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Un Momento de Amor

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Las historias de amor han sido siempre un foco de atracción a la hora de narrar, desde los amores imposibles hasta las grandes pasiones que constantemente inundan todos los productos artísticos, o desde el arte hasta la televisión y el cine. Es por esto que es difícil encontrar una propuesta que revista alguna novedad sustancial en el modo de contar o hacernos partícipes como espectadores de un idilio amoroso. “Un Momento de Amor”, cinta que viene de la mano de Nicole Garcia y basada en la novela de Milena Agus, es un nuevo intento de hacer ese cruce entre amor, locura y pasión que promete atrapar al espectador entre sus garras, pero sin lograrlo en ningún momento. Un intento fracasado que, a pesar de su estética y el notable trabajo actoral, no se encamina hacia ningún lado y termina por impresionar al espectador más por la forma en que logra boicotearse a sí mismo que por su propuesta o lo que pueda transmitir con ella.

Una de las dificultades transversales de este filme es, sin duda, su enrevesada forma de contar una historia que es en principio muy simple: Gabrielle Rabascal (Marion Cotillard), se entrega a un matrimonio infeliz tras ser rechazada por su profesor de historia en la juventud. Luego, presa de una enfermedad conocida como el Mal de Piedras, conoce a su gran amor, André Sauvage (Louis Garrel), en un centro de tratamiento.

Hasta este punto la historia tiene mucho potencial, claramente no por su originalidad, pero sí por su fuerte trabajo estético y la delicadeza que tiene Nicole Garcia para llevar el ritmo de una película que exige la atención del espectador para poder entrar en su sensibilidad. Sin embargo, tras los primeros treinta minutos de metraje, la narración se vuelve plana y las motivaciones de los personajes son cada vez más falsas. Los puntos álgidos de la historia amorosa se ven prontamente forzados gracias a una narración pretenciosa y sin contenido, que se esmera en dar dimensión a personajes crípticos que no tienen ninguna razón de ser. Adicionalmente a ello, la historia general de Gabrielle (Marion Cotillard) se ve atravesada por una serie de microhistorias que no alcanzan a desarrollarse, dejando un sentimiento de incomplitud total a medida que el personaje principal se sume más y más en sus recuerdos, dejando el resto de contenido como un mero decorado sin importancia ni valor.

En lo sonoro, la propuesta de la película tampoco alcanza a madurar en su totalidad. Un trabajo desde el silencio y los ruidos naturales que distienden una narración que ya ha sido suficientemente mal planteada, generan una atmósfera de espera notable. No obstante, a pesar del buen trabajo en generar dicho ambiente sonoro, la película se traiciona a sí misma con la ocasional entrada de pistas de audio contra este silencio al natural que se configuraba como uno de sus grandes puntos. Dichas entradas, a su vez, no logran encontrar una explicación plausible a medida que los minutos avanzan, dando la impresión de que –en un afán por hacer una buena película– la dirección auto boicotea su propio trabajo al bombardearlo de una mixtura de lenguajes nacidos desde la pretensión y no desde una propuesta artística sólida.

Finalmente, desde el punto de vista del trabajo de cámara, color y espacio, la película hace gala de exquisitos ambientes arquitectónicos y naturales, que sólo encuentran su contrapunto en la performance comedida y visualmente agradable de sus actores. El juego de colores, punto indiscutiblemente fuerte de la propuesta, logra formar un lenguaje propio que se enlaza con la emocionalidad de su protagonista.

Sin embargo, dicho juego, que empieza a hacerse crucial a la hora de desvelar la trama hacia la segunda mitad de la película, comienza a verse mal utilizado por las fijaciones sin sentido de su guion: la intimidad de la protagonista –usualmente ligada al sexo y a colores oscuros– mantiene en penumbra gran parte del gran trabajo actoral de Marion Cotillard y desaprovecha en gran medida la amplia paleta de colores que haría de esta cinta una joya visual del paisajismo europeo.

Es debido a estas razones que, tras ver “Un Momento de Amor”, sólo quedan dos preguntas que hacer: “¿Qué?” y “¿Por qué?”. Interrogantes que nos hablan de un trabajo pretensioso que no logra plantearse con claridad, que no consigue encantar y mucho menos hacer sentir algo a la audiencia. Es en medio de esta reflexión sobre las razones que harían justificable contar esta historia, que el giro final del argumento se presenta como un insulto a la sensibilidad e inteligencia de quien mira este filme, terminando de lapidar un intento que en su punto más álgido solo podría ser calificado de mediocre.

Por Ricardo Tapia

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La Mirada Incendiada

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La Mirada Incendiada

Tiempos de dictadura, un hijo de exiliados políticos que vuelve a Chile por cuenta propia y un crimen de crueldad inconmensurable por parte de las fuerzas de orden. El tercer largometraje de ficción de la directora Tatiana Gaviola, “La Mirada Incendiada”, inicia con las palabras “Inspirada en un hecho real”, tomando como punto de partida el conocido Caso Quemados, atentado en el que Carmen Gloria Quintana y Rodrigo Rojas de Negri fueron víctimas de un ataque incendiario por parte de militares a plena luz del día en la vía pública.

