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St. Vincent

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A pesar de que Ben Stiller o Adam Sandler lo superen en recaudación, no es muy alejado de la realidad el declarar a Bill Murray como el comediante vivo más importante de Hollywood. Su particular estilo de humor, que con los años ha evolucionado en una ironía muy contenida y llena de acerbo, lo han llevado a convertirse en una especie de mito viviente. Además de esto, desde que mostrara su capacidad para cruzar su humor con el drama más sutil en “Lost In Translation” de Sofia Coppola (2003), cada aparición de Murray en el cine da para algo, a lo menos, interesante.

ST VINCENT 01Vincent (Bill Murray) es un antisocial y huraño veterano de Vietnam, que vive dedicado a una complaciente rutina de alcohol, apuestas, y la ocasional visita de Daka (Naomi Watts), una prostituta de origen ruso. Pero cuando Oliver (Jaeden Lieberher) y su madre Maggie (Melissa McCarthy) se muden a la casa de al lado, Vincent verá toda su existencia interrumpida por la presencia del niño, de quien aprenderá tanto como Oliver de él.

Como una historia dulce, pero que a ratos se decanta por una veta un tanto oscura. Esta es quizás la mejor y más breve forma de definir a “St. Vincent”, película que marca una especie de re-debut en las grandes ligas de su director, Theodore Melfi (en 1999 estrenó su fallida ópera prima “Winding Roads”), además del más reciente papel protagónico de Bill Murray desde que interpretara a Franklin Delano Roosevelt en “Hyde Park On Hudson” (2012), irregular película con la que comparte más de un par de aspectos.

“St. Vincent” gira en torno a su protagonista desde un comienzo hasta el final, lo que es por lejos su mayor acierto. Cualquier otro actor habría interpretado al amargado veterano de guerra con demasiado patetismo o dureza (hay que pensar en “Gran Torino” de 2008, o “Born On The Fourth Of July” de 1989, por ejemplo). Murray, en cambio, imbuye a su personaje de una falta de empatía absoluta, pero que nunca se cruza hacia lo agresivo; parece más un jubilado que sólo busca que lo dejen tranquilo. Pero si sólo se tratara de Bill Murray, “St. Vincent” no triunfaría al nivel que lo logra. ST VINCENT 02La historia, a pesar de su simpleza, se va desarrollando con un ritmo y fluidez constante, entregando parte a parte los elementos que terminan por conformar su clímax y resolución. Al mismo tiempo, la narración se mantiene equilibrada de manera permanente a favor de los aspectos más positivos, pero dejando espacio para un par de excursiones hacia el espectro más oscuro de la vida diaria, aunque a veces tenga que recurrir a incidentes demasiado fuertes para lograrlo.

A pesar de contar con un buen reparto, uno de los principales defectos de la película radica en los muy débiles personajes secundarios. Con la notable excepción del niño Oliver, el resto del elenco se pierde en roles blandos, más enfocados en avanzar la trama y generar momentos, que en desarrollarse y volverse relevantes por sí mismos. Es así como el grado de importancia de algunos personajes sobre otros sólo puede distinguirse por medio de su cantidad de tiempo en cámara, siendo el más defectuoso el interpretado por Melissa McCarthy.

Uno de los méritos más raros a destacar de la obra, es como se va armando y sintiendo como una película divertida, pero con una vocación más para el drama que para la comedia. Dejando de lado casi por completo los gags o chistes situacionales, el humor en “St. Vincent” se va desarrollando a la ST VINCENT 03par con su historia, volviéndose a ratos algo imposible de eludir: a medida que se van conociendo más y más facetas de la vida del personaje de Bill Murray, al mismo tiempo que la incómoda inclusión de Oliver en ellos, el humor va progresivamente creciendo.

Junto con la recientemente estrenada “Chef, La Receta de la Felicidad” (2014), “St. Vincent” representa una alternativa más aterrizada dentro de la cartelera local, la que a pesar de encontrarse muy próxima a volcarse a los estrenos en competencia para la temporada de premios, nunca ha escondido su preferencia por las mega producciones. Dentro de estas dos, “St. Vincent” es la más perdurable, aunque es muy probable que si no hubiera contado con la presencia de Bill Murray, no habría estado ni cerca de lograr levantarse como una dramedia consumada, y de lo más disfrutable.

Por Lucas Rodríguez

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La Mirada Incendiada

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La Mirada Incendiada

Tiempos de dictadura, un hijo de exiliados políticos que vuelve a Chile por cuenta propia y un crimen de crueldad inconmensurable por parte de las fuerzas de orden. El tercer largometraje de ficción de la directora Tatiana Gaviola, “La Mirada Incendiada”, inicia con las palabras “Inspirada en un hecho real”, tomando como punto de partida el conocido Caso Quemados, atentado en el que Carmen Gloria Quintana y Rodrigo Rojas de Negri fueron víctimas de un ataque incendiario por parte de militares a plena luz del día en la vía pública.

