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Cine

Una Familia Numerosa

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Ken Scott, director y guionista canadiense, en 2011 presentó la película “Starbuck” en el Festival Internacional de Cine de Toronto, ganando la aprobación del público, pero no tanto de la crítica en ese entonces. A pesar de esto, Scott optó por llevar más allá su historia y hacer un remake de su propio guión original, juntando actores conocidos para intentar llegar a un público masivo y angloparlante, debido a que la versión canadiense está hablada completamente en francés. Sin embargo, intentar repetir el éxito sin cambiar lo que desde un principio falló, puede ser una mala jugada.

DELIVERY MAN 01David Wozniack (Vince Vaughn) es un repartidor de carne con mala suerte, irresponsable e incapaz de encontrarle un rumbo a su vida. Inesperadamente, un día se entera que es el padre biológico de 533 hijos, ya que hace 20 años fue donante para un banco de esperma. Él firmó bajo el seudónimo de Starbuck, por lo que la clínica debe mantener su identidad anónima, pero 142 de sus hijos exigen saber su nombre a través de una demanda. David recurre a su amigo y abogado Brett (Chris Pratt), quien le ayudará a enfrentar a la justicia, mientras a la par su novia Emma (Cobie Smulders) le cuenta que será padre nuevamente. En el intertanto, descubrirá que sí tiene un fin en la vida: ser un ángel guardián para sus cientos de hijos desconocidos.

Podría creerse que con una premisa tan banal se sientan por adelantado las bases para una comedia que toma caminos conocidos y efectistas. No obstante, cuando se da un giro emocional y se agregan elementos que pueden ser trasladados a la vida real, el drama comienza a tomar forma y relegar los tintes cómicos principales. Esta es posiblemente la mayor –y única- cualidad que tiene la historia creada por Ken Scott: una visión más realista de una idea extraña, que no dejamos de pensarla como algo que realmente podría ocurrir. Pero ojo: no es algo positivo del todo, porque donde parece triunfar, también se cae rotundamente.

DELIVERY MAN 02Lamentablemente, tan pronto como nos disponemos a dejar que la historia avance, la película se atasca por la falta de movilidad: es estática y plana, tanto en cada uno de sus personajes como en las tomas y los sucesos, donde se tira todo hacia los extremos de la autoayuda, con frases cliché y nada naturales. Es más, todo parece forzado y artificial. Vince Vaughn, un rostro imposible de desligar de las comedias, siempre ocupa el lugar de los personajes más fuertes o rudos –toscos, si se quiere-, por esto, cuando le toca ponerse un traje algo más dulce, no le queda bien y la emocionalidad principal, cúspide de la historia, termina por ser extraña, falsa y sumamente tediosa, más aún cuando pretendía ser sencilla o diferente.

Por otro lado, hay una cantidad de personajes desaprovechados en sus papeles que resultaban interesantes, pero que son dejados de lado para introducir otros menos atractivos para la historia. Pero, sobre todo, el desprecio total hacia Cobie Smulders que es instalada en un papel simplemente maternal. y el vuelco nada gracioso del personaje de Chris Pratt, que debía ser el bastión del comic relief, pero que concluyentemente agrega más a la desgracia evidente.

DELIVERY MAN 03Y donde está el mayor atributo, la emocionalidad y el realismo, también está la mayor debilidad: la comedia, que sutilmente se introduce y se mantiene por lo bajo, poco a poco comienza a desvanecerse ante nosotros y no es retomada con la determinación esperada en ningún momento, lo que va en desmedro de esta propuesta que, a pesar de ser madura, no puede descartar rotundamente algo necesario para mantener la atención y salvaguardar la historia.

A fin de cuentas, no es una comedia total como la que se nos intenta vender, tanto por los actores que integran el elenco, por la trama principal o por el tono presente, es simplemente un drama que no alcanza a teñirse con las características necesarias para ser considerada una obra ligera y entretenida, porque pone sobre la mesa temáticas de la vida real y las trata de una forma normal, acudiendo una y otra vez a los caminos conocidos e intentando dejar un mensaje que de pronto no queda realmente claro. Desgraciadamente, un retroceso para la incipiente carrera hollywoodense de Ken Scott.

Por Daniela Pérez

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Duna

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Duna

Adaptar la novela “Dune” de Frank Herbert a la pantalla grande, ha sido ambición del séptimo arte desde su publicación en 1965. Conocidos son los casos de Alejandro Jodorowsky con un proyecto que, sin nunca haberse concretado, alcanzó estatus de culto, y el de la cinta de 1984 de David Lynch, fracaso crítico y de taquilla, que a la postre se convertiría en la única mochila con la que uno de los mejores directores del mundo ha debido cargar. De esta forma, la adaptación 2021 de “Duna”, a cargo del connotado Denis Villeneuve, se convertía en el esperado gran evento cinematográfico del último tiempo.

