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Tim Burton: El director impasible

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Se sabe de Tim Burton que, en1971, a la edad de 13 años, ya había realizado su primer trabajo audiovisual. Se dice que era introvertido, que cuando pequeño jugaba a simular asesinatos y que las temáticas oscuras que marcan su trayectoria fueron desde siempre sus predilectas.

A los 13 años comienza su relación con el cine, realizando varios cortos y colaboraciones, sin embargo, el registro más antiguo que tenemos hoy de su obra data de 1982 y corresponde a un cortometraje de 5 minutos de duración y en stop-motion. “Vincent”, nos relata la historia de un niño de 7 años, atormentado, que sueña con convertirse algún día en el actor Vincent Price (ídolo máximo de este director) y que disfruta leyendo las historias de Edgar Allan Poe. De este modo, y por medio de una estética absolutamente expresionista, Burton conseguiría plantear desde sus inicios las características visuales que mantendría a lo largo de su carrera, situándose en medio de todo el imaginario gótico que teñirá cada una de sus cintas.

Dos años más tarde, el lanzamiento del cortometraje “Frankenweenie” llegaría para confirmar el marcado gusto de Burton por los universos del horror, al llevar a cabo en él su propia adaptación del relato del doctor Frankenstein. El intento de un niño por resucitar a su perro atropellado será su forma de realizar una apología a la historia de Mary Shelley y de introducirse, en mayor medida, dentro del universo fílmico.

Su primer largometraje, “Pee-wee’s Big Adventure”, el año 1985, basado en el personaje de Pee-wee Herman, daría inicio oficialmente a su carrera de cineasta, pero no sería hasta su segunda producción que el nombre de Tim Burton llegaría a calar profundo en el mundo de la cinematografía. De este modo, no es hasta el lanzamiento, tres años después, de la hoy en día clásica “Beetlejuice” que podemos comenzar a hablar de su trayectoria como realizador de renombre.

En 1989, el éxito de taquilla aparecería de la mano de “Batman”, cinta que es recordada actualmente como una de las mejores versiones jamás hechas de este superhéroe de la DC Comics. En ella, no sólo la encarnación de Jack Nicholson como The Joker pasaría a ser uno de sus más memorables personajes, sino que además sería a partir de la misma, que la estética general de la ciudad de Gotham City cobraría la oscuridad de matices que actualmente todos conocemos. Con la secuela “Batman Returns” (1992), poco más tarde la sexualidad presentada por Catwoman, conduciría la tenebrosidad del hombre murciélago a escenarios no aceptados por la crítica, lo que terminaría provocando finalmente que Warner Bros. desistiera de encomendar la tercera versión del héroe a las manos de este cineasta. Y ya todos sabemos el resultado de aquella determinación.

Con “Edward Scissorhands” (1990) y la triunfal llegada de Johnny Depp al universo de Burton, alcanzaría finalmente a posicionarse como un director de culto, generando por medio de esta película un imaginario tan romántico como oscuro, que llegaría a ser especialmente aclamado por los jóvenes y adolescentes de todo el mundo. La historia de un muchacho inadaptado y proveniente de un lugar ajeno a la sociedad, se convertiría entonces en la representación favorita de todos quienes lograron identificarse con su diferencia. Según la crítica, esta cinta corresponde a una de sus mejores obras, destacando además por la presencia en ella del mítico Vincent Price como el padre/creador de Edward (en la que fuera su última vez en pantalla)  y por la reconocida banda sonora creada por Danny Elfman, compositor estrella de todo el universo burtoniano.

A partir de Edward, la figura atormentada del outsider tomaría esencial protagonismo dentro del trabajo del director, pues si bien la misma había sido ya desarrollada en “Vincent” y con Lydia en “Beetlejuice”, no fue hasta este papel de Johnny Depp que Burton consiguió graficar realmente el dolor de esta condición de extrañamiento. Así, en la siguiente creación que se le adjudica (que si bien no dirigió, pero produjo en su totalidad), esta misma figura alcanzaría nuevamente relevancia de la mano de Jack Skellington, el popular personaje animado de la tétrica “The Nightmare Before Christmas” (1993), obra en que se desborda la pantalla por medio de la fantasía burtoniana en stop motion.

En la misma línea, con el rodaje de “Ed Wood” (1994), la predilección de Burton por ensalzar personajes algo bizarros es conducida aquí al relato biográfico. Con esta cinta, el director decide llevar a cabo un homenaje a quien ha sido considerado como el peor realizador cinematográfico de la historia, en un filme en blanco y negro que destaca por una excelente ambientación cincuentera y por medio del cual Tim Burton vuelve a dejar en claro su fanatismo por el cine de horror de antaño. La relación de Ed Wood con Bela Lugosi sería parte central de este largometraje, evidenciándose con ello la admiración que el mismo Burton tenía con el fallecido Price y su naciente vínculo con el actor Johnny Depp, en la que sería su segunda colaboración fílmica.

Con la filmación de “Mars Attack” (1996), por otro lado, una estética cincuentera más colorida y kitsch que la de su predecesora, sería usada por el realizador para efectuar una parodia a aquellas cintas de invasiones alienígenas. La recepción de la misma, sin embargo, fue tibia y terminó por posicionar a esta película como una de las más fácilmente olvidables creaciones del norteamericano. Como contraposición a este hecho, el éxito proyectado por la versión burtoniana de “Planet Of The Apes” (2001) no se condice con el gusto de los fans del director por la misma, debido a que se le considera como una película por encargo y demasiado alejada de las concepciones que lo caracterizan.

