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Whiplash, Música y Obsesión

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La búsqueda por la perfección artística puede durar toda la vida y consumir por completo las energías y los esfuerzos de los aspirantes a esta excelencia. El cielo es el límite y, ya sea el objetivo el ganar importantes premios, ser reconocido a nivel mundial o que nuestro nombre forme parte de la historia, la medición de este éxito parece ser más objetiva de lo que se podría creer, provocando que la lucha por lograr esta meta pueda llevar a la obsesión. La salida siempre está ahí: es uno mismo quien decide cuándo detener la búsqueda, cuándo rendirse, cuándo conformarse con el nivel alcanzado, cuándo reconocer que quizás no se está destinado a la grandeza. Pero, ¿y si rendirse no es una opción? ¿Y si ser bueno no sirve porque se debe ser el mejor? ¿Cuánto estamos dispuestos a sacrificar para conseguir nuestra idea de éxito?

WHIPLASH 01Formar parte de una de las mejores escuelas de música del país no es suficiente para Andrew Nieman (Miles Teller), un joven baterista empeñado en convertirse en “uno de los grandes”. No tiene amigos ni le interesa tenerlos, y su tiempo libre, salvo por la ocasional salida con su padre, lo dedica a ensayar su instrumento. Cuando Terence Fletcher (J.K. Simmons), un respetado profesor del conservatorio, le da la oportunidad de formar parte de su banda, en una suerte de ascenso, Andrew no lo piensa dos veces, pero esto significará someterse a su propio régimen, que integra desde abuso verbal hasta físico en su enseñanza.

Fletcher, el profesor y director, es tan intimidante como efectivo, y es uno de los primeros logros de la película el que el espectador entienda que el estado mental de sus alumnos les prohíbe cuestionarlo. Jamás es una opción el pedir clemencia cuando él los golpea o los insulta, y esto es porque, en el fondo, todos operan bajo el mismo acuerdo tácito: el de aguantar todo lo que sea necesario si eso significa que el maestro logre sacar lo mejor de sus alumnos. Andrew tiene tan claro su objetivo, que se toma esta oportunidad lo más en serio posible, lo que significa, en primer lugar, desconectarse de todo lo que no tenga que ver con la música.

WHIPLASH 02Hay un par de escenas que sugieren la existencia de un mundo exterior y lo relativamente poco que el ideal de Andrew significa más allá de las paredes del conservatorio. Pero él no está interesado en tener perspectiva, y si los demás no entienden la seriedad del asunto, allá ellos. Mientras, nosotros como espectadores nos mantenemos justo a su lado, ayudados por un trabajo de cámara que nos recluye en el claustrofóbico universo del protagonista, un ambiente nocturno en el que el tiempo sólo parece importar en la medida que sirva para practicar, para mejorar.

“Whiplash: Música y Obsesión” cuenta con pocos elementos para contar esta historia, pero todos ellos funcionan al máximo. Gran parte de su eficacia radica en un trabajo de montaje realmente impecable, una sincronía sinfónica que va marcando el ritmo entre los cortes y el sonido, enalteciendo el arte a disposición y convirtiendo este drama en un thriller cuando es necesario, dotando de relevancia lo que está en juego y señalando el peligro que significaría perderlo. Pero lo conciso y eficaz de este ensamblaje es también producto de la modesta simpleza de su guión. La historia que se está contando es una y sólo una, por lo que, como su protagonista, la película no pierde tiempo o energía en subtramas que no la alimenten o potencien. Esto significa que no ahonda en dramas familiares, peleas románticas o rivalidades con compañeros de clase, si estos no van alineados con el centro mismo del objetivo del protagonista: el lograr la grandeza y la relación con la persona que puede acercarlo a ella.

WHIPLASH 03Y ahí entra el terrorífico J.K. Simmons, que si bien pudo haber sido una caricatura, escapa del cliché por lo simple de la justificación de sus actos: todo el sufrimiento va en pos de que sus alumnos sean la mejor versión posible de sí mismos. Si se rinden o desmotivan, nunca debieron estar ahí en primer lugar, pero si lo que buscan es no simplemente ser grandes artistas, sino los mejores, lo que él hace sólo los ayudará en el camino. “No hay palabras más dañinas en el idioma inglés que ‘buen trabajo’”, argumenta Fletcher, pero a esas alturas ya todos lo tenemos claro. Es difícil discutirle cuando de lo que hablamos es de la perfección.

Es sorprendente que Damien Chazelle tenga menos de treinta años y que esta sea sólo su segunda cinta, sin embargo, el director y guionista puede descansar en la ironía de que su película sobre el esfuerzo y la búsqueda de la perfección sea un ejemplo espectacular de sus capacidades y su talento. Aunque, si algo hemos aprendido respecto a los temas que le interesa abordar, es que no se conformará con este logro y seguramente tendrá muchos más por delante, y ese simple hecho ya es alentador.

Por Ignacio Goldaracena

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4 Comentarios

4 Comments

  1. Windowpane

    12-Feb-2015 en 6:39 pm

    PARKEEEER !!

