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Resident Evil: Capítulo Final

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Cada estreno basado en un videojuego genera gran expectación, pues la calidad narrativa de ellos les permitiría ser adaptados en la pantalla grande. Sin embargo, pareciera que luego de muchos intentos los resultados no parecen mejorar. Como como ejemplo, están los estrenos de “Warcraft” (2016) y la más reciente “Assassin’s Creed” (2016), ambas víctimas de mediocres adaptaciones. Una de las razones radica en la obstinación de repetir la experiencia del juego al lenguaje cinematográfico, teniendo en consideración que cada una logra objetivos totalmente diferentes.

Una de las adaptaciones más exitosas en taquilla está basada en el juego “Resident Evil”, la que logró en su primera película de 2002 expandir su universo narrativo, creando a un personaje original para su versión cinematográfica. Si bien, la primera cinta alcanzó un considerable éxito comercial, la calidad narrativa no lograba conectar con lo entregado en su versión original para consolas y, luego de cinco películas, “Resident Evil: El Capítulo Final” pretende dar un cierre definitivo a la saga tras quince años. Dirigida por Paul W.S. Anderson, esta entrega sigue los eventos tres semanas después de “Resident Evil: Retribution”, donde Alice (Milla Jovovich) sigue en la lucha para poder sobrevivir al virus que casi ha acabado con toda la población mundial. Al enterarse que existe una posible cura, deberá volver a Racoon City para enfrentarse una vez más a la Corporación Umbrella y así poder salvar a la humanidad de un terrible final.

Siendo la última parte luego de varios años contando las hazañas de Alice y el declive de la humanidad a manos de un virus mortal, los hechos ocurridos en la antecesora son casi olvidados, estableciendo sólo conexiones vagas para justificar esta última parte, como también los personajes que fueron parte de su antecesora, y de esa forma se asume que la protagonista es el gran foco del relato, justificando que esta historia sea contada. Sin embargo, los hechos se desencadenan de manera tan abrupta, que dificulta que este universo narrativo sea creíble y tenga la fuerza suficiente para sostenerse.

Una de las razones que explican el éxito de esta saga es el desarrollo y evolución de Alice, pues fue creada como un ente complejo y verosímil, y que responde adecuadamente a los cánones del universo. No obstante, sería una decisión muy arriesgada sólo descansar en los hombros del personaje interpretado por Jovovich y, en cierto modo, esa decisión es tomada cuando se muestra el desafortunado desarrollo de personajes secundarios, los cuales sólo cumplen la función de ser víctimas en este escenario post apocalíptico, siendo olvidados rápidamente.

Una de las principales características de esta saga es el giro que dio desde el terror de los videojuegos a la acción propiamente tal, siendo las secuencias de persecuciones y luchas vertiginosas las que entregan los elementos positivos y potencian la entretención. Pero una de las grandes fallas de esta nueva parte radica en el descuido al momento de ensamblar todas las piezas, dando como resultado una edición deficiente. Tratando de representar agilidad en las escenas de acción, el montaje frenético abusa de los cortes, impidiendo la apreciación de estas secuencias y dejando que la confusión se apodere de la pantalla al resultar arduamente dificultosa la tarea de seguir los hechos presentados.

Gracias a la experiencia en las cintas anteriores, se debe asumir que la función de las secuencias de acción en esta película arman gran porcentaje del metraje, lamentablemente se abusa de ellas en un nuevo intento por emular la experiencia de juego, y de paso se deja notar un descuido en el guion, cuando grandes incongruencias a lo largo de todo el metraje hacen difícil una posible inmersión en el relato. Además, la sobreexposición en los diálogos le quita peso narrativo y ayuda a la inevitable desconexión con los personajes, dando como resultado una secuela con una historia liviana donde no existe deseo de profundizar, y los hechos quedan desatados o resueltos torpemente.

“Resident Evil: El Capítulo Final” pretende dar un cierre a la saga, pero su ambigüedad narrativa no lo deja firmemente establecido. Sin duda, está hecha para los seguidores que disfrutan cada guiño a los videojuegos y que posiblemente podrían ser cautivados por las mayores secuencias de acción. Sin embargo, falla al ser una producción de baja complejidad narrativa, donde un gran aparataje visual no logra sostener el producto final.

Por Ángelo Illanes

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Coco

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Coco

Pixar ha demostrado con cada uno de sus estrenos la capacidad que existe para mezclar universos narrativos complejos, que logran conectar profundamente con el espectador, y una construcción visual que sirve como escenario perfecto para desarrollar estas historias. “The Good Dinosaur” (2015) fue la última cinta con una historia original antes de dar paso a “Finding Dory” (2016) y “Cars 3” (2017), instaladas en universos ya conocidos por el público. Por lo tanto, la llegada de una nueva historia con personajes desconocidos crea la expectación necesaria para el estreno de “Coco”, cinta basada en la festividad mexicana de Día de Muertos y que pretende ser un fiel reflejo de la cultura de aquel país.

