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Michael Haneke: Monstruosidad humana

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El cine de terror y suspenso son géneros privilegiados en las salas de cine comercial de nuestro país. Estamos acostumbrados a someternos a las emociones intensas que nos provocan miedo en estas cintas, casi como si nos metiéramos voluntariamente a una cámara de tortura. Lo hacemos sin pensarlo dos veces, porque sabemos que nos disponemos a una fantasía de la que nos libraremos apenas salgamos del cine y de la que incluso nos reiremos con nuestros amigos cuando la recordemos. Son películas en las que el terror es alimentado principalmente por un agente externo a nuestra realidad: Der siebente kontinent Hanekecriaturas sobrenaturales y escenarios exóticos reforzados por sorprendentes efectos visuales.

Pero, ¿qué pasa si el ente amenazante se encuentra entre nosotros, en un mundo más que verosímil, en nuestra realidad? O aun peor, ¿qué sucede cuando el espectador es involucrado a tal punto en una película, que su vida personal es parte de la construcción directa del monstruo visionado en la pantalla? La respuesta es terrible. Al salir de la sala el terror permanece, perturbándonos camino a casa y, quién sabe, quizá hasta semanas después de haber tenido esa experiencia, porque estamos conscientes que el peligro que nos hizo temer en el cine sigue y seguirá presente a pesar de que intentemos escapar.

Así es cómo las obras de Michael Haneke producen tanta polémica e incomodidad en cada uno de sus estrenos, mostrándonos lo más feo de nosotros mismos sin la necesidad de un dispositivo extraterrenal; le coloca un rostro humano a lo deshumanizado. Desde su debut con “Der Siebente Kontinent” (1989) hasta la más reciente “Amour” (2012), instala el terror desde el núcleo familiar, en donde la falta de comunicación o la no voluntad de diálogo entre seres humanos íntimos, desata el desastre que nos hace tanto sufrir.

BENNYS VIDEOLos espacios de las películas de Haneke son lugares sombríos, extraños dentro de su cotidianeidad, están estancados en el tiempo hasta que la figura del monstruo se devela para romper con violencia una incómoda tranquilidad. Una vez gatillada la tragedia, el espacio se convierte en una cárcel para los personajes, dando la sensación de que sus acciones los llevan hacia un callejón sin salida. Incluso los espacios abiertos se vuelven tortuosos y claustrofóbicos. Ciudades como París en “Code Inconnu: Récit Incomplet De Divers Voyages” (2000) o la campiña francesa en “Le Temps Du Loup” (2003). De cualquier forma el espacio privilegiado es el hogar, en donde habita generalmente una familia disfuncional, otro elemento clave para Haneke, inclusive si la familia es reducida como en “La Pianiste” (2001) o “Amour” (2012), en donde basta un par de personas para generar el conflicto principal.

71 Fragmente einer Chronologie des ZufallsEl estilo de los escenarios de sus películas es por lo común minimalista y está ordenado de manera precisa, encuadrado en perspectivas clásicas, en planos prolijamente trabajados, geométricamente proporcionales. Los elementos de la puesta en escena siempre nos entregan pistas acerca de los trastornos o amenazas que cargan los personajes, es por eso que los tiempos se alargan, ya que se intenta instalar el suspenso y la intriga incluso a través de los lugares, el espacio entonces se dramatiza y contribuye al efecto de tensión que se quiere provocar. “Caché” (2005) y “Das Weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte” (2009) son quizá el mejor ejemplo de esto en la filmografía del austríaco: el espectador está buscando en cada rincón de la imagen al sospechoso del misterio de turno, rastreando en la imagen la aparición de algún culpable.