  2. Gato Cojo

    13-Feb-2015 en 3:28 am

    Acabo de ver esta película y me pareció bastante interesante, pero me dio la sensación de ver la versión para músicos de 50 sombras de grey, saludos

    • Matías D'Agostino

      16-Feb-2015 en 12:20 pm

      A pesar de que el director dice que el tema de la película es la obsesión de Andrew, hacia el final nos damos cuenta de que Fletcher tenía razón, y que el maltrato y abuso de parte de alguien que entendemos como superior es válido y nos puede hacer mejores y felices, tal como en 50 sombras. Buena observación

  3. Fantomas

    08-Mar-2015 en 1:19 am

    Tremenda película! quizás a veces cae en la exageración, pero retrata el sentir de muchos músicos que entran a estudiar. De profesores con egos enormes, pero que tienen que hacerlo ya que el resto del mundo es hostil con los músicos, para el resto del mundo es “un hobbie”. Actuaciones tremendas de Miles Teller y el siempre genial JK Simmons, que acá los 2 se ganan mi respeto. Es una película excelente para cualquiera, pero si eres músico la vas a amar y sobretodo si eres un amante del jazz. Tremenda banda sonora, visualmente impresionante y con un final épico. Años que no veia una película que me dejara con la boca abierta, a pesar de las altas expectativas que me habían dado, logro superarlas.

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Milagro en la Celda 7

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Milagro en la Celda 7

Los lazos familiares y los obstáculos que estos deben sortear para mantenerse firmes, es un tema recurrente en producciones que tienen como principal objetivo conectar emocionalmente con la audiencia, generando un vínculo que apele a las sensibilidades del espectador. Sin embargo, aquel objetivo no es fácil de alcanzar si no se cuenta con personajes que logren representar con honestidad las complejidades de las relaciones familiares.

“Milagro en la Celda 7” es el remake turco de “7-Beon-Bang-Ui Seon-Mul”, una cinta surcoreana estrenada con gran éxito en el año 2013. La historia se centra en la vida de Memo (Aras Bulut Iynemli), un hombre con discapacidad intelectual, y su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur), quienes ven cómo su apacible vida cambia cuando él es acusado de asesinar a una niña y, teniendo todo en contra, deberá demostrar su inocencia.

La primera y principal característica que resalta en “Milagro en la Celda 7” es la entrañable relación entre padre e hija, siendo cada una de sus interacciones el corazón de una historia que no pretende ser más de lo que está relatando en pantalla. En ambos se puede ver el compromiso que existe hacia el bienestar del otro y lo que están dispuestos a sacrificar (dentro de sus posibilidades) para poder estar juntos. El fuerte vínculo que los une es el motor que los mantiene firmes una vez que deben estar separados, y es así cómo el relato hace lo posible para poder resaltar aquellos momentos.

Para alcanzar tal objetivo y que resulte con naturalidad, la actuación de ambos actores interpretando a sus protagonistas logra la complicidad necesaria para hacer de su relación un vinculo creíble y capaz de enternecer la mirada de la audiencia. La dinámica de ambos juega a favor cuando quieren mostrar con total espontaneidad la relación que se ha construido, pero, además, en el momento en el que se ven distanciados, cada uno logra destacar en el entorno en el que se ven expuestos. De esta forma, logran crear personajes verosímiles y capaces de trascender a la historia en la que se ven insertos.

Por otra parte, la cinta es lo suficientemente honesta consigo misma al momento de plantear sus objetivos y lo que quiere generar en el espectador. Por lo tanto, utilizará todos los recursos necesarios para encausar y mantener el relato en el drama y, aunque a veces existen momentos de respiro para sus protagonistas, estos vuelven rápidamente a sumergirse en obstáculos que pretenden impedir esos momentos de calma. En ese sentido, su construcción narrativa está apuntando constantemente en enfatizar las dificultades que les ha tocado atravesar, donde la compasión y la empatía se vuelven esenciales para acompañarlos.

Utilizando recursos que a ratos podrían parecer insistentes, su relato se arma con el propósito de conmover a quien está viendo una cinta que no niega de su melodrama. Y aunque las técnicas utilizadas empujan con fuerza hacia las lágrimas, la sinceridad con la que se sostiene pide que esos elementos sean aceptados como las piezas que le dan el corazón a su narración.

Considerando que dicho melodrama permea cada rincón de la película, esta característica se acentúa no tan sólo con su guion, sino que también a través del montaje y la música, características que podrían poner en riesgo la complicidad con la que se ha trabajado la relación entre el relato y el espectador. Sin embargo, dichos elementos están incluidos para empujar la aflicción y lograr su principal finalidad: conmover a su público.

Con todo a su favor para lograr su propósito, “Milagro en la Celda 7” no es más que lo que promete ser: un drama familiar con los elementos necesarios para encontrar conflicto en cada paso que dan sus protagonistas. De esta forma, logra transformarse en una cinta honesta y directa cuando empieza a encausar su estructura y, a pesar de casi transitar en la desdicha, es capaz de entregar momentos de calidez apoyándose en la sencillez e ingenuidad de sus protagonistas.


Título Original: Yedinci Kogustaki Mucize

Director: Mehmet Ada Öztekin

Duración: 132 minutos

Año: 2019

Reparto: Aras Bulut Iynemli, Nisa Sofiya Aksongur, Deniz Baysal, Celile Toyon Uysal, Ilker Aksum, Mesut Akusta, Yurdaer Okur, Sarp Akkaya, Yildiray Sahinler, Deniz Celiloglu


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