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Titanes del Pacífico

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Cada año hay un puñado de películas que generan expectativas. Las premisas, las actrices, actores, directores o productores involucrados, las franquicias revitalizadas o las que se traspasan por primera vez a la gran pantalla, son elementos que llaman la atención de la industria, de la prensa que la rodea y, por supuesto, del público asistente a las salas, que ven durante esta época cómo la cartelera se nutre de superproducciones que buscan romper los records de recaudación.

PACIFIC RIM 01En este sentido, Guillermo Del Toro es un director que se ha ido haciendo un nombre en ese círculo. Desde la bien recibida adaptación de “Hellboy”, pasando por el inesperado éxito de “El Laberinto del Fauno” (2006). Los proyectos en los cuales se ha ido involucrando, han generado ansiedad tanto en sus feligreses como en el público en general. Después de fallidos intentos de ponerse tras la butaca de director en la adaptación de “El Hobbit” o de llevar a la pantalla grande “En Las Montañas de la Locura”, Del Toro dedicó todas sus energías en sacar adelante “Titanes del Pacífico”, una película que llamó la atención de muchos por su premisa –robots gigantes peleando con monstruos gigantes- sino también por ser uno de los pocos blockbusters de este año que no forman parte de una franquicia ya en curso.

Criaturas extraterrestres de gran tamaño han invadido el planeta y desde el lugar menos pensado: el fondo del pacífico, a través de una brecha dimensional. Los monstruos, denominados “kaijus” arrasan con todo a su paso. La humanidad se ha unido con el fin de enfrentarlos, creando robots de gran tamaño llamados “jaegers”, capaces de luchar con ellos y que deben ser controlados simultáneamente por dos pilotos. Con el tiempo, los jaegers prueban ser insuficiente defensa ante las bestias y comienzan a ceder terreno. Ante esta situación, el oficial a cargo del programa Stacker Pentecost (Idris Elba) debe recurrir al ex piloto Raleigh Becket (Charlie Hunnam) para que una fuerzas con la novata Mako Mori (Rinko Kikuchi) a bordo del antiguo robot Gipsy Danger y preparar un ataque final contra los invasores.

PACIFIC RIM 03Si bien está pensada como una película para una audiencia masiva, los fanáticos encontrarán demasiados elementos familiares que serán de su deleite. Y es que para estos resultan evidentes las fuentes de donde beben el guionista Travis Beacham (“Furia de Titanes”, 2010) y el propio Del Toro para construir la historia. Esta columna es demasiado breve para enumerar la cantidad de series de anime, de carne y hueso y de películas que sirvieron de fuente de inspiración para esta producción. Sin embargo, sí es posible indicar que todos estos elementos son agregados a la película con el cariño y respeto de quien ha gozado y nutrido su imaginación con estas historias desde la infancia, y que probablemente estaba ansioso por plasmar estas imágenes en la pantalla grande desde que tuvo una cámara en sus manos. La tradición de los mechas y kaijus no ha sido profanada por recaudar un par de dólares más.

Además, Del Toro imprime su sello a través de una estructura narrativa sólida, sabiendo perfectamente en qué momento aplicar acción desmedida, pausa, drama, emoción y suspenso. Clásicos también son sus pequeños momentos de comedia, que no satura ni interrumpe la historia. Todo en su justa medida, sin abusar de conocidas fórmulas de las superproducciones actuales para no traicionar al género al cual pretende rendir homenaje, por lo que no veremos destrucción excesiva ni explosiones a raudales mientras alguna damisela en peligro y de buen ver corre entremedio de los escombros.

Aún así, no todo es perfecto. El desarrollo de los personajes no es del todo prolijo, al punto de que –como es usual en este tipo de producciones- el destino de algunos de ellos puede no terminar importándole al público. Charlie Day, Burn Gorman y, en parte, Ron Perlman se lucen como el relevo cómico que aligera el tono de la película. Charlie Hunnam, en tanto, no logra dar con la talla del héroe, aún cuando tampoco arruina la película con una actuación para el olvido, limitándose a sacar adelante la tarea. Quien definitivamente se luce en su rol es Idris Elba como un militar de tomo y lomo, recio y duro, pero de buen corazón, con bastantes momentos en los que debe imponer su estampa, tan grande como los robots que deben pilotar sus dirigidos.

El apartado técnico, en cambio, es en donde “Titanes del Pacífico”  se luce ostensiblemente. De partida, da cuenta del avance de la técnica del CGI a la hora de crear monstruos cada vez más creíbles y ciudades destruidas a pasos agigantados. Nadie podrá negar también la espectacularidad de las escenas de lucha entre robots y monstruos gigantes, aún cuando no faltará el que se queje de la oscuridad en la cual se desarrollan la mayoría de estas, lo que mermaría un poco el efecto buscado. Esta película está hecha para verse en la pantalla más grande posible, ya que la brutalidad de las luchas, con impresionantes coreografías digitales, parece pedir más y más espacio para destacarse lo más posible. En cuanto al 3D, como en toda post conversión el efecto pierde cierta gracia, y por momentos parece imperceptible, por lo que no le añade valor a la experiencia.

“Titanes del Pacífico” no es más que lo que sus afiches y avances prometen: robots gigantes luchando con monstruos gigantes, acción y destrucción a gran escala, momentos para quedar con la boca abierta y las pupilas bien dilatadas, y es por ello que probablemente sea uno de los éxitos del año. Una película que llena todas las expectativas que se pudieran haber hecho aquellos que la esperaban con ansias.