Miguel es un niño de doce años que sueña con convertirse en un gran músico, pero los conflictos del pasado han hecho que la música sea prohibida en su familia, cuya tradición es la zapatería. Justo en la noche de Día de Muertos, Miguel viaja mágicamente a la Tierra de los Muertos, donde descubrirá historias de su pasado familiar que lo acercarán a su sueño.

Retratar una cultura ajena aparenta ser un gran desafío al transitar entre el homenaje y los estereotipos. Afortunadamente, esta cinta logra retratar las tradiciones de la cultura mexicana, teniendo un particular cuidado con los detalles que componen el pueblo ficticio de Santa Cecilia, donde todo parece real y puesto de tal manera, que sirva como fiel reflejo de lugares en el que abundan tradiciones. Por lo tanto, la celebración de Día de Muertos sirve como pretexto perfecto para simbolizar visualmente estas ideas, a ratos recordando a “The Book Of Life” (2014) –cinta basada en la misma festividad–, pero profundizando mucho más en las razones de ella, donde las flores conocidas como cempasúchitl, el papel picado y las ofrendas adornan también la pantalla.

La historia gira en torno a Miguel y su sueño de ser músico, quién en un pequeño y escondido cuarto en el entretecho de su casa da rienda suelta a su pasión, mientras practica guitarra sin que nadie pueda oírlo. Y a pesar de su estrecha relación familiar, la oposición de estos hará que él forme un carácter obstinado y perseverante. Así, su pasión por la música será lo único que pueda ayudarlo cuando quiera encender una llama inerte en su familia, una que tiene que ver con el perdón y el olvido. Miguel emprenderá el viaje del héroe para poder alcanzar sus sueños, pero aprendiendo más de lo que esperaba.

El primer acto de este relato está centrado en explicar el contexto familiar del protagonista, pero una vez que llega el día de la festividad y sorpresivamente Miguel logra cruzar a la Tierra de Los Muertos, la cinta arranca rápidamente en un viaje lleno de atractivos visuales, con un trabajo de animación que caracteriza al estudio y que se manifiesta al crear un original y colorido mundo, el que se asemeja a una ciudad, pero exacerbando sus atributos y fantaseando con la idea de la vida después de la muerte. Este lugar poblado de magia, donde se pasean los esqueletos de difuntos y alebrijes que cobran vida, es el escenario para que Miguel se encuentre con antiguos miembros de su familia, quienes intentarán llevarlo al mundo de los vivos, pero las condiciones de este hecho podrían acabar con su sueño para siempre, por lo que emprende una cruzada para volver, a su manera y arriesgando el apoyo de su familia.

En un principio su propuesta narrativa podría parecer simple, pues la dicotomía entre el sueño del protagonista y su deber familiar o social es una temática que ya ha sido trabajada en cintas animadas, sin embargo, una de las características de Pixar es sorprender con la sólida construcción de una historia que logre emocionar a partir de un entramado narrativo que va encajando piezas hábilmente. Y aunque a veces se toman decisiones que podrían ser predecibles y el desarrollo de su antagonista quede un tanto débil, la sorpresa y las situaciones conmovedoras están garantizadas y bien trabajadas para no parecer superficiales.

Basada en aquella festividad mexicana, es inevitable que la muerte esté presente como temática, pero no lo hace desde un punto de vista lúgubre y distante, más bien se concentra en los recuerdos y cómo estos conforman los lazos humanos y, sobre todo, familiares. Tal como en “Kubo And The Two Strings” (2016) acá se trabajan con delicadeza estas temáticas: la familia también está puesta al centro, pero alrededor ronda el perdón, el olvido y cómo ciertos sacrificios son realizados con el propósito de fortalecer aquellos lazos cuando se busca el bienestar desinteresado del otro.

“Coco” destaca principalmente por su detallada construcción narrativa, la que entrega como resultado una historia emotiva, centrada en la familia, con personajes carismáticos que otorgan momentos de diversión, insertos en un mundo que mezcla la realidad y la fantasía. Y, al mismo tiempo, capturando gracias a su un encanto visual un claro homenaje a México y sus tradiciones.


Título Original: Coco

Director: Lee Unkrich y Adrian Molina

Duración: 109 minutos

Año: 2017

Reparto: Animación

 


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