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Your Name

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La animación japonesa, usualmente en su formato de series de televisión, se ha posicionado desde hace tiempo como un género conflictivo para la realidad chilena. Por un lado, el recuerdo de infancia de muchos a la luz de series emblemáticas de productoras niponas y, por otro lado, un prejuicio sobre lo que las nuevas generaciones de animadores han ido entregando en el tiempo, tachándolas de ñoñas y de calidad discutible.

Es en ese contexto que, lentamente, empiezan a destacar nombres de grandes producciones y directores japoneses que llegan a nuestro país, desde el indiscutible genio artístico de Hayao Miyasaki hasta “Koe No Katachi” (2016), que recientemente obtuvo cierto grado de aprobación positiva en las salas nacionales. “Your Name” es un nuevo intento de posicionar este género con códigos propios, los que muchas veces resultan un tanto extraños a lo acostumbrado por los espectadores nacionales.

Basada en la novela escrita por Makoto Shinkai (quien acá también las oficia de director, guionista, fotógrafo y editor), la película cuenta la historia de Mitsuha, una niña de una zona rural japonesa que sueña con ir a Tokio, quien, de manera misteriosa, un día despierta en el cuerpo de Taki, un muchacho de aquella ciudad. Será entonces que el cambio entre uno y otro obligará a ambos a cooperar para entender por qué continúan cambiando de cuerpo al dormir.

Al tratarse de una película de animación, lo primero que despierta interés es su estética y diseño de arte. El trabajo aplicado para ambientes, fondos y elementos arquitectónicos es uno de los puntos donde el filme rompe con todas las expectativas; una obra cuidada hasta el mínimo detalle, que muestra toda la maestría de Shinkai y su trayectoria al adentrarnos en una seguidilla de paisajes que sólo compiten en belleza con la pulcritud del trazo a la hora de dar vida a sus personajes. Es a través de este preciosismo estético –que no alcanza a salir de los cánones artísticos del animé contemporáneo– que la película saca el mayor provecho de sí misma, al entrelazar pistas y detalles visuales que se van interconectando a medida que avanza.

No obstante, es esta misma cercanía con el animé lo que saca a relucir uno de los pocos puntos débiles de “Your Name”: tiene una fuerte dificultad a la hora de presentarse a sí misma como una película –en la acepción más occidental y tradicional del término–, y más bien se apega a su tradición, presentando un tema de entrada y salida como si se tratase de un producto televisivo. Esto como consecuencia genera cierta extrañeza a un público no acostumbrado al contenido de animación nipona, algo que no le juega a favor en el contexto de ser un cine que, durante el último tiempo, intenta posicionarse dentro de salas de cine fuera del continente asiático.

De igual manera, la película sigue una estructura narrativa relativamente tradicional para las producciones japonesas, pero que aún resulta novedosa para el contexto chileno, aunque ya hay varios directores que se han dedicado al trabajo temporal-narrativo con resultados similares. Relatos fragmentados que exigen grandes cantidades de tiempo para que la historia se reconstruya a sí misma, enmarcados en distintos ritmos narrativos, contados desde distintos puntos de vista y con una temporalidad no lineal que va agregando tensión a medida que transcurren los minutos, hasta llegar a un gran final climático que exprime hasta la última gota emocional que la historia puede entregar.

“Your Name” es, entonces, una película que destaca jugando con el peligroso equilibrio entre lo desconocido y lo novedoso de un cine con un lenguaje propio, al que no muchos están acostumbrados a ver en las salas de cine. Sin embargo, y en el mismo sentido, es una película que no se separa mucho de dichos cánones y que, si se le juzga por su grado de innovación, es más bien conservadora; al punto de seguir de manera casi obsesiva el formato televisivo de la animación japonesa extendida a los 106 minutos que la componen.  Asimismo, debido a la falta de linealidad en la narración, “Your Name” es dependiente de la paciencia del espectador y, como consecuencia, puede llegar a dramatizar en exceso ante el público que no le entregue ese tiempo necesario para su desarrollo.

Por Ricardo Tapia

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Aladdin

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Aladdin

El ejercicio de recordar tiempos pasados ha servido como pretexto para que la luz verde sea concedida a producciones audiovisuales en formato de remakes, reboots o secuelas, y el éxito de ciertas producciones ha hecho que la industria cinematográfica estruje esta idea en base a que la nostalgia vende. Y Disney, uno de los más grandes estudios, ha seguido esta senda anunciando una serie de remakes en acción real de sus grandes clásicos animados. Luego de la sorpresa que dio “The Jungle Book” (2016), el foco ha estado puesto en aquellos éxitos que dejó el llamado “Renacimiento de Disney” en la década de los noventa, y luego del éxito comercial de la esperada “The Beauty And The Beast” (2017), se esperan muchas más adaptaciones a este formato, siendo “Aladdin” la escogida para seguir este camino.