Protagonizado por Juan Carlos Maldonado en el papel de Rodrigo, el filme prometía sin duda ser un aporte para la memoria de nuestro país, dada la historia en cuestión y su contexto, sin embargo, esta promesa metamorfoseó hasta convertirse no sólo en polémica, debido a la nula influencia que tuvo la familia de Rojas de Negri en materias de decisión cinematográfica, sino que también es una cinta que no cumple del todo con los objetivos que parece perseguir.

El inicio de la película muestra a Rodrigo volviendo a Chile con una cámara bajo el brazo y el propósito de desempeñarse cómo fotógrafo profesional. Tras andar un rato medio perdido, y luego de ser ayudado por una amiga vecina de su tía, logra llegar a la casa de esta y sus dos primas menores, quienes cariñosamente lo acogen a lo largo de la trama. Tras esto, se forjan lazos emotivos que dan cuenta de la personalidad dulce y templada del protagonista. De esta forma, se retrata claramente cómo Rodrigo influyó en la vida del resto de los personajes mediante escenas variadas, que muestran momentos íntimos en los que estos interactúan, desde conversaciones nocturnas y abrazos diurnos, hasta experiencias traumáticas que refuerzan vínculos.

A lo mencionado anteriormente, se suma la manera en que los personajes se comunican entre sí. Si bien, el guión resulta claro y conciso, los intercambios de palabras se articulan principalmente a través de diálogos medianamente breves y en ocasiones incluso un poco rígidos, cayendo en la sobre explicación del contexto dictatorial en el que ocurren los eventos una y otra vez, resultando en parte obvios. Además, el guión demuestra la clara intención de introducir gran variedad –y cantidad– de expresiones y/o dichos chilenos, dando así a entender una identidad lingüística acertada, que da cuenta de aspectos de nuestra cultura, pudiendo haber sido presentado de manera igualmente oportuna, pero a través de matices más sutiles.

Por otro lado, Rodrigo es retratado a través de conversaciones y acciones como un joven que no se encuentra realmente al tanto ni de la situación a nivel país, ni de las restricciones que esto implica, modificando el relato y añadiendo romanticismo mediante la presencia de un protagonista en parte inocente, que sueña con denunciar las injusticias del golpe sin pensar en repercusiones. En este sentido, resalta también el carácter poético que busca reflejar la voz en off de narradora de la historia –perteneciente al personaje de Carmen Gloria Quintana–, sugiriendo la existencia de una profunda relación previa al hecho incendiario entre Carmen Gloria y Rojas de Negri, interpelando acciones y decisiones tomadas por el protagonista. Esto agrega de manera similar un toque de romanticismo que resulta algo forzado y, sobre todo, algo lejano a la realidad de los hechos.

En cuanto a la atmósfera, la película logra reflejar el miedo colectivo y la tensión de la época, además de espacios y elementos característicos que resultan clave para retratar el período, tales como cacerolazos, protestas y allanamientos. Las escenas no son demasiado largas, por lo que hacen que la cinta sea dinámica y en su mayoría liviana, teniendo en consideración la carga del tema que trata. Sin embargo, esto mismo es lo que también genera que en algunas ocasiones se pierda un poco la continuidad entre una escena y la siguiente.

Por último, cabe destacar que, si bien las heridas dejadas por el flagelo dictatorial a lo largo y ancho de este territorio siguen estando cargadas de un rojo fresco y humeante, vale la pena que historias como estas vean a la luz en el formato cinematográfico, alimentando la memoria de nuestro país mediante expresiones artísticas cargadas de historia. Por desgracia, “La Mirada Incendiada” no cumple del todo con este objetivo, quedando al debe principalmente en temas de fidelidad con la memoria histórica nacional y la empatía hacia víctimas del caso, ya que, a pesar de que se deja en claro que el filme tan sólo se inspira en los hechos reales, este sin duda abre paso a preguntas que vale la pena hacerse. ¿Hasta qué punto es viable mezclar realidad y ficción? ¿De qué manera abordar temáticas delicadas de la manera más empática posible? Lamentablemente, en ese sentido “La Mirada Incendiada” desarrolla su narrativa omitiendo aquel elemento tan importante.


Título Original: La Mirada Incendiada

Director: Tatiana Gaviola

Duración: 102 minutos

Año: 2021

Reparto: Juan Carlos Maldonado, Catalina Saavedra, Gonzalo Robles, María Izquierdo, Cristina Aburto, Constanza Sepúlveda, Belén Herrera, Pascal Balart, Estrella Ortiz


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