Es el año 10.191 y el emperador Shaddam IV mandata a la Casa de Atreides, regida por el Duque Leto, a trasladarse al desértico planeta Arrakis para encargarse de la explotación de la Melange, una sustancia con propiedades asombrosas. Leto se muda junto a Lady Jessica, su concubina y parte de la Bene Geserit (un grupo de misteriosas mujeres con habilidades mentales), y su hijo Paul, un muchacho que es percibido como una especie de mesías, además de todo su ejército y hombres de confianza, pero apenas llegan al lugar, percibe que, más que un servicio de honor, la movida podría ser una trampa del imperio en colusión con la Casa Harkonnen, regida por el malvado Barón Vladimir, para acabar con los Atreides.

En sus primeros minutos, lo primero que llama la atención de “Duna” es su empleo práctico de las secuencias: a diferencia de la cinta de 1984, e incluso de la misma novela, Villeneuve establece el universo de la historia sin muchos guiños a los aspectos filosóficos y psicológicos de los personajes, más bien va dejando en claro quién es quién y cómo se mueven dentro del tablero para luego, tal como ha hecho con sus películas anteriores, ir soltando pequeñas bombas de información y las motivaciones de cada personaje. Y esto se agradece, pues ese mecanismo le permite a la cinta avanzar sin tropiezos en el ritmo que establece en un principio.

Además del meticuloso guión, que denota un esfuerzo por incorporar todos los frentes de los postulados con los que Herbert nutrió su obra, lo anterior es encarnado por un reparto que está más que a la altura de las circunstancias, moviéndose por todos los extremos, mezclando de manera natural la impronta shakespeariana con las más atrevidas acrobacias físicas. En este sentido, Timothée Chalamet, como protagonista y quien más debe hacer gala de aquel rango dinámico, da el ancho a cabalidad. Por otra parte, destacables son las actuaciones de Charlotte Rampling y Stellan Skarsgård, quienes, con un velo sobre el rostro la primera y grandes capas de maquillaje el segundo, impresionan en sus cortas apariciones, sobre todo la presentación del Barón Harkonnen evocando sin empacho alguno a “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola.

Pero “Duna” también es una historia épica y bélica, donde el diseño de producción, los artilugios y el vestuario cumplen un rol importante, y en este aspecto la cinta deja boquiabierto. Se agradece que Villeneuve en su mayoría opte por efectos prácticos y sólo aplique CGI de manera circunstancial (gran acierto la forma en que es representada la Melange en el aire). Está todo tan bien trabajado, que queda la sensación de que uno como espectador jamás ha visto una puesta en escena como la que plantea el director junto a su equipo creativo y técnico, destacando los diseños de Patrice Vermette (con quien también trabajó en “Arrival” de 2016) y la fotografía del australiano Greig Fraser, últimamente un especialista en escenarios épicos, resaltando de distintas maneras en la ambientación de los planetas, cada uno con sus singularidades lumínicas. Como complemento a la maravilla visual, el diseño de sonido es impecable, y el score de Hans Zimmer, pese a sus pocas sutilezas por momentos, acompaña adecuadamente el relato y tiene un par de melodías que dejan sin aliento al son de sus característicos tambores y la destrucción que se muestra en pantalla.

Así como las virtudes de la película son evidentes, también lo son sus pequeños defectos. Al ser una novela con un abanico tan amplio de tópicos, Villeneuve es consciente de que debe elegir caminos, y en ese accionar va perdiendo los temas o, más bien, el foco va alumbrando discriminadamente a medida que el metraje se acerca a su último acto. Lo anterior genera los pasajes más bajos en cuanto a diálogo, ya que se ve en la obligación de desprender información de forma gruesa a través de los personajes para mantener el equilibrio de los hilos conceptuales, desembocando en un cambio de percepción rítmica. También hay ciertos datos que son omitidos, pero que en la cinta terminan siendo cruciales, casi como dirigidos exclusivamente al lector de la novela. Sin embargo, esto es apenas un lunar dentro del gran marco que la película propone, y bajo ningún sentido le resta mérito a todo lo visionado antes de los créditos finales.

“Duna” es un espectáculo narrativo y visual que le hace justicia a la gran obra de Herbert, donde la política, la religión, la ecología y el romance de la novela (este último sólo oníricamente) son tratados respetuosamente por Villeneuve, pese a las libertades creativas que se toma, donde los más puristas podrían poner el grito en el cielo. Si Jodorowsky representó el anhelo y Lynch el ensayo, Denis Villeneuve encarna el sueño cumplido, aunque sea de aquellos en que uno despierta a la mitad y se esfuerza por volver a dormir y retomarlo, simbolizando una segunda parte y final que, como ya es sabido, lamentablemente está supeditada a su resultado en la taquilla.


Título Original: Dune

Director: Denis Villeneuve

Duración: 155 minutos

Año: 2021

Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista


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