Protagonizado por Juan Carlos Maldonado en el papel de Rodrigo, el filme prometía sin duda ser un aporte para la memoria de nuestro país, dada la historia en cuestión y su contexto, sin embargo, esta promesa metamorfoseó hasta convertirse no sólo en polémica, debido a la nula influencia que tuvo la familia de Rojas de Negri en materias de decisión cinematográfica, sino que también es una cinta que no cumple del todo con los objetivos que parece perseguir.

El inicio de la película muestra a Rodrigo volviendo a Chile con una cámara bajo el brazo y el propósito de desempeñarse cómo fotógrafo profesional. Tras andar un rato medio perdido, y luego de ser ayudado por una amiga vecina de su tía, logra llegar a la casa de esta y sus dos primas menores, quienes cariñosamente lo acogen a lo largo de la trama. Tras esto, se forjan lazos emotivos que dan cuenta de la personalidad dulce y templada del protagonista. De esta forma, se retrata claramente cómo Rodrigo influyó en la vida del resto de los personajes mediante escenas variadas, que muestran momentos íntimos en los que estos interactúan, desde conversaciones nocturnas y abrazos diurnos, hasta experiencias traumáticas que refuerzan vínculos.

A lo mencionado anteriormente, se suma la manera en que los personajes se comunican entre sí. Si bien, el guión resulta claro y conciso, los intercambios de palabras se articulan principalmente a través de diálogos medianamente breves y en ocasiones incluso un poco rígidos, cayendo en la sobre explicación del contexto dictatorial en el que ocurren los eventos una y otra vez, resultando en parte obvios. Además, el guión demuestra la clara intención de introducir gran variedad –y cantidad– de expresiones y/o dichos chilenos, dando así a entender una identidad lingüística acertada, que da cuenta de aspectos de nuestra cultura, pudiendo haber sido presentado de manera igualmente oportuna, pero a través de matices más sutiles.

Por otro lado, Rodrigo es retratado a través de conversaciones y acciones como un joven que no se encuentra realmente al tanto ni de la situación a nivel país, ni de las restricciones que esto implica, modificando el relato y añadiendo romanticismo mediante la presencia de un protagonista en parte inocente, que sueña con denunciar las injusticias del golpe sin pensar en repercusiones. En este sentido, resalta también el carácter poético que busca reflejar la voz en off de narradora de la historia –perteneciente al personaje de Carmen Gloria Quintana–, sugiriendo la existencia de una profunda relación previa al hecho incendiario entre Carmen Gloria y Rojas de Negri, interpelando acciones y decisiones tomadas por el protagonista. Esto agrega de manera similar un toque de romanticismo que resulta algo forzado y, sobre todo, algo lejano a la realidad de los hechos.

En cuanto a la atmósfera, la película logra reflejar el miedo colectivo y la tensión de la época, además de espacios y elementos característicos que resultan clave para retratar el período, tales como cacerolazos, protestas y allanamientos. Las escenas no son demasiado largas, por lo que hacen que la cinta sea dinámica y en su mayoría liviana, teniendo en consideración la carga del tema que trata. Sin embargo, esto mismo es lo que también genera que en algunas ocasiones se pierda un poco la continuidad entre una escena y la siguiente.

Por último, cabe destacar que, si bien las heridas dejadas por el flagelo dictatorial a lo largo y ancho de este territorio siguen estando cargadas de un rojo fresco y humeante, vale la pena que historias como estas vean a la luz en el formato cinematográfico, alimentando la memoria de nuestro país mediante expresiones artísticas cargadas de historia. Por desgracia, “La Mirada Incendiada” no cumple del todo con este objetivo, quedando al debe principalmente en temas de fidelidad con la memoria histórica nacional y la empatía hacia víctimas del caso, ya que, a pesar de que se deja en claro que el filme tan sólo se inspira en los hechos reales, este sin duda abre paso a preguntas que vale la pena hacerse. ¿Hasta qué punto es viable mezclar realidad y ficción? ¿De qué manera abordar temáticas delicadas de la manera más empática posible? Lamentablemente, en ese sentido “La Mirada Incendiada” desarrolla su narrativa omitiendo aquel elemento tan importante.


Título Original: La Mirada Incendiada

Director: Tatiana Gaviola

Duración: 102 minutos

Año: 2021

Reparto: Juan Carlos Maldonado, Catalina Saavedra, Gonzalo Robles, María Izquierdo, Cristina Aburto, Constanza Sepúlveda, Belén Herrera, Pascal Balart, Estrella Ortiz


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