiene “FLOWERS for VASES / descansos”, en que esas flores para jarrones y aquellas “animitas” de tiempos pasados pueden convivir en un espacio que se pueda volver a visitar cuando se quiera, mientras que “Just A Lover”, el broche de oro, comienza en la misma tonalidad cálida de sus acompañantes, derivando en un estruendoso coro con algunos de los pocos elementos eléctricos del LP, donde la guitarra y la batería acompañan a una voz, llegando al cierre de esta revisión a aquellos cadáveres del pasado que por fin encuentran su lugar para la posteridad mediante la música, quedando plasmados en la historia de la forma más delicada posible.

El crecimiento personal y creativo de un artista es un proceso que dura prácticamente toda la vida y, a pesar de que Paramore se haya ganado un cuestionado prejuicio en base a sus primeros discos, la naturaleza inspiradora y creativa de Williams ha logrado madurar increíblemente en un proceso de pocos años, mostrando a una compositora e intérprete que comenzó a entregar canciones robustas desde el álbum “Paramore” (2013), “After Laughter” (2017) y su trabajo solista del año pasado, culminando una primera etapa de crecimiento como narradora y compositora en este disco, una obra completamente diferente a su predecesora, pero no por eso menos complementaria. Si “Petals For Armor” fue un trabajo que ya rozaba en lo oscuro con sus letras, su producción más ostentosa no le permitió sobresalir por completo, algo que en “FLOWERS for VASES / descansos” afortunadamente no ocurre, ya que, mediante la idea de que menos es más, la artista logró hacer convivir distintos elementos para plasmarlos en 14 memoriales diferentes, todos bajo el concepto del duelo y la necesidad de aceptar ese pasado como una parte de nuestras vidas que no interfiera en la idea de futuro.


Artista: Hayley Williams

Disco: FLOWERS for VASES / descansos

Duración: 42:30

Año: 2021

Sello: Atlantic


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