Por Rodrigo Garcés

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4 Comentarios

4 Comments

  1. jugo

    10-Jul-2013 en 11:19 am

    como que me recordó a neon genesis

    • algarridm

      10-Jul-2013 en 12:28 pm

      Por qué todos hablan de esa basura de Evangelion, esta película tiene más aires a los super robots de los 70, (de los cuales Eva sacó la lógica de monstruos/ángeles de la semana)… sobre todo de Getter Robo.

      • Bocaseca

        10-Jul-2013 en 9:50 pm

        Evangelion es basura si lo comparas siempre con “super robots de los 70′ “. Evangelion son peras y Pacific Rim son manzanas.

  2. Odioawanabes

    25-Jul-2013 en 8:44 pm

    Evangelion no es ninguna basura, quisiera verlos a ustedes escribiendo una historia así. Además es lógico que se hablé de Evangelion porque finalmente esta película es un tributo a los animes mechas y Evangelion es una de sus más grandes representantes.

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El Rey León

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El Rey León

“The Lion King” de 1994 es sin duda una de las películas de Disney más veneradas y queridas de todos los tiempos. Y se nota que Jon Favreau siente este mismo respeto y cariño por ella, ya que esta nueva versión incluye mucha de la imaginería de la película original, además de enaltecer y volver incluso más épicos varios momentos. Sin embargo, es el mismo cariño y respeto por la película noventera lo que impide que este remake logre sostenerse por sí mismo, veinticinco años después, y hace que se sienta anticuado.

La historia está ambientada en una versión idealizada de la sabana africana, donde el rey león Mufasa (James Earl Jones) intenta mantener el equilibrio natural de la cadena alimenticia, el Círculo de la Vida. Cuando nace su hijo Simba (Donald Glover) y se transforma en el próximo heredero al trono, Scar (Chiwetel Ejiofor), hermano del rey, decide asesinar a Mufasa para quedarse con el trono. Simba se ve obligado a escapar siendo un cachorro, y Scar se transforma en un rey déspota y despiadado. El príncipe deberá, entonces, reencontrarse con su identidad para volver a su hogar a restaurar el balance.

La historia es simple y fácil de entender, pero sus personajes y temáticas son tratadas de forma cuestionable veinticinco años después de la película original. Mientras que durante los últimos diez años muchas películas infantiles han volcado sus valores y temáticas hacia la acogida de lo diferente y la empatía por los demás, como “Ratatouille” (2007) o “Paddington” (2014), y la aceptación de uno mismo tal cual es, como en “Frozen” (2013), “El Rey León” tiende casi a ideas opuestas.

Durante gran parte de la película se idealizan la fuerza física y la valentía, igualándolas con justicia y virtud en Simba y particularmente Mufasa, mientras que la debilidad física se iguala con el engaño y maldad, a través de las figuras de Scar y las hienas. Se subentiende que estos personajes, al ser inherentemente inferiores, deben recurrir a trampas y engaños para ser capaces de vencer. Estas ideas no sólo se sienten anticuadas, sino que además generan personajes unidimensionales, cuya única característica reside en qué extremo de ese espectro residen.

Por otro lado, una de las principales temáticas de la película es el concepto de identidad, que es explorado a través del viaje de Simba. Sin embargo, su arco es tratado de forma menos que óptima, ya que su evolución se da por procesos internos, sino que a través de estímulos externos. No es él quien se encuentra a sí mismo, sino que son otros los que le dicen quién debe ser y qué debe hacer para transformarse en ello. Esto hace que su cambio se sienta vacío, y por otro lado entrega ideas problemáticas sobre la relación entre identidad y deber, ya que nunca le es dada a Simba la elección de qué hacer y quién ser. Estas dos ideas, el deber ser por sobre el querer ser y la virtud en la fuerza física, no han envejecido bien y se sienten anticuadas, y hacen que narrativamente la película se sienta de igual manera.

Visualmente la cinta funciona bastante bien. Los modelos 3D se sienten realistas y la imaginería tiene un gran poder visual. Tal como Favreau quiso, se siente tan épico como un documental de naturaleza de la BBC, sin embargo, es el mismo realismo en los modelos de los personajes lo que afecta negativamente a la hora de generar conexión emocional con la audiencia, ya que los animales resultan poco expresivos. Esto es algo que se nota particularmente en escenas de alto nivel emocional, como la muerte de un personaje, ya que las reacciones de los demás no alcanzan a estar a la altura debido a su falta de expresión. Además, esto se ve mezclado con una mala elección de casting vocal, particularmente en el caso de Simba en su adultez. Donald Glover puede funcionar muy bien frente a cámara, pero su voz suena plana y poco expresiva. Esto, mezclado con la falta de emoción en el rostro de Simba, hace que la audiencia se aleje incluso más del protagonista y su evolución como personaje.

Finalmente, más allá sus debilidades técnicas y de dirección, “El Rey León” falla principalmente por no atreverse a desafiar los conceptos narrativos y temáticos de la película original. Sus ideas, valores, beats narrativos y personajes se sienten aún como un producto de su tiempo, y no han envejecido bien. A la hora de retomar películas universalmente queridas y veneradas, es importante alejarse un poco y mirar detenidamente qué ideas se mantienen vigentes y cuáles no, y que ese respeto y cariño se refleje al evolucionar la historia para mantenerla actualizada.

Este remake se apoya demasiado en la nostalgia y el cariño que se le tiene a la película original, y toma el camino fácil apelando al recuerdo que el público tiene de ella. Lamentablemente, es difícil que el público actual recuerde esta película en veinticinco años más con el mismo cariño con que las generaciones anteriores lo hacen con la película original.


Título Original: The Lion KingEl Rey León

Director: Jon Favreau

Duración: 118 minutos

Año: 2019

Reparto: (Voces) Keegan-Michael Key, Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones, John Kani, Billy Eichner, Alfre Woodard, Florence Kasumba, Beyoncé


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