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Un Monstruo Viene A Verme

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El dolor, la rabia y la impotencia ante la pérdida de un ser querido no son sentimientos fáciles de afrontar a ninguna edad. Incluso mayores, pese a la evidencia de un destino inexorable, intentamos combatir lo inevitable con el único fin de encontrar consuelo frente a las demás posibilidades. Nunca es fácil dejar partir a quien amamos y el temor, la angustia y la incertidumbre son monstruos siempre presentes, hasta que la muerte se hace real. La idea original de la escritora Siobhan Dowd fue llevada póstumamente al formato de novela ilustrada por la pluma de Patrick Ness. El mismo escritor adaptó el premiado libro infantil a guion cinematográfico, obra que bajo la dirección del español Juan Antonio Bayona explora, a través de una oscura y bella fantasía dramática, el temor de un pre adolescente ante la pérdida de su madre que sufre cáncer terminal.

Pesadillas recurrentes, bullying en el colegio, un padre ausente, una abuela estricta (Sigourney Weaver) y el cáncer terminal de su madre (Felicity Jones) son parte de los problemas que Conor O’Malley (Lewis MacDougall) debe enfrentar a su corta edad. Pero una noche inesperada, un extraño monstruo (Liam Neeson) lo visitará para contarle tres historias sin conexión aparente, que lo llevarán a descubrir y enfrentar sus miedos más ocultos.

“¿Cómo comienza esta historia? —Con un muchacho demasiado grande para ser un niño; demasiado joven para ser un hombre”. Con esta voz en off, “Un Monstruo Viene A Verme” presenta previamente que no estamos frente a una inofensiva cinta fantástica para niños (como erróneamente se presenta al público), sino que nos encontramos con una obra más real, completa y dura de lo que quisiéramos. Por un lado, se entrega una historia donde la magia se hace presente de manera inusual, invitándonos a imaginar; pero por otro, se hacen tangibles los sentimientos desalentadores de un tema arduo de afrontar.

Aunque los mensajes trabajados en sus formas y fondos se pueden presentar confusos para las audiencias más pequeñas –y también lo puede ser para aquellos que no han vivido algún tipo de agonía cercana–, la ferocidad de la temática tiene un tratamiento simplemente fenomenal y completo. Sí: es oscura, triste y reveladora, pero también es real, sincera, inocente y delicada. Tanto para el protagonista como para los espectadores, el enfrentamiento feroz de una situación propia de los seres vivos dispone a realizar una introspección áspera y humana que repercute en emociones dolorosas y sentimientos encontrados, pero que a través del camino propuesto en la cinta se van desplegando en significados propios para las situaciones ficticias y las verdaderas.

En general, es muy difícil hacer cine que trate y retrate el dolor de la muerte segura producto de enfermedades incurables sin caer en efectismos vagos. De manera errónea, la reciente “Collateral Beauty” (2016) propuso que es posible encontrar belleza hasta en los hechos más terribles que suceden a los hombres, pero no se advertía que los consuelos artificiales son el peor remedio contra un hecho existente, pues generan aún más sufrimiento que el presente. Tal vez no hay belleza pura en el dolor, pero sí es posible transformarlo y sobrellevarlo, por mucho que cueste. Esa es precisamente una de las tesis de “Un Monstruo Viene A Verme”.

Con una atmósfera que recuerda el estilo de “Where The Wild Things Are” (2009) y “El Laberinto del Fauno” (2006), un ritmo pausado –que a ratos cuesta enganchar–, poco a poco las escenas impregnadas en diferentes emociones cobran forma tocando hasta las fibras más profundas disponibles. Con un protagonista que no es necesariamente extraordinario, pero que sí transmite tras sí el peso de llevar el dolor, se logra un relato sincero, que guarda años de agonía pura y que de alguna forma se desahoga catárticamente por un camino que hace sentido, más allá de la magia captada con el CGI.

Las actuaciones de los protagonistas, e incluso la voz otorgada por Neeson, ayudan a formar una atmósfera tan amigablemente conocida como extrañamente sombría. Hay secuencias animadas y reales armadas con profunda belleza, construidas desde la delicadeza de una verdad cruda y sublime que en todo momento demuestra lo terrenal de sus cimientos. Los planos macro logrados sutilmente con lentitud y significado, tomas aéreas captadas con gran perfección y un sentido único del uso de silencios, conforman una sinfonía abrumadora que no teme ahondar en resquicios desgarradores. Y aunque peque de diálogos imprecisos o situaciones enredadas, el encuadre realista a través de los toques de perfecta fantasía lóbrega logran un clímax completamente emocionante, si se le permite, hasta las lágrimas.