FUNNY GAMESLos personajes están siempre dañados y sus relaciones afectivas son anormales. Son competitivos, individualistas, humillantes o humillados, cínicos, temerosos, banalizan el amor o lo confunden de manera psicopática, distorsionan los mensajes que provienen de otros debido a una incapacidad de saber escuchar. El mejor caso se da en “La Pianiste” (2001), protagonizada por Isabelle Huppert, una de las musas recurrentes de este director. En ella, Erika se ve afectada por una relación enfermiza con su madre, quien la manipula fácilmente, por ello es incapaz de tener una relación normal con el hombre que se enamora perdidamente de ella. Es increíble cuantos “te quiero” vacíos o sin un destinatario que los quiera recibir podemos escuchar tras las bocas de los actores de Haneke.

CODE INCONNUPero la competencia y el individualismo no se muestra sólo de manera personal o familiar, sino que también desde el punto de vista étnico, ya que vemos constantemente la humillación hacia los inmigrantes en los países franco-germánicos: hacia europeos del este, africanos o árabes que forman parte de los denostados. Sin embargo, a pesar de lo trágico, son quienes nos recuerdan nuestra condición humana. “Code Inconnu” (2000) y “Caché” (2005) se hacen cargo de esta crítica social. Otro elemento clave es la inclusión del tema “realidad versus ficción”, y no cualquier ficción, sino que una mediatizada en la época posmoderna y globalizada. Los personajes de Haneke están criados por las imágenes de la televisión, sus vidas son demarcadas por los noticieros que construyen finalmente el discurso oficial. Se confunde constantemente a la realidad, son de alguna forma esquizofrénicos, el espectador varias veces es invitado a este juego de confusión, lo que genera aún más desesperación. En “Benny’s Video” (1992), un adolescente está obsesionado con la imagen de video a tal punto, que comete un crimen que registra con su cámara y que involucra finalmente a sus padres con un final trágico para todos. En “71 Fragmente Einer Chronologie Des Zufalls” (1994), vemos cómo los noticieros le quitan relevancia a los temas importantes para la sociedad, aportando al cerco comunicacional que no nos permite dialogar. En una secuencia, una noticia corta nos cuenta sobre una matanza que involucra la vida de algunos habitantes de Viena, a continuación una noticia más larga alimenta el deseo del espectador por conocer el último escándalo farandulero proveniente de Estados Unidos. En “Funny Games” (1997) el efecto de la realidad doble se LA PIANISTEmaneja desde otro dispositivo e involucra al público de una manera más directa al romper la “cuarta pared”. El protagonista, un sádico asesino, mira directamente a la cámara, interpela al espectador, le pide su opinión sobre las vidas frágiles que se ven colgadas de un hilo en el mundo narrado. La tortura es recurrente, la violencia es excesiva y el espectador es puesto en un lugar desafiante; se le hace identificar con un voyerista que podría o no disfrutar la masacre.

Las estructuras narrativas de los filmes de Haneke son complejas: fragmentarias, laberínticas, misteriosas. A la tensión provocada por los tiempos largos, hay que sumarle una carga más de nerviosismo basado en el rompecabezas que debemos armar cada vez que nos enfrentamos a una nueva historia. Pero atención, a pesar de que es muy fácil rendirse ante la confusión provocada por este estilo narrativo, el director siempre va a cumplir la promesa que nos va construyendo a través del relato, y al final de cada obra uno se puede sentir satisfecho de sopetón con un desenlace que se presenta siempre como nocaut, lo que hace encajar todas las piezas, dándole sentido al laberinto.