Aladdin (Mena Massoud) es un joven ladrón que vive en las calles de Agrabah. Luego de su casual encuentro con la hija del Sultán, la princesa Jasmine (Naomi Scott), Aladdin intentará todo para conquistarla, incluso aceptar el desafío del visir a Jafar (Marwan Kenzari), quien lo hace entrar en una cueva llena de tesoros, entre ellos, una lámpara mágica con Genio (Will Smith) que vive en ella y que ayudará al joven a cumplir todos sus deseos.

La cinta original de 1992 es recordada con éxito, y luego de veintisiete años sus personajes aún viven en la memoria. Esta nueva versión cuenta con el desafío de avanzar con ese peso sobre los hombros y justificar su existencia como adaptación a los tiempos modernos, por lo que la tarea de revisitar una historia familiar se podría complicar cuando hay una nueva audiencia que recién se está familiarizando con esta historia y sus personajes. Sin embargo, en un inicio el relato decide ser contado para quienes ya conocen la historia y no necesitan grandes introducciones, pues rápidamente, y en una secuencia que se interna en los rincones del reino ficticio de Agrabah, los personajes son presentados casi asumiendo que los argumentos que cruzan la historia son de conocimiento de todo el público.

Esta apresurada introducción podría traer problemas para desarrollar el conflicto principal, pero también establece claramente que esta nueva versión es una visita a la nostalgia y quiere mantenerse fiel a su espíritu original, y lo logra sin mayor esfuerzo. Pese a que transita un camino familiar y sigue una estructura narrativa y visual muy similar a la de 1992, la modernización de “Aladdin” no pretende ser un espejo donde se pueda ver cuadro a cuadro un reflejo idéntico, otorgando algo de frescura a una adaptación que cuida sus detalles para no dañar el material de origen, pero que, al mismo tiempo, quiere tímidamente explorar nuevos rincones.

La propuesta de modernizar esta historia está principalmente en las manos de sus protagonistas y las características que a estos se les otorgan, ya que el carisma de algunos y las propiedades acentuadas de otros los hacían parecer caricaturas que sólo cumplían un propósito en función de una cinta animada. No obstante, en esta nueva versión se vislumbra la exigencia de complejizar a personajes que han vivido en la cultura popular por mucho tiempo, pero que muy poco se sabe de ellos. Y si bien se mantiene la esencia de cada uno, estos dejan el disfraz de caricatura y se transforman en seres reales, con particularidades que los acercan a tiempos modernos y que los vuelven mucho más interesantes de explorar.

El principal desafío de adaptar una cinta animada con personajes de carne y hueso radica en la interpretación de un mundo que visualmente pareciera poseer recursos ilimitados y, aun así, verse real y tangible. En ese sentido, el uso de CGI es el principal apoyo para representar lugares ficticios y personajes que muchas veces desafían lo verosímil, y en esta cinta el uso de este recurso cumple con crear este mundo lleno de magia. Aunque no deja de parecer un elemento extraño, este se adapta a la historia que quiere ser contada. Por otro lado, las cintas producidas por el estudio son concebidas y reconocidas como películas musicales, y es justamente esta característica una de las mayores fortalezas de este remake, pues la grandilocuencia visual y el trabajo de Alan Menken en los números musicales hacen que “Aladdin” funcione como un viaje ligero y entretenido de ver.

El éxito comercial que ha dejado el experimento de rehacer los clásicos de Disney es la justificación suficiente para seguir explotando este modelo. No hay manera de detener la ola de estrenos que inundarán la cartelera, evocando una época donde la nostalgia es la protagonista. Y aunque la nueva versión de “Aladdin” no alcanza a justificar su existencia por sí sola, esta logra sobrepasar la evocación de tiempos pasados y adaptarse al mundo actual, funcionando como un apropiado intento de revitalizar una historia que podría quedarse anclada en lo anticuado, pero que, resistiéndose a esa idea, logra marchar con nuevas ideas.


Título Original: Aladdin

Director: Guy Ritchie

Duración: 128 minutos

Año: 2019

Reparto: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Billy Magnussen, Nasim Pedrad, Numan Acar, Navid Negahban, Amir Boutrous, Alan Tudyk, Marwan Kenzari, Nikkita Chadha, Kamil Lemieszewski


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