Conéctate a nuestras redes

Cine

Paddington

Publicado

en

En 1958, el escritor Michael Bond creó el personaje El Oso Paddington, un tierno animal parlanchín que se convirtió en un ícono de la cultura infantil inglesa. Ocupando libros e historias para niños, este oso con el nombre de una estación londinense pronto se materializó como figura en peluches, cuadernos, postales, recuerdos y artículos coleccionables. Tal fue su popularidad, que años más tarde protagonizó una serie animada. Por lo mismo, el estreno de su primer largometraje que junta la animación por computadora con personajes de carne y hueso, casi a sesenta años de su primera aparición, trajo a la memoria de aquellos que crecieron con sus historias la nostalgia de un personaje querido y, a su vez, una nueva adición animada para las generaciones más jóvenes.

PADDINGTON 01Luego de sufrir un terremoto en su Perú natal, el oso Paddington (voz de Ben Wishaw) llega a Londres buscando un nuevo hogar, con un papel atado a su cuello que dice “Por favor, cuide a este oso”. Guiado por lo que su familia le habló sobre la amabilidad del país inglés, gracias al explorador que descubrió su especie y que les mostró el mundo de los humanos, Paddington es temporalmente adoptado por el Señor y la Señora Brown (Hugh Bonneville y Sally Hawkins), mientras buscan contactar a otras personas que lo puedan cuidar. La inocente y torpe forma de ser del oso llevará a la familia a distintos límites. En el intertanto, la obsesionada taxidermista, Millicent (Nicole Kidman), se entera de su llegada y busca raptarlo para añadirlo a su colección, con la ayuda del Señor Curry (Peter Capaldi), un intruso vecino.

Para hacer una especie de comparación, “Paddington” para los ingleses es lo que vendría siendo “Papelucho” para nosotros. Ello explica el hype que ha tenido esta adaptación cinematográfica en el viejo continente y todo lo que ha llevado consigo a modo de publicidad. Sin embargo, para aquellos que poco o nada conocemos sobre la historia del animal antropomórfico, se nos presenta la dificultad de abrir el espacio a una figura lejana. Por ende, teniendo en cuenta esta como su primera aparición en nuestro país, resulta difícil otorgarle elogios cuando el argumento va perdiendo su sincronía a PADDINGTON 02medida que avanza la historia. Si bien se nos cuenta el origen del personaje para contextualizarlo, el armado adherido que transforma las fábulas en película se desgasta sucesivamente entre cada gag de comedia presentado.

No hay que dejarse engañar: atributos a su favor tiene. La ternura que evoca el úrsido, con su gorro y chaquetas características, su obsesión por los emparedados de mermelada de naranja, y la animación en su totalidad que proyecta sentimientos certeros reflejados en sus ojos, producen apego y simpatía. Esto es lo que, finalmente, levanta la cinta y la deja en lo alto. Sin embargo, a ratos se vuelve floja y, sea bueno o malo, demasiado empalagosa.

El contar con los apellidos Capaldi, Broadbent y Walters, no necesariamente refleja en pantalla el potencial de cada uno de los actores escogidos, sino que literalmente se pierden apenas avanza la historia. En cambio, Bonneville y Hawkins se esmeran en poner la cuota paterna más allá de la simpleza de sus papeles. En el caso de Nicole Kidman, la sobrecaricaturización de su personaje no termina por convencer como la contraparte maléfica.

PADDINGTON 03A pesar de su eterno desarrollo, termina por ser redonda, familiar y se siente “hogareña”, tanto por la paleta de colores escogida, como la musicalización ocupada con frescos toques latinos. Obviamente está muy bien articulada para ser estrenada en época de adviento.

Por suerte no es como esas nefastas películas que adaptaron personajes de la infancia como blockbuster (haciendo referencia a la desastrosa “Garfield” de 2004, que casi destruyó al gato perezoso que todos conocemos), o simplonas como las cintas-tipo de animales que hablan. “Paddington” exalta a su figura principal y la da a conocer como un emblema de su país, entregando una gama de valores y enseñanzas para el público pequeño, y un amigable acuerdo para sus acompañantes, aunque para otros pueda resultar completamente olvidable.

Por Daniela Pérez

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Artículos Cine

Star Wars y el auge de los efectos visuales

Publicado

en

Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

Seguir Leyendo
Publicidad

Facebook

Discos

Deceiver Deceiver
DiscosHace 2 semanas

DIIV – “Deceiver”

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada...

Macro Macro
DiscosHace 2 semanas

Jinjer – “Macro”

Para destacar en el actual y variado espectro musical, se puede tomar la opción de desmarcarse de algún género en...

Pyroclasts Pyroclasts
DiscosHace 3 semanas

Sunn O))) – “Pyroclasts”

La densa y oscura capa que Stephen O’Malley y Greg Anderson han construido a través de los años a punta...

No Home Record No Home Record
DiscosHace 3 semanas

Kim Gordon – “No Home Record”

En su primera experiencia solista, Kim Gordon da con un disco abstracto y cambiante, mostrando una faceta aún más experimental...

Corpse Flower Corpse Flower
DiscosHace 3 semanas

Mike Patton & Jean-Claude Vannier – “Corpse Flower”

En el cuestionamiento en torno a qué resultado puede salir frente a una colaboración de mundos tan diferentes siempre hay...

Ode To Joy Ode To Joy
DiscosHace 3 semanas

Wilco – “Ode To Joy”

El camino que Wilco ha trazado en sus más de veinte años de carrera es la prueba viviente de unos...

Railer Railer
DiscosHace 4 semanas

Lagwagon – “Railer”

Cada vez que un histórico del punk rock decide anotarse un nuevo álbum de estudio, se genera un ambiente de...

Ghosteen Ghosteen
DiscosHace 4 semanas

Nick Cave & The Bad Seeds – “Ghosteen”

Las composiciones de Nick Cave & The Bad Seeds han visto un cambio en la década presente. Dejando descansar a...

All Mirrors All Mirrors
DiscosHace 4 semanas

Angel Olsen – “All Mirrors”

Con los primeros acordes de su debut, “Half Way Home” (2012), Angel Olsen dejó en claro su perspectiva del folk:...

Metronomy Forever Metronomy Forever
DiscosHace 4 semanas

Metronomy – “Metronomy Forever”

Ha pasado más de una década desde el clásico de Metronomy, “Nights Out” (2008), material que los estableció como parte...

Publicidad
Publicidad

Más vistas