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Mejores películas Chile 2017 Mejores películas Chile 2017

Artículos Cine

Mejores películas estrenadas en Chile en 2017

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Nuevamente hemos desarrollado y trabajado en nuestra sección de cine, durante los últimos doce meses, una lista con las que consideramos son las mejores películas estrenadas en Chile en 2017.

Ya muchos conocen la fórmula que empleamos, pero para los que recién se conectan a este tipo de artículos, este listado se basa sólo en lo estrenado oficialmente en Chile, entre el 24 de diciembre de 2016 y el 7 de diciembre del presente año, aquellos títulos que al menos duran una semana en cartelera, independiente de su año de producción o de estreno en otros países; omitimos las películas proyectadas una o dos veces en festivales. Obviamente, tampoco se incluyen aquellas películas del año que no llegaron a salas chilenas, aunque todos sabemos que de ahí saldrían excelentes títulos (“A Ghost Story” de David Lowery o “Grave” de Julia Ducournau serían inclusiones fijas en este listado).

Tal como en nuestros artículos de mejores discos internacionales, acá primero se hace un proceso que rescata el gusto individual y luego otro en conjunto con una fórmula objetiva, dando como resultado la lista que verán a continuación. Al igual que en 2016, este año sólo incluimos veinte, porque la calidad de las cintas que se estrenan por estos lados es proporcionalmente muy baja en comparación a su cantidad (se estrenaron casi 250 películas).

  • Si quieres leer la crítica que se publicó el día de estreno de cada película, haz clic en su título o afiche.

20°

Una Mujer Fantástica

“Una Mujer Fantástica” de Sebastián Lelio

Sebastián Lelio se supera otra vez y, en sintonía con las temáticas que remueven al Chile actual, nos entrega este espectacular filme que traspasa prejuicios y logra reconstruir los espacios comunes que el cine de género ha creado y conquistado. Lelio, en su mejor momento, hace gala de un talento curtido por el oficio, las caídas y los logros. La película es el reflejo de la madurez en la narrativa del director, quien, siempre fiel a su sello personal, nos entrega una historia profunda, doliente y terriblemente real. Con una sencilla brutalidad, Lelio no sólo crea un retrato perfecto de las injusticias que la población transexual vive, sino que articula un guion transversal para todo espectador. Una fábula sobre la soledad y el rechazo que, en una sólida progresión de personajes, se tuerce hacia un relato cargado de valentía y coraje; luces que nublan la oscuridad, amor que vence el odio.

19°

La La Land: Ciudad de Sueños

“La La Land” de Damien Chazelle

A simple vista, un musical puede generar cierto rechazo producto de un prejuicio casi naturalizado sobre este género, pero con “La La Land: Ciudad de Sueños” el joven director Damien Chazelle logra derribar todas esas barreras para entregar una película de una muy impecable factura, sustentándose en una potente banda sonora a modo de guion para su historia. Con una cuidadosa preocupación en los detalles, la película toma elementos del romance y el drama para conjugarlos en la historia de dos adultos y su tortuoso camino hacia el estrellato, planteando una radiografía hacia las relaciones idealizadas, la persecución de los sueños y el egoísmo propio de los seres humanos, tópicos que confluyen en una trama ligada a la música durante todo su desarrollo, gracias al gran trabajo de Justin Hurwitz como compositor de la banda sonora, pieza central de todo el filme.

18°

Paterson

“Paterson” de Jim Jarmusch

La poética de lo cotidiano y la celebración de la rutina. En “Paterson” estas dos afirmaciones se forjan de manera tal, que todos los elementos participados en la película logran sentirse con una naturalidad sobrecogedora, como si fuesen nuestras propias historias las que quedan atrapadas en algún recorrido del Transantiago. Y es que las realidades que plantea el largometraje son perfectamente extrapolables a cualquier rincón del mundo donde las relaciones sociales estén determinadas por las más corrientes situaciones domésticas, desde pasar un rato en el bar de la esquina hacia el final del día, hasta proyectar futuros mejores ante la precariedad de las circunstancias vigentes. El punto está en saber cómo observar estos escenarios para documentar algo que tenga importancia. Nuevamente, Jim Jarmusch nos ofrece una cinta con un profundo sentido de la existencia.

