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Suburbicon: Bienvenidos Al Paraíso

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La agenda del racismo, todavía fuertemente arraigada a gran parte del colectivo estadounidense, es una de las grandes heridas abiertas de la cultura yanqui. Por ello no es extraño que esta sea precisamente una de las temáticas más fuertes en todo tipo de producciones que llegan desde ese país, las que a través de diferentes estilos logran ser un camino para abrir el diálogo y hacer recapacitar al público desde la base de transitar hacia una sociedad realmente sana, justa e igualitaria. Este año, por ejemplo, hemos tenido desde el extremo de película ligera tipo “Hidden Figures” (2017), hasta un thriller híbrido increíblemente certero como “Get Out” (2017), ambas con un discurso potente a su manera.

Bajo esta dinámica, pero partir de un guion escrito hace poco más de 30 años por Joel e Ethan Coen, en el que posteriormente intervinieron George Clooney y Grant Heslov, “Suburbicon: Bienvenidos Al Paraíso” es una mezcla de misterio y comedia negra, que bajo la dirección de Clooney se hace un camino para inyectar su visión frente a esta temática. No obstante, con resultados que se alejan bastante de lo esperado.

Al aparentemente idílico barrio Suburbicon llega una familia afroamericana, que con su sola presencia remece a los vecinos de la extremista comunidad. Mientras la intimidación va subiendo de grado, un extraño crimen ocurre en la casa de Gardner Lodge (Matt Damon), que involucrará más de la cuenta a su hijo Nicky (Noah Jupe), a su esposa Rose y a su cuñada Margaret (Julianne Moore).

Que una producción lleve el apellido Coen entre sus créditos siempre es motivo de interés agregado, producto de su sello compuesto por ingeniosa ironía, singulares historias y peculiares protagonistas, en una ficción que simula realidades desalentadoramente delirantes que juegan con nuestros sentimientos y estados de ánimo de inicio a fin –por lo menos en la gran parte de su filmografía–. Ahora bien, desde una ficción situada en el Estados Unidos de los años 50, la mezcla de visiones y decisiones dispares de aquellos involucrados en esta cinta es la gran responsable de que “Suburbicon: Bienvenidos Al Paraíso” no logre dar con la talla para considerarse dentro de lo mejor de su repositorio.

Muy cuidada estética y fotográficamente, pero alicaída en la forma de entregar su contenido, esta película fácilmente se puede separar como dos filmes en uno. Por un lado, tenemos la historia de una familia acomodada que se ve enfrentada a un crimen y a toda una red de intriga y mafia desde un perfil coenesco. En la otra esquina, un fuerte relato sobre el racismo, nacido desde lo más bajo de la ideología de supremacismo blanco extremo. Si bien, esta extraña composición suena interesante, por lo forzado de su unión jamás es certera con el tratamiento de ambas historias, pues finalmente una trama termina por devorar a la otra.

Y no es que sea desde un punto de vista moral que una cinta deba tomar partido por cuál de los dos argumentos “gana”, el problema radica cuando, al contrario de lo que estaba dispuesto, el argumento con subtexto profundo y actualmente relevante queda relegado al servicio del otro, que es más volátil. Es decir, si bien se partió con una gran y noble intención, la desorientada ejecución de la idea en el camino merma su diseño, logrando ser una composición artificial de analogías que en su paso va perdiendo potencia hacia un absurdo refrán oportunista.

Pese a lo anterior, no estamos necesariamente ante una película desechable; entre sus disparatadas acciones, tintes de humor negro y un reparto excelente que maneja sin problemas la evolución de sus personajes, no todo es tan malo. Más en perspectiva, la tesis desde la contraposición del sueño americano blanco, que por su odio se ciega ante lo esencial que nos une como seres humanos, es desplazada conceptualmente hacia una ejecución más palpable y menos reflexiva de cómo debía haber sido.

Bajo la dirección de un meritorio George Clooney y un reparto de gran nivel, “Suburbicon: Bienvenidos al Paraíso” es una inicialmente sugestiva producción, que en su desarrollo va diluyendo su contenido sustancial, curiosamente sólo dejándonos con la incertidumbre planteada acerca de cómo habría resultado si hubiese sido dirigida por quienes escribieron el guion originalmente, y no con el intenso y trascendental mensaje que se pretendió inculcar durante todo su metraje.