En 1999, sin embargo, Burton ya había dado muestras de que no planeaba abandonar la oscuridad de su obra, cuando con “Sleepy Hollow” reclute nuevamente a Depp para dar vida a la leyenda del jinete sin cabeza, en una realización plagada de misterios y a partir de la cual su relación con este actor pasaría a ser parte predominante de su carrera. De esta forma, las encarnaciones de este nominado al Oscar se convertirían en uno de los sellos más representativos de la obra burtoniana, especialmente con su interpretación del demente y excéntrico Willy Wonka en la adaptación cinematográfica del libro de Roald Dahl “Charlie And The Chocolate Fatory” (2005), película en la que la oscuridad del director es reflejada más que nada en la irónica y cruel manera en que da término a las aventuras de los niños presentados en ella, más que en la visualidad de la misma. Por medio de dicha cinta, además somos testigos de otra de las temáticas recurrentes en el cine de Burton, cuando él mismo nos remita en esta historia a las dificultades que el pequeño Wonka recuerda haber tenido con su padre, en un hecho que resulta haber marcado su vida para explicar su conversión en el inadaptado que resulta ahora ser.

La idea de la figura paterna es, entonces, otra de las aristas constantes que podemos encontrar a lo largo de la filmografía de este director, especialmente si consideramos el cómo Burton había ya resuelto el tema del padre en “Edward Scissorhands”, película en la que él mismo se configuraba como una especie de Gepetto en la vida del protagonista. Con la realización de “Big Fish” (2003), sin embargo, la representación de la problemática parental es llevada a un nuevo nivel. Así, esta cinta nos introduce en la conflictiva relación que un hombre (bastante cuerdo y racional) posee con su padre, producto de que este último parece adornar cada uno de los sucesos de su vida de forma que parezcan mágicos. De este modo, los límites entre la realidad y la ficción serán confundidos por medio de la historias del viejo, alcanzando el relato tintes emotivos a los que ninguna otra película del norteamericano había llegado antes. La participación de Helena Bonham Carter en esta cinta (luego de haber protagonizado “Planet Of The Apes”), por otra parte, marca el posicionamiento definitivo de esta actriz como la nueva musa del director.

Con la dupla Bonham Carter/Depp ya conformada, Burton da inicio a los años más recientes de su carrera. Su regreso a los largometrajes de animación por medio de “Corpse Bride” (2005) y su incursión definitiva en el género musical de la mano de “Sweeney Todd: The Demon Barber Of Fleet Street” (2007) serán una nueva vuelta a las estéticas góticas y lóbregas que parecía haber abandonado un poco en sus dos realizaciones anteriores, al ser estas bastante más luminosas que lo por él acostumbrado.

Por medio de sus últimas creaciones, con los consecutivos lanzamientos tanto de su adaptación de “Alice In Wonderland” (2010) como de la “comedia” “Dark Shadows” (2012), lo cierto es que Tim Burton ha dejado bastante que desear. En ambas, la ausencia de un guión de peso y la falta de definición de cada uno de sus personajes resultan ser, sin dudas, algunas de sus mayores falencias, especialmente si pensamos en cómo, por ejemplo, el personaje del Sombrero Loco no parece ser más que una copia deficiente de lo realizado por Depp en “Charlie And The Chocolate Factory” y, que en general, las caracterizaciones de estas últimas dos cintas no lograran alcanzar jamás la representatividad y la magia de sus anteriores.

Actualmente, se dice que el próximo estreno de la nueva “Frankenweenie” (2012) promete, especialmente para todos aquellos quienes nos quedamos con las ganas de ver un poco más de esta historia. La más reciente creación de Tim Burton resulta ser una especie de remake de su propio cortometraje de 1984, aunque esta vez la entrega sea realizada por medio de su amado stop motion. Dueña de grandes referencias al cine de terror clásico y bastante cercana a las primeras realizaciones de este creador, sólo es de esperar que este lanzamiento esté a la altura de los veintitrés años que le tomó a Burton el volver a sus inicios.

Por Macarena Bello

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2 Comentarios

2 Comments

  1. se parece a Fito Paez

    25-Oct-2012 en 1:29 pm

    No sé, todas sus películas son iguales

  2. Peter

    09-Ene-2013 en 4:54 pm

    Tim Burton, todo un caso, pero que buenas cosas nos ha dejado, Sleepy Hollow y Edward Scissorhands mis favoritas. La tonalidad de Batman y de Ciudad Góticas muy propias de él.

    Buena Columna!

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Dominga Sotomayor gana Mejor Dirección en Festival de Locarno

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El cine chileno nuevamente está de fiesta, ya que en un hecho histórico, la cineasta Dominga Sotomayor ganó el premio Mejor Dirección en el Festival de Locarno, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en recibir esta distinción. Lo anterior fue gracias a “Tarde Para Morir Joven“, su segundo largometraje, el cual explora la vida de unos jóvenes en el Chile posterior a la dictadura, enfocándose en la mirada de sus tres protagonistas frente a las estructuras sociales y el contexto de la época, entregando un relato que refleja diversos elementos de la vida.

Este reconocimiento, había sido entregado anteriormente a directores como Stanley Kubrick, John Ford, Rene Clair, Roberto Rossellini, entre otros. En 1969, el cineasta Raúl Ruiz se llevó el Leopardo de Oro en el Festival de Locarno por “Tres Tristes Tigres“, siendo el único chileno hasta la fecha en haber conseguido dicho reconocimiento.

Desde acá, extendemos nuestras felicitaciones a Dominga y a todo el equipo detrás de la película.

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