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Cine

Reina de Katwe

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Si se trata de representar una historia basada en hechos reales en un contexto deportivo, se pueden advertir ciertos elementos narrativos que se repiten al momento de construir un relato. En las cintas de este estilo, la perseverancia es protagonista en un mundo en que las dificultades parecen ser grandes y las probabilidades de fracaso aún más altas, ante lo cual se suele responder con un mensaje inspirador que habla de superación.

queen-of-katwe-01Adaptación del libro y artículo de Tim Crothers sobre la vida de Phiona Mutesi, “Reina de Katwe” narra la historia de una niña (Madina Nalwanga) que vive en un pueblo en Uganda vendiendo maíz para ayudar a su familia. Su vida dará un giro cuando se encuentre con el mundo del ajedrez y, al descubrir sus habilidades en esta disciplina, vea la oportunidad de alcanzar su sueño de convertirse en campeona internacional.

“Reina de Katwe” es concebida como una producción Disney e ESPN Films, y está cargada hacia un género más bien familiar y con las características propias de este tipo de películas, integrando el objetivo de inspirar y entregar un mensaje de esperanza a los espectadores. Y si bien un relato de estas características podría generar cierto escepticismo, puesto que no es necesario manejar muchos detalles de la acontecimientos reales para visualizar previamente una estructura conocida que trata temas recurrentes, la cinta de Mira Nair logra dar giros que le agregan frescura, a pesar de mantenerse apegada a un molde que no se arriesga ni entrega grandes sorpresas; la fórmula utilizada funciona y cumple con sus propósitos.

El guion construye una narración donde el ajedrez es incorporado con inteligencia, siendo empleado como la excusa perfecta para poder hablar de otras temáticas que están relacionadas con las relaciones humanas, e incluso como una metáfora de la vida de Phiona; esto, dado que sus fortalezas como competidora en esta disciplina son similares a la manera de enfrentar cada uno de los obstáculos diarios. Casi como jugando estratégicamente, su historia llega a ser una lucha entre las queen-of-katwe-02habilidades para decidir las siguientes jugadas, pese a que se arriesgue el triunfo y se experimente el fracaso. Quizás una decisión de este tipo podría caer en detalles que rayen en lo obvio o en rasgos empalagosos, pero hay un manejo que permite que estas conexiones sean hechas de forma sutil y sin sobreexplicar el concepto.

Una de las principales razones que tiene la cinta a su favor es la construcción de sus personajes, quienes logran ser lo suficientemente complejos para representar a sus símiles en la realidad y conseguir la empatía de la audiencia. Por un lado, la perseverancia de Phiona es el motor narrativo que mueve al filme: es a través de su carisma e inteligencia que la historia se siente más auténtica y palpable. Además, la madre de ella –brillante actuación de Lupita Nyong’o– es quien se encarga de concederle realismo al recorrido de la protagonista, puesto que simboliza con cierto dramatismo la posición socioeconómica en la que se encuentra la familia, la que ejercerá de inconveniente para que Phiona desarrolle completamente sus habilidades en el ajedrez. Por otro lado, su entrenador y mentor (David Oyelowo) es la voz alentadora presente en todo momento; son sus formas de motivación y su aliento lo que hacen de la protagonista alguien mucho más fuerte. Cada uno de ellos encarna arquetipos que calzan sin mayor esfuerzo dentro de una gran historia, y sus motivaciones hacen del relato una película cercana y fácil de seguir.

queen-of-katwe-03La dirección de Mira Nair está enfocada en mostrar los rincones de África en su plenitud, dando cuenta de una búsqueda de representar el escenario como tangible y próximo. La fotografía a cargo de Sean Bobbitt (“12 Years A Slave”, 2013) acerca las calles de Katwe a través de imágenes vibrantes y coloridas, en un viaje al interior de Uganda, donde las diferencias sociales se dejan notar y la lucha para sobrevivir en la pobreza es escenificada con fragilidad y crudeza. Son estos elementos los que aportan positivamente al momento de ensamblar las piezas de un rompecabezas que, visto desde lejos, habla de sencillez y emociones.

“Reina de Katwe” pretende contar una gran historia, pero de manera simple. Aunque existen momentos donde se dirige hacia un sentimentalismo fácil, gira rápidamente para no caer en vicios que la transformarían en un drama que clame por lágrimas. Por el contrario, con personajes que no flaquean, la cinta se mantiene en pie hasta el final y demuestra que su principal objetivo es relatar la hazaña de una joven que, teniendo todo en contra, lucha por alcanzar sus objetivos, tal como en un juego de ajedrez, donde cada decisión cuenta para triunfar.

Por Ángelo Illanes

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Artículos Cine

Star Wars y el auge de los efectos visuales

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Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

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