Título Original: Suburbicon

Director: George Clooney

Duración: 105 minutos

Año: 2017

Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac, Glenn Fleshler, Michael D. Cohen, Noah Jupe, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings


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El Hombre Invisible

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El Hombre Invisible

Luego de fallar en el intento de crear una nueva franquicia basada en los monstruos clásicos del estudio Universal, la decisión de traerlos de vuelta sigue en pie, pero otorgándole a cada uno por separado la oportunidad de reiniciar sus raíces a través de relecturas basadas en su material original. “El Hombre Invisible”, novela escrita en 1897 por H.G. Wells, tuvo su propia adaptación cinematográfica en 1933, dirigida por James Whale, y en el reinicio en 2020 a cargo de Leigh Whannell (“Upgrade”, 2018) la historia dará un giro para ser adaptada a nuestros tiempos y mezclarse con los miedos modernos, para así encontrar un espacio y poder sobrevivir en la atestada cartelera semanal.

Esta nueva versión se centra en Cecilia Kass (Elisabeth Moss), quien, luego de escapar de la abusiva relación que tenía con un millonario científico, recibe la noticia que él se ha suicidado, dejándole gran parte de su fortuna como herencia. Sin embargo, su cordura se ve cuestionada cuando, después de unos extraños sucesos, Cecilia comienza a suponer que su ex pareja en realidad no está muerto. Mientras trata de convencer al resto de sus sospechas, deberá arrancar de quién la acecha y proteger a quienes ama.

Reconstruir clásicos y reversionar sus propuestas siempre parece ser un trabajo difícil, más aún cuando se tiene las limitaciones de interpretar al pie de la letra el material original y sólo se realizan ciertas modificaciones para que pueda camuflarse correctamente en tiempos actuales. Sin embargo, la labor que realiza el guion a cargo del mismo Whannell parece más ambiciosa que sólo rehacer la adaptación de una novela escrita a finales de 1800.

De aquel material original sólo se toma la premisa para ahondar en miedos aún más profundos y que tienen relevancia con los tiempos que nuestra sociedad está viviendo. Aunque esto se podría tomar como aprovechamiento mediático de un movimiento, que hizo que muchas mujeres alzaran la voz frente a los abusos que han sido cometidos en su contra, la cinta pareciera tener la intensión de acentuar el temor que existe tras salir de una relación abusiva, y cómo las consecuencias persiguen a su sobreviviente, incluso cuando el escenario ya parece seguro.

Este subtexto se esparce durante toda la cinta, dejando en claro que, para hacer una película que se mueve entre el terror y el thriller psicológico, debe existir una sustancia que sostenga las decisiones de su protagonista y los eventos que la rodean. En ese sentido, esta producción logra el objetivo sin excesos o la utilización de su protagonista como víctima; por el contrario, el viaje que realiza Cecilia desde que logra escapar de las manos de su abusador hasta la resolución final da cuenta de una evolución frente a los cuestionamientos frente a su cordura, pues, quienes la rodean, no logran advertir el calvario por el que ella realmente está pasando.

De esta forma, el trabajo realizado por Elisabeth Moss resulta esencial para poder retratar este estremecedor trayecto. Su rostro, presente en casi todo el metraje en pantalla, logra encarnar las emociones necesarias para conectar con su resistencia, llevándose gran parte del peso dramático de esta película. Whanell prefiere tomar el tiempo necesario para construir la tensión, optando por extender ciertos momentos donde el peligro acecha, apoyándose en la información que el público maneja sobre la situación y evitando los ya sobre utilizados jump scares. No obstante, la decisión de extender estos momentos de incertidumbre acaba por ralentizar secuencias de angustia, terminando en resoluciones anticlimáticas y que podrían agobiar el compromiso tácito entre espectador y relato.

Por otra parte, al encontrarse enfocada en la exploración psicológica de su protagonista y cómo los hechos a su alrededor ponen en jaque su cordura, este énfasis está estirado hasta que el momento donde las revelaciones comienzan a ser más claras, las que parecen ser incluidas casi por obligación y sin sutilezas, provocando que la narración decaiga hacia su final.

“El Hombre Invisible” no aspira a esclarecer la ciencia detrás de la posibilidad de ser invisible, dejando a un lado cualquier rastro de explicación innecesaria sobre aquel hecho. Por el contrario, el relato avanza hacia los miedos que existen cuando lo que más se teme aparece sin razón y no se le puede ver. Si bien, la cinta avanza con algunos tropiezos y decisiones que pudieron ser evitadas, es cierto que su propuesta funciona de manera acertada, principalmente gracias al trabajo de su subtexto y el desempeño de su actriz protagonista.


Título Original: The Invisible Man

Director: Leigh Whannell

Duración: 110 minutos

Año: 2020

Reparto: Elisabeth Moss, Storm Reid, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Oliver Jackson-Cohen, Zara Michales, Michael Dorman, Amali Golden


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