CACHELos finales tampoco son fáciles. Siempre abiertos o ambiguos, a la libre interpretación del público, pocas veces nos sentimos recibiendo una lección moralista o una propaganda barata al terminar de ver algo de Haneke. Del mismo modo, la dirección de actores contribuye a esto: la interpretación de artistas como Juliette Binoche, Arno Frisch, Jean-Louis Trintignant o Isabelle Huppert, quienes protagonizan algunas de las historias, suelen ser frías, minimalistas, con diálogos que se contradicen a las acciones de los personajes y que parecieran ser irrelevantes para ellos. La vida se les pasa sin más que hacer, con resignación e impotencia y es acechada frecuentemente por la muerte que se presenta como la solución tajante a ello. La voluntad frente a la fatalidad inevitable está siempre a cargo de un ser humano. En el caso de “Amour” (2012), una pareja de ancianos se ve sometida al desafío de vivir la vejez de manera digna en un mundo que no pareciera estar hecho para aquellos que tienen más años; se enfrenta a los personajes a temas polémicos como la eutanasia o el amor de pareja en la tercera edad. Esta obra constituye un lunar en la filmografía de Haneke, ya que DAS WEISE BANDa pesar de mantener ciertas normas de estilo, los protagonistas demuestran un amor sincero, raro en las historias precedentes de este director y el monstruo que los aqueja es más bien abstracto, en este caso, la enfermedad de uno de ellos.

Podríamos culminar con una visión pesimista sobre el trabajo de Haneke, quedándonos inmóviles ante el peligro que nos amenaza al salir de la sala de cine, temiendo cada paso que damos en nuestro camino a casa, reproduciendo el mundo violento, claustrofóbico y esquizofrénico retratado en su filmografía, sin embargo, creemos que el cine como obra de arte es un dispositivo de diálogo y las obras de este director en particular, al enfrentarnos con un monstruo humano, parecido a nosotros, nos invitan a reflexionar sobre el mundo en que vivimos y a luchar en contra de un enemigo que no es imbatible, ya que poseemos sus mismas armas. Afortunadamente no vivimos dentro de una película de Haneke y siempre podremos dialogar entre nosotros como también siempre será necesario moverse por algo que sabemos justo. Su cine pasa entonces de lo terrorífico a lo político y eso es lo que hace a sus películas obras de arte tan potentes.

Por Felipe Garrido

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2 Comentarios

2 Comentarios

  1. marcelo

    26-Feb-2013 en 7:15 pm

    que buen analisis, muchas gracias.

  2. rocamadour

    27-Feb-2013 en 12:26 pm

    Sin duda el mejor articulo sobre el complejo mundo “hanekiano” demasiado incomodo a veces, pero el no cerrar los ojos nos convierte en sus complices, el quiere eso, no quiere explicar su historia, quiere que reflexionemos, sobre la violencia, sea gratuita o no, la historia lo recordara como el mas grande del nuevo milenio. No estoy seguro, pero Das Schlob (El castillo), en algunos articulos tambien es considerado parte de su filmografia.

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Estrenos cinematográficos del 18 de enero

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Three Billboards Outside Ebbing Missouri

Cartelera de cine semanal

“Las Horas Más Oscuras”

Título Original: Darkest Hour

Director: Joe Wright

Duración: 125 minutos

Año: 2017

Reparto: Gary Oldman, Ben Mendelsohn, Kristin Scott Thomas, Lily James, Stephen Dillane, Richard Lumsden, Philip Martin Brown, Brian Pettifer, Tom Ashley, Jordan Waller, David Olawale Ayinde

“Los Que Aman Odian”

Título Original: Los Que Aman Odian

Director: Alejandro Maci

Duración: 101 minutos

Año: 2017

Reparto: Guillermo Francella, Luisana Lopilato, Marilú Marini, Juan Minujín, Justina Bustos, Carlos Portaluppi, Mario Alarcón

“3 Anuncios Por Un Crimen”

Título Original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Director: Martin McDonagh

Duración: 115 minutos

Año: 2017

Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes, Abbie Cornish, Caleb Landry Jones, Brendan Sexton III, Samara Weaving, Kerry Condon

“El Pasajero”

Título Original: The Commuter

Director: Jaume Collet-Serra

Duración: 104 minutos

Año: 2018

Reparto: Liam Neeson, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, Jonathan Banks, Elizabeth McGovern, Dean-Charles Chapman, Clara Lago, Florence Pugh, Letitia Wright, Shazad Latif, Killian Scott

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