17°

El Planeta de los Simios: La Guerra

“War For The Planet Of The Apes” de Matt Reeves

El merecido cierre de la trilogía que vino a revivir a “Planet Of The Apes” (1968) de manera tan precisa e inteligente como sus predecesoras. Un destacado balance entre lo llamativo de sus detalles y la complejidad de su historia montada sobre una base sci-fi que reflexiona en torno a la violencia, la piedad y el instinto de supervivencia que nos conecta tanto con animales como con humanos. Una crítica sobre la subsistencia y la bestialidad de la sociedad, contada mediante la narrativa bellamente construida y la acción desenfrenada, en una película capaz de reclamar para sí todo lo necesario para explorar la extensa gama de posibilidades, sensaciones y emociones que envuelven al espectador, a medida que la historia de César y su manada se desarrollan en la pantalla. Sin duda, un filme valiente, preocupado por sus detalles y de una sólida calidad, tanto técnica como actoral.

16°

Good Time: Viviendo Sin Límites

“Good Time” de Benny Safdie y Josh Safdie

Una aleación de decisiones equívocas, un falso sentido de protección y dos hermanos que buscan un futuro diferente; desde una atmósfera electrónica y en una Nueva York oculta y marginada, surge un adictivo thriller policial neo noir que desafía las construcciones de una sociedad basada en la buena fe. Los directores Josh y Benny Safdie –el último encarnando a uno de los secundarios– experimentan con situaciones intensas y personajes inusuales y extravagantes, en cuyos motivos, y bajo las sombras, se esconden historias y experiencias que marcan su peculiar actuar. Robert Pattinson nos otorga la que fácilmente es una de sus mejores interpretaciones a la fecha, con un sólido y enérgico rol principal, en cuya alienación frenética está la base para comprender el miedo a la soledad que se mueve sólo gracias a la búsqueda de una utopía. Claramente, mucho más que “un buen rato”.

15°

Toni Erdmann

“Toni Erdmann” de Maren Ade

El humor absurdo como una forma de reflejar la cotidianidad convertida en un problema. Es este el tópico que plantea “Toni Erdmann”, una película que expresa el sentido de las relaciones fraternas considerando todo el vaivén de emociones y frustraciones familiares que soslayan a las mismas, esto, mucho más allá de la felicidad o incomodidad que devienen de los lazos sanguíneos. Porque, no importa qué tan resueltas tengamos nuestras vidas dentro de un sistema social y laboral que es castigador con las demostraciones de cariño, o qué tanto creamos tener el control de nuestros sentimientos con una independencia afectiva mediante, cuando existe la posibilidad de volver a experimentar ese elemento paternal, maternal o familiar que nos hizo personas en primer lugar, la mejor opción es entregarse de buena gana para permitirnos un redescubrimiento personal que nos saque de cualquier vacío vigente.

14°

Viene De Noche

“It Comes At Night” de Trey Edward Shults

Continuando con su estilo claustrofóbico, con “Viene De Noche” el director Trey Edward Shults parece estar desarrollando un talento para entregar una ansiedad creciente sin importar el género en que lo cataloguen. Un desconfiado padre de familia en un desconocido escenario debe defender a su familia de amenazas inciertas, las que muchas veces sólo tienen fundamento en la propia paranoia, pero el foco está puesto en su hijo, un adolescente que enfrenta su masculinidad y su temor con el de su padre. El miedo a lo invisible es el protagonista de esta película, llevando a los personajes a desconfiar los unos de los otros y a cometer terribles actos en lo que pretende ser defensa propia. Este retrato del temor al otro hace que “Viene De Noche” sea un espejo a la sociedad contemporánea, en la que cada vez nos protegemos más dentro de cuatro paredes, temiendo los hipotéticos peligros del exterior.

13°

¡Madre!

