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Cine

Polvo de Estrellas

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Cuna de un mito bizarro tras otro, escondite de dobles vidas, una selva de donde salvos salen muchos pero sanos pocos; Hollywood es un universo deslumbrante en términos románticos y narrativos. Tras bambalinas se deben entretejer historias de un calibre de extravagancia tal, que quizás ni siquiera queremos enterarnos del todo, pero el asunto es que sí tenemos un esbozo de idea, y aquel que no, simplemente vive bajo una roca. Es un secreto a voces que, cuando se apagan las luces, aparecen verdades incómodas, por lo que la temática, de novedosa, ha perdido bastante.

MAPS TO THE STARS 01Construido como relato coral, el argumento lo conforma Agatha (Mia Wasikowska), una misteriosa chica que arriba a Hollywood y en el proceso se involucra con Jerome Fontana (Robert Pattinson), un aspirante a actor, Havana Segrand (Julianne Moore), delirante actriz obsesionada con reversionar el papel que interpretó su famosa madre, y el matrimonio Weiss (John Cusack y Olivia Williams), padres de Benjie (Evan Bird), estrella infantil drogadicto.

Tratar con directores atípicos como David Cronenberg es complejo, ya que, como el sujeto inteligente que ha probado ser, el potencial que prometen sus atrevidas propuestas no es infundado. No adhiere a un estilo de cine intachable y querible, y su mérito, en efecto, radica en eso. Progenitor de obras difíciles y a ratos francamente descolocantes, el realizador ya nos tiene condicionados ante el endeble nivel de amabilidad que poseen sus cintas. Sin embargo, esto no garantiza que todo lo que se le ocurra valga la pena de tolerar sólo porque su apellido figura en los créditos. Es cosa de chequear su anterior entrega, “Cosmopolis” (2012).

MAPS TO THE STARS 03El principal dilema con “Polvo de Estrellas” es que, aunque se le agradece que satirice sin misericordia un mundo sumamente idealizado por la masa, emana un aroma a autoproclamada astucia que, para ser ciertos, no es tal. ¿El motivo? Su oferta, relevante para una minoría y distanciada. Se aguanta el carisma impersonal del film, ya que la inexistente empatía –por no decir rechazo- que generan los personajes es una vía válida; de hecho, es coherente con la intención autoral. Pero para que este pequeño gran detalle se sustente, al menos la materia dura y pura de la película debiese ser atractiva, lo que no sucede.

Es que las desventuras de sus caprichosos protagonistas nos resultan indiferentes. Los líos y crisis que alimentan las tramas en medio de lujos obscenos, interrelaciones turbias y, en general, una realidad tan inalcanzable que parece una dimensión paralela a la de los simples mortales, son fastidiosos y olvidables. Ya sabemos que allá en la meca del cine la gran mayoría oculta secretos y trancas que están a millas del glamour que brilla en las alfombras rojas, y sus creadores pecan al creer que nos están revelando el submundo más insospechado jamás.

MAPS TO THE STARS 04Como gran acierto están las actuaciones, cualidad infaltable en las producciones de Cronenberg, hay que decirlo. Encabezado por una brillante Julianne Moore (mencionarla y llamarla brillante es básicamente una redundancia a estas alturas de su carrera), el célebre elenco trabaja por dar en el tono de sus arquetípicos roles respectivos, y triunfan, dando vida a gente odiosa pero creíble. Tanto así, que incluso el perpetuo apático de Pattinson nos enseña un porcentaje de humanidad. Wasikowska queda al debe, pero no sólo en esta ocasión: es una actriz espontánea, pero su aura cándida y cara de niña buena que al parecer se trae algo entre manos, ya se han vuelto lugares comunes.

Estrictamente como meta-relato es un ejercicio sugerente; una producción hollywoodense recurriendo a súper estrellas hollywoodenses para darle cuerpo a una sátira sobre el detrás de la fama en Hollywood. Pero dentro de ese mismo paradigma segmenta su alcance, y da la impresión que se hizo con una arrogancia intelectual adrede: parece estar muy consciente de que está hecha por cinéfilos, para cinéfilos. Y arrogancia es, puesto que su tratamiento políticamente incorrecto, con sus situaciones extrañas y diálogos cargados de humor negro y bromas internas que aluden a la industria, gritan una camuflada sed de premios por tamaña osadía que tanto goza la crítica snob. Su autoconciencia no pasa desapercibida (aunque así lo crea), y por cierto que molesta.

Por María José Álvarez

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Artículos Cine

Star Wars y el auge de los efectos visuales

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Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

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