Por Daniela Pérez

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Coco

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Coco

Pixar ha demostrado con cada uno de sus estrenos la capacidad que existe para mezclar universos narrativos complejos, que logran conectar profundamente con el espectador, y una construcción visual que sirve como escenario perfecto para desarrollar estas historias. “The Good Dinosaur” (2015) fue la última cinta con una historia original antes de dar paso a “Finding Dory” (2016) y “Cars 3” (2017), instaladas en universos ya conocidos por el público. Por lo tanto, la llegada de una nueva historia con personajes desconocidos crea la expectación necesaria para el estreno de “Coco”, cinta basada en la festividad mexicana de Día de Muertos y que pretende ser un fiel reflejo de la cultura de aquel país.

Miguel es un niño de doce años que sueña con convertirse en un gran músico, pero los conflictos del pasado han hecho que la música sea prohibida en su familia, cuya tradición es la zapatería. Justo en la noche de Día de Muertos, Miguel viaja mágicamente a la Tierra de los Muertos, donde descubrirá historias de su pasado familiar que lo acercarán a su sueño.

Retratar una cultura ajena aparenta ser un gran desafío al transitar entre el homenaje y los estereotipos. Afortunadamente, esta cinta logra retratar las tradiciones de la cultura mexicana, teniendo un particular cuidado con los detalles que componen el pueblo ficticio de Santa Cecilia, donde todo parece real y puesto de tal manera, que sirva como fiel reflejo de lugares en el que abundan tradiciones. Por lo tanto, la celebración de Día de Muertos sirve como pretexto perfecto para simbolizar visualmente estas ideas, a ratos recordando a “The Book Of Life” (2014) –cinta basada en la misma festividad–, pero profundizando mucho más en las razones de ella, donde las flores conocidas como cempasúchitl, el papel picado y las ofrendas adornan también la pantalla.

La historia gira en torno a Miguel y su sueño de ser músico, quién en un pequeño y escondido cuarto en el entretecho de su casa da rienda suelta a su pasión, mientras practica guitarra sin que nadie pueda oírlo. Y a pesar de su estrecha relación familiar, la oposición de estos hará que él forme un carácter obstinado y perseverante. Así, su pasión por la música será lo único que pueda ayudarlo cuando quiera encender una llama inerte en su familia, una que tiene que ver con el perdón y el olvido. Miguel emprenderá el viaje del héroe para poder alcanzar sus sueños, pero aprendiendo más de lo que esperaba.

El primer acto de este relato está centrado en explicar el contexto familiar del protagonista, pero una vez que llega el día de la festividad y sorpresivamente Miguel logra cruzar a la Tierra de Los Muertos, la cinta arranca rápidamente en un viaje lleno de atractivos visuales, con un trabajo de animación que caracteriza al estudio y que se manifiesta al crear un original y colorido mundo, el que se asemeja a una ciudad, pero exacerbando sus atributos y fantaseando con la idea de la vida después de la muerte. Este lugar poblado de magia, donde se pasean los esqueletos de difuntos y alebrijes que cobran vida, es el escenario para que Miguel se encuentre con antiguos miembros de su familia, quienes intentarán llevarlo al mundo de los vivos, pero las condiciones de este hecho podrían acabar con su sueño para siempre, por lo que emprende una cruzada para volver, a su manera y arriesgando el apoyo de su familia.

En un principio su propuesta narrativa podría parecer simple, pues la dicotomía entre el sueño del protagonista y su deber familiar o social es una temática que ya ha sido trabajada en cintas animadas, sin embargo, una de las características de Pixar es sorprender con la sólida construcción de una historia que logre emocionar a partir de un entramado narrativo que va encajando piezas hábilmente. Y aunque a veces se toman decisiones que podrían ser predecibles y el desarrollo de su antagonista quede un tanto débil, la sorpresa y las situaciones conmovedoras están garantizadas y bien trabajadas para no parecer superficiales.

Basada en aquella festividad mexicana, es inevitable que la muerte esté presente como temática, pero no lo hace desde un punto de vista lúgubre y distante, más bien se concentra en los recuerdos y cómo estos conforman los lazos humanos y, sobre todo, familiares. Tal como en “Kubo And The Two Strings” (2016) acá se trabajan con delicadeza estas temáticas: la familia también está puesta al centro, pero alrededor ronda el perdón, el olvido y cómo ciertos sacrificios son realizados con el propósito de fortalecer aquellos lazos cuando se busca el bienestar desinteresado del otro.

“Coco” destaca principalmente por su detallada construcción narrativa, la que entrega como resultado una historia emotiva, centrada en la familia, con personajes carismáticos que otorgan momentos de diversión, insertos en un mundo que mezcla la realidad y la fantasía. Y, al mismo tiempo, capturando gracias a su un encanto visual un claro homenaje a México y sus tradiciones.


Título Original: Coco

Director: Lee Unkrich y Adrian Molina

Duración: 109 minutos

Año: 2017

Reparto: Animación

 


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