“Mother!” de Darren Aronofsky

“¡Madre!” se erige orgullosa como una película única, pero se siente como el epítome de la obra de Darren Aronofsky: una alegoría bíblica ostentosa y catastrófica, no tan explícita respecto a qué tan en serio quiere ser tomada. Provocando desde rechazo absoluto a fascinación en un público dividido, está hecha para no dejar indiferente a nadie. Es reflejo de una cinta compleja el que de ella se puedan desprender distintas intenciones temáticas. Es una fábula religiosa sobre la creación de la Tierra y sus primeros habitantes, una historia sobre la entrega unilateral en una relación de pareja abusiva, un cuento moral sobre el sacrificio que implica la verdadera creatividad. “¡Madre!” será recordada en el futuro. Y es que da más gusto ver películas provocativas, valientes y arriesgadas como esta –con todas sus falencias– que aquellas que juegan seguro y que se han visto muchas veces antes.

12°

Silencio

“Silence” de Martin Scorsese

Basada en el libro homónimo de Shûsaku Endô, el último trabajo de Martin Scorsese se interna pausadamente, sin miedos ni concesiones, en la crisis espiritual cuando las convicciones son puestas en jaque y quienes las cargan deben sufrir las consecuencias de su autoimpuesta responsabilidad. Siendo una obra desafiante en relación a su extensa duración y ritmo sosegado, esta logra cautivar gracias a un detallado trabajo de fotografía que captura no sólo los rasgos culturales e históricos de un lugar, sino también el viaje físico y emocional de sus protagonistas. Y a pesar de estar centrada en el cristianismo, no cae en ser un sermón moralista, sino que se toma de aquella excusa para explorar en profundidad estas creencias a través de una mirada reflexiva sobre la fe, la duda y la culpa, mezclándolas en una narración mayormente contemplativa y llena de cuestionamientos.

11°

Dunkerque

“Dunkirk” de Christopher Nolan

La operación Dunkerque, uno de los rescates más complejos de la Segunda Guerra Mundial, se convierte en la arcilla con que Christopher Nolan emociona y sorprende en partes iguales. Una narrativa ingeniosa, que salta de un personaje a otro a través de distintos espacios y contextos, una dirección impecable y una preocupación ejemplar al detalle estético. Estos son los ingredientes con que el experimentado director logra sumergirnos durante las casi dos horas de película, en una narrativa madura, arriesgada y sumamente bien lograda. “Dunkerque” es un viaje a través de la crudeza de la guerra y del dolor, pero también de la esperanza y la fe; un recorrido al espíritu humano en cada uno de los protagonistas que componen el tríptico narrativo que es traído a la vida por el sólido trabajo del equipo involucrado en esta producción.

10°

Coco

“Coco” de Lee Unkrich

Ya es conocido el potencial de Pixar como fabricadores de cintas animadas con gran profundidad, y “Coco” no es la excepción. El protagonista de esta historia lucha por un sueño y, en este camino, aprenderá sobre los sacrificios que son necesarios para lograrlo, además de ser el puente que unirá a su familia con los que ya han muerto y no quieren ser olvidados. En ese sentido, la cinta reflexiona sutilmente sobre la muerte y cómo esta, por medio del perdón y los recuerdos, es capaz de fortalecer los lazos familiares. Todo esto inserto en un entramado narrativo que logra sorprender y emocionar, a través de un colorido viaje lleno de detalles y atractivos visuales que ayudan a construir una historia llena de personajes entrañables y carismáticos. Por otro lado, logra capturar apropiadamente el alma de la cultura mexicana y sus tradiciones, en un acertado tributo a su música y festividades.

Logan

“Logan” de James Mangold

El cine de superhéroes pasa bajo una nueva revisión con este último capítulo de Hugh Jackman interpretando al mutante Wolverine, entregando una historia basada en el camino a la redención con la constante interrogante de saber qué pasó con los mutantes en un mundo de contexto decadente, árido y apagado. Con la sólida dirección de James Mangold, el personaje recibe un enfoque completamente diferente, más humano y deprimente que otras de sus apariciones en la pantalla grande, permitiendo así un relato con más sentido cinematográfico que la mayoría de las cintas basadas en cómics que vemos en la actualidad. Elementos como la profecía del elegido, la tierra prometida y el ocaso de un héroe, encuentran un punto de unión en la que, sin duda, es la mejor película del género en mucho tiempo, dando una conclusión a la altura para uno de los personajes más icónicos de Marvel.

Luz de Luna

“Moonlight” de Barry Jenkins

Barry Jenkins consigue con astucia que observemos casi a escondidas la vida del protagonista de “Luz de Luna”, retratando a través de una narración personal lo que significa crecer en una comunidad segregada y cómo esto afecta directamente el desarrollo de la identidad de sus miembros. Siendo su elaboración de manera episódica –desde la niñez a la etapa adulta– la responsable de generar la inmersión total en este viaje, este también se toma las pausas necesarias para detenerse en detalles que cuestionan la visión que él tiene de sí mismo y cómo la construcción social de la masculinidad ha afectado su carácter y la represión hacia su orientación sexual. A través de un relato íntimo, reflexivo y tratado con sutileza, se logra crear una atmósfera envolvente y llena de momentos de complicidad, donde la empatía es clave en una historia de búsqueda y aceptación.

Viento Salvaje

“Wind River” de Taylor Sheridan

En la blanca inmensidad de la reserva indígena Wind River, Wyoming, el cuerpo de una joven que yace en medio de la nieve va desenvolviendo una ficción en cuya base se asienta una crítica profunda a un país que ha relegado derechos básicos a su ciudadanía nativo-americana. De esta manera, Taylor Sheridan dirige un thriller dramático lacerante y desgarradoramente adictivo, desde el cual retumba el grito acongojado de un pueblo aislado, dolido y olvidado. Con un ensamble sólido, una fotografía que enaltece la fría e inquietante majestuosidad del entorno y la denuncia frente a las desapariciones no documentadas de las mujeres indígenas, este relato sobre la búsqueda de justicia frente a una realidad de la que nadie quiere hacerse cargo trabaja con emociones complejas y temáticas implacables, que la presentan como una pieza cinematográficamente bella y sobrecogedoramente brutal.

The Square

“The Square” de Ruben Östlund

En una realidad en que el caos es el único orden natural de la sociedad, la sátira precisa y visceral del director sueco Ruben Östlund llega a plantear un relato que es tanto análisis como provocación, y que, tal como una instalación de arte contemporáneo, invita a especular acerca de los límites en forma y fondo de todo lo que rige nuestra vida moderna. Con un espectro increíble de temáticas presentadas como paradojas –amor, tecnología, poder, verdad, medios, ética, individualidad, altruismo, justicia–, esta cinta encarna en su virtualidad una abrumadora y profunda crítica retrospectiva del comportamiento humano, logrado a través de una dirección y composición artística idílica y un protagonista clave, perdido entre el arte que imita a la vida y un mundo absurdo en permanente invención. Sin duda, una experiencia cinematográfica verdaderamente surreal, frustrante y fascinante.

El Viajante

“Forushande” de Asghar Farhadi

El director y guionista ganador del Oscar, Asghar Farhadi, nos sorprende con esta fantástica cinta que consigue mezclar una dura crítica al espíritu humano con una exquisita y pausada narrativa. Sutil y mordaz, la película danza entre el thriller y el hiper-realismo, consiguiendo contundentes momentos de tensión y una invisible pero sólida progresión narrativa. Sin la sobreexplotación de diálogos, Asghar da vida a personajes protagónicos profundos, que conectan con el público y consiguen sumergirnos en un relato aparentemente simple, pero que, a medida que la historia se desnuda, nos demuestra cuánta profundidad puede instalar este experimentado cineasta con tan pocos elementos. Acertada en su ejecución y valiente en su planteamiento, la película es un relato de igualdad y absolución, una cinta que no pareciera de estos tiempos y que se demuestra necesaria una vez que se visiona.

Nada Que Perder

“Hell Or High Water” de David Mackenzie

El director David Mackenzie une fuerzas con la pluma de Taylor Sheridan para abordar la historia de dos hermanos que realizan una ola de asaltos, siendo perseguidos por un policía al borde del retiro en el proceso. Dicha historia puede sonar como un lugar común en cuanto a clichés del género policial y western, pero lo cierto es que aquí tenemos una trama maravillosamente compuesta, con un cuidado artístico muy bien conjugado con la fluidez en el guion. La belleza cinematográfica de esta cinta la instala como uno de los trabajos más destacados del año, permitiendo una compleja narrativa en torno a los conflictos, motivos y giros que se van abordando durante su desarrollo, llevando al espectador a mantener su atención en el destino de los protagonistas, quienes se ven inmersos en una tensa y arriesgada persecución a costa de sus actos.

Blade Runner 2049

“Blade Runner 2049” de Denis Villeneuve

Sin ser una secuela esperada con optimismo, “Blade Runner 2049” hace honor al filme original de 1982, continuando sus profundos cuestionamientos con mayor claridad y con una cautivante fotografía, tan inmersiva como sobrecogedora, quedando grabada en la mente tanto como las preguntas sin respuesta que plantea. Harrison Ford vuelve al personaje de Rick Deckard, pero ahora es Ryan Gosling, interpretando al oficial K, quien lleva el hilo de este cuento de ciencia ficción, demasiado contemporáneo en su planteamiento al difuminar las líneas entre lo humano, la inteligencia artificial y la realidad. Con Denis Villeneuve al mando –responsable de “Arrival” (2016), la mejor película en nuestra lista del año pasado–, demuestra una vez más por qué es uno de los mejores directores trabajando hoy en día, logrando que “Blade Runner 2049” no sea sólo una secuela, sino que se sostenga por mérito propio.

¡Huye!

“Get Out” de Jordan Peele

El cine de terror que se ha desarrollado en los últimos años debe ser de lo mejor que le ha pasado al género en mucho tiempo. Películas como “The Babadook” (2014), “It Follows” (2014) o “The VVitch: A New-England Folktale” (2015) han trascendido al golpe de efecto para dar con cuestiones mucho más complejas. En ese marco, uno de los antecedentes más recientes tiene que ver con “¡Huye!”, primer largometraje del director y guionista Jordan Peele, quien presenta una historia que se apropia de los temas coyunturales críticos para flanquear varios aspectos de los mismos. Porque no son sólo los alcances del racismo los que toman parte en la cinta, lo hacen también la subyugación a través del poder, las costumbres de tradición purulenta y las relaciones fraternas/sentimentales malsanas. Contingente y de un ácido humor negro, es una cinta facturada por el nuevo cine de horror más interesante de la temporada.

Manchester Junto Al Mar

“Manchester By The Sea” de Kenneth Lonergan

En “Manchester Junto Al Mar”, al igual que en sus películas anteriores, “You Can Count On Me” (2001) y “Margaret” (2011), Kenneth Lonergan busca escarbar en los conflictos humanos más profundos y entender las dificultades que tienen las personas para conectar. Es una tarea ambiciosa, pero él la lleva a cabo con la lucidez y la modestia de la vida real, encontrando inesperado humor en detalles cotidianos y haciéndonos entender a los personajes más inaccesibles. El protagonista, un desgarrador Casey Affleck, se va dilucidando como un rompecabezas en proceso y, cuando se nos presenta una de las revelaciones más impactantes del cine de este año, empezamos a ver su historia como una dura fábula sobre la tragedia, la incapacidad de seguir adelante y el perdón. Es cine sobrio e inteligente, de aquel que está por encima de buscar moralejas, forzar cambios y presentar finales facilistas.

Por Valentina Vinet, Ricardo Tapia, Daniela Pérez, Ángelo Illanes, Ignacio GoldaracenaRoberto Núñez, Manuel Cabrales, Pablo Moya y Claudio Tapia.

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Artículos Cine

Primer trailer de “Stardust”, próxima biopic de David Bowie

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Desde el éxito que tuvo “Bohemian Rhapsody“, las biopic de artistas serán algo que se tomará las carteleras el día en que los cines regresen a la actividad. Mientras tanto, ya tenemos un adelanto de la nueva película basada en la vida de un artista con “Stardust“, cinta que retratará la vida de David Bowie en 1971, previo a la creación del personaje de Ziggy Stardust, y que llegará a algunos cines y a plataformas de VOD el próximo 25 de noviembre.

Dirigida por Gabriel Range, en la película tenemos a Johnny Flynn como Bowie, con un casting que incluye actores como Marc Maron y Jena Malone. Además del adelanto, la cinta mostró el primer afiche, que puedes revisar al final de esta nota.

Mira el trailer y el afiche a continuación:

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